LOS LIBROS DEL ROCK ARGENTINO

¡QUE CIRCO!

2011-12-16T22:12:00.000-03:00

MIGUEL CANTILO

1ra. Edición: 2011

Editorial: Galerna

Prólogo: Sergio Marchi

Memoria y Presente de Medio Siglo

de Rock Argentino

En su nuevo libro, Miguel Cantilo plantea un recorrido cronológico por el “Circo”, como se bautizó al ambiente cultural del rock, que sirve para pensar las transformaciones que vivió la sociedad argentina en los últimos cincuenta años.
A partir de su propia experiencia, con una mirada personal y a la vez representativa, se detiene en anécdotas y datos ocultos, retrata a diversos personajes, analiza consignas filosóficas, denuncia a los “fariseos” del rock, evoca giras, guitarreadas y conciertos, atraviesa el “flower power”, la guerra de Malvinas, el “menemato” y el panorama actual.

Sergio Marchi afirma en el prólogo: “Miguel Cantilo en libro es bastante parecido al que admiramos por sus canciones”.
¡Qué Circo! da un testimonio particular, amplio, sincero y comprometido sobre cinco décadas de historia, con el eje puesto en el rock.

El autor
Miguel Cantilo ha sido testigo y protagonista de la historia del rock en Argentina.
Sus canciones han atravesado épocas hasta convertirse en clásicos como “Adonde Quiera que Voy”, “Catalina Bahía” o “La Marcha de la Bronca”.
Debutó como vocalista a los quince años. Poco después, en 1968, compuso con Jorge Durietz el dúo Pedro y Pablo, que inmediatamente se hizo reconocido.
Ya en los ’70, grabó su primer disco solista.
Durante la última dictadura militar, se exilió en España.
Desde entonces, se ha presentado con diversas formaciones (Punch, Miguel Cantilo y los Profesionales, La Sangre, Almango) y ha mantenido en paralelo su carrera solista.
A su vez, publicó los libros Señales de Vida, ¡Chau, Loco! y El Cantar de Miguel Cantilo, todos en editorial Galerna. En estos días está saliendo también su vigésimo segundo disco, Cantilenas.

Miguel Cantilo presentará ¡Qué Circo! y el disco Cantilenas el viernes 23 de diciembre a las 19 en La Perla del Once (Av. Rivadavia y Av. Jujuy, Ciudad de Buenos Aires).

UN DIOS APARTE - Tras los pasos de Charly

2011-07-02T20:54:00.003-03:00

MIGUEL ANGEL DENTE

1ra. Edición:

2011

Editorial:

Ediciones Disconario

Un Dios aparte - Tras los pasos de Charly
Surge desde la profunda admiración, el respeto y el reconocimiento que despierta la figura de Charly, el mayor exponente de popularidad que ha dado el rock argentino –un proceso creativo que se encuentra muy próximo a celebrar su cincuentenario – Daniel Chirom (libro Charly García) y Sergio Marchi (libro No digas nada) entre otros, nos han acercado interesantes visiones sobre su vida. El rumbo aquí trazado se origina desde mi libro Transgresores: Spinetta / García / Páez, aunque recortando del contexto la obra de García para desmenuzarla en mayor profundidad y completarla en el tiempo.

Producción y participación en trabajos ajenos, tributos, galardones y encuestas publicadas. Habrá seguramente omisiones y errores involuntarios, personales o de la bibliografía consultada pero, bien vale la pena correr el riesgo para apreciar el universo García en su real magnitud y llevarse una visión compacta y acabada de la obra en su totalidad.

El título de esta obra puede soslayar dos diferentes interpretaciones: Un dios aparte es el que ha tenido Charly para ser capaz de afrontar y superar las sucesivas crisis, salir adelante a pesar de sus recurrentes “encuentros con el diablo”.
Por otro lado, algunos lo sitúan en un lugar de verdadera deidad, muchos sobrevivientes de la tempestad Say No More.
Para ellos, seguramente, ha de ser “un dios aparte”… incluso muy superior al que más prensa tiene.

PAPPO - El Hombre Suburbano

2011-03-10T08:11:00.002-03:00

SERGIO MARCHI

1ra. Edición: 2011

Editorial: Editorial Planeta

Prólogo: Sergio Marchi

Pappo vuelve, una vez más, a conmover al público argentino. Pero esta vez lo hará a través de una completísima biografía de Sergio Marchi, quien, en “Pappo. El hombre suburbano”, hace un recorrido minucioso y detallista por la vida y obra de uno de los músicos más impresionantes que vivieron en la Argentina.

La leyenda de Norberto Napolitano, el hombre detrás del nombre de Pappo, lo tiene todo.

Anécdotas, humor, música, viajes, ascensos, descensos, violencia, motos, mujeres, amigos, excesos, éxitos, fracasos, resurrecciones...

Y, por supuesto, un final trágico del que la comunidad rockera todavía no logra reponerse.

Sin embargo, algo faltaba: una biografía a la altura del mito.

Sergio Marchi, periodista de rock de extensa trayectoria, fan de Pappo desde que tiene memoria y con experiencia en el terreno de la biografía por su inolvidable libro sobre Charly García, decidió asumir el desafío.

El resultado de su gesta periodística es Pappo. El hombre suburbano , un libro que además de recorrer paso a paso la vida del guitarrista de rock más gravitante del Cono Sur consigue, quizá sin proponérselo, una versión alternativa de los hechos que constituyen la historia oficial del rock argentino.

Cuatro años de investigación, y más de sesenta entrevistas a personalidades como Luis A. Spinetta, Litto Nebbia, Javier Martínez, Vitico, Michel Peyronel, Araceli González, Corcho Rodríguez, Juan Palomino, sumados a otros artistas, familiares, novias y amigos del legendario Carpo, confluyen en un relato tan fantástico como la vida de Norberto Napolitano. Biógrafo y leyenda, juntos a la par.

Sobre el autor:
Sergio Marchi nació en Buenos Aires, en 1963.

Periodista de rock de los de raza, comenzó su carrera en los tempranos años 80 en radio y medios gráficos y desde entonces se ha convertido en un referente ineludible de la crítica de música en la Argentina.

100 VECES PAPPO

2011-03-09T07:27:00.001-03:00

JOSE BELLAS - FERNANDO GARCIA

1ra. Edición: 2011

Editorial: Grupo Editorial Norma

Prólogo: Jose Bellas y Fernando Garcia

La recolección de historias sobre la vida larger than life de Pappo se vuelve necesaria a partir de que el protagonista es él, un señor nacido Norberto Napolitano y no otro.

Excesos, putas, maldades, circo, todo eso cobra sentido (todo eso es interesante compartir) sólo a partir de que es él: la risa esa, la terquedad esa, la casa esa, la guitarra esa, el cuerpo ese.

Aquí se cuentan cien, acaso sumen miles, fragmentos de una biografía en sketches repartidos azarosamente en siete volúmenes (del mismo modo que Pappo repartió su música en los setenta: 70 veces 7).

Entre todas las historias se escribe una épica contemporánea. La del pesado atado a su propio peso que arrastra con todo lo que se le cruza. Su propia alma incluso. Y son estos cuentos, también, los blues de Pappo.

Este libro podría haber sido una biografía tradicional, pero no lo es. Pappo en la risa por un chiste propio, Pappo y Dios, Pappo y el diablo, Pappo y las minas, Pappo padre, Pappo hijo, Pappo en la calle, en una sala de ensayo, Pappo y los autos, Pappo y la guitarra -claro-, Pappo y amigos, Pappo en sueños, Pappo y la moto. Pappo. 100 veces Pappo.

Historias: del ángel caído de Plaza Francia; del blusero salvaje de malos modos y risotada franca; del heavy metal kid que las hordas habían querido "presidente" de los ochentas.

Historias; breves, bravas, tejiendo el tapiz de un ícono jodido, leído por la intelligentsia en su módico rol guitar hero.

Aquí se cuentan cien, acaso sumen miles, fragmentos de una biografía en sketches repartidos azarosamente en siete volúmenes. Entre todas las historias, se escribe una épica contemporánea. La del pesado atado a su propio peso que arrastra contodo lo que se le cruza. Su propia alma, incluso.

EL FABULOSO MUNDO DEL ROCK

2011-03-08T14:43:00.000-03:00

ANDRES CASCIOLI

1ra. Edición: 2010

Editorial: EV&R Editoras

Prólogo: Andrés Cascioli

Cuando Andrés Cascioli murió hace un año y medio, el fundador de la revista Humor y notable caricaturista se encontraba trabajando en la producción del libro "El fabuloso mundo del rock". No lo pudo ver concluido, cosa que hicieron su esposa, su hija y varios de sus colaboradores.

Publicado por VyR Editoras, la obra tiene -fundamentalmente- las caricaturas de más de 60 bandas y solistas nacionales e internacionales, desde los Rolling, Pink Floyd y los Beatles hasta Coldplay y Manu Chao, desde Charly, el flaco Spinetta o Calamaro, hasta íconos internacionales como Hendrix (en un poster en papel mineral) y tantos otros.

Cascioli, entre muchas otras cosas, siempre fue cautivado por el universo rockero. Y lo fue como caricaturista, pero también como archivero de anécdotas, decenas de las cuales también pueden leerse en el libro. Los dibujos de Cascioli más estas pequeñas perlas escritas, hacen que esta obra sea imprescindible para los amantes del rock.

Andres vio las caras, gestos y extravagantes looks y decidió contar la historia de quienes marcaron a fuego la música a partir de un formato que se presenta como una especie de enciclopedia ilustrada de récords y curiosidades rockeras.

En el prólogo de la obra, el autor no se priva de ironizar sobre algunos de sus retratados: “Michael Jackson con sus reiteradas cirugías lo llevan a parecerse una caricatura de sí mismo”, sostiene.

De Iggy Pop comenta que “la aturdida faz que ha llevado a llamarlo la `iguana´ y su mirada sincera, muestran el hombre que ha vivido intensamente su vida de artista sin complejos”.

Entre los datos curiosos explayados en el texto de Cascioli se encuentran el de la banda Cold Play: “Parecen lo opuesto a las clásicas bandas de rock. Toman sus decisiones por mayoría y dividen las ganancias en porciones iguales. Además acordaron que nadie que consuma drogas puede ser parte de la banda”, apunta.

Sobre Soda Stéreo aporta un dato curioso: “Fue la primera banda en protagonizar una transmisión televisiva en stéreo en el programa Fax, conducido por Nicolás Repetto”.

“A mediados de los 90 -recuerda Cascioli- Andrés Calamaro y Charly García tuvieron un fuerte encontronazo. El episodio más escandaloso del combate fue cuando Calamaro ingresó a un disquería y con un bate de béisbol atacó una batea llena de cd de su contrincante”.

“Bohemian Rhapsody, de Queen, escrita por Freddy Mercury en una guía telefónica, le llevó a la banda tres semanas de trabajo, pero aún así los integrantes del grupo no quedaron conformes con el resultado, sin saber que meses más tarde se convertiría en el salto a la fama del grupo y en la canción más exitosa de la historia del rock”, explica el autor.

En un apartado, Cascioli ofrece también otros datos curiosos: cuenta que la irlandesa Sinead O Connor no sólo se hizo famosa por sus canciones sino por su carácter y que en 1990 se negó a presentarse en Nueva Jersey (Estados Unidos) si en el lugar sonaba el himno nacional norteamericano, o que en otra ocasión rompió una foto del Papa por televisión.

El dibujante, diseñador y publicitario -nacido en la ciudad de Avellaneda en 1936-, encargado de dirigir algunas de las revistas fundamentales de la historia editorial argentina, como Satiricón y Humor, falleció en junio de 2009 víctima de cáncer.

YO, QUE UNA VEZ PUSE TIERRA EN TUS PIES...

2011-01-26T01:35:00.006-03:00

CRISTINA LA MOTTE

1ra. Edición: 2011

Editorial: Editorial Victoria

Cristina La Motte conoció la música de León Gieco en los años '80, durante su temprana juventud; desde el simple lugar de público participante de los recitales, como ella dice.

Era un tiempo en que imperaba la ilusión de transformar esa realidad que nos rodeaba.

Era un tiempo de cambiar el país.

La música, la cultura en general, tuvieron un rol importantísimo en esa ilusión.

Pero la investigación contenida en este libro, tuvo lugar desde principios de los años '90.

Su objeto de estudio fundamental fueron los recitales, los conciertos: esos grupos de gente vibrando en un mismo lugar, conectados, sintiendo y soñando

León Gieco es uno de esos artistas, que a través de sus canciones, todavía nos impulsa a mirarnos como país, desde una perspectiva de fe en el ser humano, en su capacidad de crear.

Este trabajo muy completo sobre su obra, a lo largo de más de 15 años, va generando la certeza de que no podemos cambiar el mundo, si no podemos cambiamos a nosotros mismos.

Como dice Susana Gonzalos Gonz, directora del "Grupo Alma”:

“Es un regalo para los seguidores de León Gieco leer este texto, ya que la autora desde un trabajo comprometido, sensible e inteligente, nos conduce a nuevos circuitos de conocimiento de las letras de sus canciones, y analiza los numerosos recitales desde una óptica litúrgica ritual"

El libro, cuyo titulo fue extraído de la canción de León Gieco “Ahora caete aquí” (del 2do. Disco: León Gieco y su banda de caballos cansados) próximamente estará en todas las librerías del país (en algunas ya está)

Lugares del pais donde los podes adquirir:

Azul
Genaro Yrigoyen 885

Capital Federal
Librería Riccardi - Camacuá 282 Flores Tel. 011 46325030

Carmen de Patagones
Rayuela - Belgrano y Bues Aires

Mendoza
García y Santos - Av San Martín 925, Mendoza

Librería Le Clab - Av España 516
                           - 9 de julio 1068
                           - San Martín 1488
                           - San Martín 950

Quilmes
Biblioteca Calchaquí 1027

Posadas
Tras los pasos La Rioja 1912

Rosario
Argonautas - Rioja 725
Libreria Ross - Cordoba 1347
El Juguete Robioso - Mendoza 784
Amadeus - Cordoba 1369 Local 9
El Halcon Maltés - Mendoza 1438
Germinal - Sarmiento 939
Music Shop -Sarmiento 780

San Nicolás de los Arroyos
El Buen Libro - Mitre 280

ROCKEADO

2010-12-16T09:46:00.001-03:00

MARTIN CICCIOLI

1ra. Edición: 2010
Editorial: Emecè
Prólogo: Martin Ciccioli

Rockeado: estado de la mente después de escuchar 6.000.000 de veces las mismas 30 canciones.

Este libro es un viaje al corazón de las canciones que acompañaron a Martín Ciccioli desde la adolescencia hasta hoy. Una mezcla personal de recuerdos con reportajes a los creadores de grandes temas del rock y el pop argentino de las últimas décadas.

Fanático de la música nacional hasta la obsesión, Ciccioli se propuso llegar al alma de cada una de sus canciones favoritas, descifrar qué dosis de azar y de cálculo intervinieron en su composición y, años después, encontrarse cara a cara con el "poster de tu habitación" para intentar averiguar en qué consiste el arte de escribir canciones inolvidables.

Gustavo Cerati, Charly García, Adrián Dárgelos, Juanse, Daniel Melero, Skay Bellinson, Litto Nebbia y muchos más brindan su testimonio para reconstruir el ADN musical de varios hits emblemáticos del rock local.
"Nunca logré saber por qué fui siempre tan enfermo de los discos” confiesa el autor de Rockeado.
En definitiva, sólo se trata de canciones de tres o cuatro acordes. Música ligera."

Martín Ciccioli nació en Buenos Aires en 1972.
Hincha de River desde la cuna, comenzó su carrera periodística mientras cursaba la primaria, como editor de una revista escolar.
Ya en la escuela secundaria, formó una banda de rock y, junto con compañeros de curso, hizo su primer programa de radio en una FM de Martínez. Entre 1990 y 1996 completó la carrera de Ciencias de la Comunicación en la Universidad de Buenos Aires.
Consiguió su primer trabajo como productor en el programa La revista de Radio Rivadavia, y fue cronista en transmisiones de fútbol de Radio Municipal y La Red. En 1997, ingresó en la FM Rock & Pop, donde trabajó hasta 2008.

Participó de ciclos como Se nos viene la noche (1997), Animal de radio (1998/2002), Clásico de clásicos (1998/2003), La pelota no dobla (1999/2006), Aire comprimido (2003/2005) y Una noche no hace mal (2008). En 2009 pasó a Radio Del Plata con el programa Siguiendo la luna.
Desde comienzos de 2010 conduce Zona liberada en Radio Uno (FM 103.1). En televisión, participó de ciclos como Palo y palo (1998), Kaos en la ciudad (2002), Informe central (2003, 2004), Código penal (2004), Argentinos por su nombre (2006), Fuera de foco (2007/2008), Calles salvajes (2009/2010) y Animales sueltos (2010).

EL GRITO FINAL - La vida trágica y la música vital de Luca Prodan

2010-12-15T09:10:00.000-03:00

MARCOS MILLET

1ra. Edición: 1994
Editorial: Magendra

Las tapas de esta colección –este libro y el de los Redondos, por ejemplo- no son precisamente lo más bello en lo que a diseño de arte y portada se refiere. Esta colección dependió de la Editorial Magendra, dirigida por Daniel Ripoll, el histórico periodista de rock, Director y artífice de la Revista Pelo.

Luego de un acotado resumen de la vida de Luca, en 15 páginas, el segundo capítulo está dedicado a frases textuales de Prodan, y a testimonios de sus compañeros de Sumo el tercero. Le sigue la discografía completa de Sumo y un repaso de los mejores recitales en el que se incluye el del Teatro Astros de 1985, tres en Obras, y el de Chateau Rock de 1987.

Luego de una breve reseña de los pasos seguidos por los integrantes de Sumo luego de la muerte de Luca, llega la Segunda Parte del libro dedicada a las imágenes, y la Tercera Parte que incluye “los grandes reportajes”.

La selección de imágenes en el libro es muy buena, pero lamentablemente no terminan de apreciarse por la calidad del papel.

Un total de 98 páginas a puro Sumo.

Gentileza y colaboración del amigo Alfonso Fernández

LUCA - Un ciego guiando a los ciegos

2010-12-14T09:04:00.000-03:00

CARLOS POLIMENI

1ra. Edición: 1993
Editorial: Editora AC
Prólogo: Carlos Polimeni

Padre de Sumo, un grupo que paso como una poderosa estrella fugaz por la historia del rock en la Argentina, el italiano Luca Prodan era ya un personaje prototípico de ciertos sectores de la porteñidad de los ’80 cuando murió en una pobre cama de una pobre habitación en diciembre de 1987. En los años siguientes el mito se alimentaría hasta convertir su figura en un ícono, incluso para jóvenes que nunca lo vieron cantar, o que se enteraron de su existencia a partir del recuerdo. El supermercado en que se ha convertido con el tiempo el espectro del rock argentino opera como una especie de lente agigantadora de su figura. Este libro se propone como un aporte para desentrañar algo del misterio glamoroso y a la vez bizarro que rodea su figura. Además se convierte en un acercamiento a la historia de Sumo, cuya estética resulta imprescindible a la hora de un análisis serio de lo que ocurrió en la música argentina durante la década pasada. (Contratapa).

Este libro incluye una serie de seis reportajes a Luca Prodan, publicados en distintos medios entre 1984 y 1987 y una carta de Andrea Prodan al autor Polimeni en la que, además de agradecerle haber escrito sobre Luca, le ofrece “si un día vas a escribir sobre el Luca “anterior” a las drogas y a la ginebra, llamame y te podré ayudar”. También, el libro incluye una carta a Luca por Timmy Mac Kern escrita en “octubre de 1990, con cerveza, en Buenos Aires”.

Desde la 1ra. ediciòn, a esta del 2006, tuvo numerosas ediciones.

Gentileza y colaboración del amigo Alfonso Fernández

SUMO - Repotaje inedito a Luca

2010-12-13T08:46:00.000-03:00

EDUARDO BERTI

1ra. Edición: 1994

Editorial: Editorial AC

El rock en la Argentina no sería lo que hoy es si no hubiera existido Sumo, que con sólo tres discos grabados entre 1985 y 1987, y una trayectoria total de cinco años, se convirtió en un fenómeno cuyas prolongaciones se extienden hasta hoy, mas alla de la leyenda.

Creado por Luca Prodan casi como una terapia personal, el grupo fundó una estética antes inexistente en la Argentina, desacartonada, enérgica e irónica, lo que le valió en su momento adhesiones fanatizadas y oposiciones cerradas, que el tiempo ha desvanecido.

Este libro es un homenaje a una banda de las que parecen ya no existir, aquellas que hacen que la historia se divida en dos.

Aquí están su historia, sus fotos, sus temas, comentados por los propios integrantes, y hasta un reportaje inédito a Luca Prodan pocos días antes de su muerte.

Este es un libro testimonial, una colección de instantáneas que explican el mito.

Gentileza y colaboraciòn del amigo Alfonso Fernandez

LUCES CALIENTES - Con Sumo por Bs.As.

2010-12-12T08:35:00.000-03:00

DAMIAN DAMORE

1ra. Edición: 2008

Editorial: Nobuko

Luces Calientes, como dice su presentador, es “el pasaje febril de las noches y los días de unos adolescentes fanáticos de Sumo que, persiguiendo incansablemente a sus ídolos, reinventan el paisaje y trazan una liinea imaginaria entre la Capital y el conurbano bonaerense”.

Damian Damore narra desde el orden de la experiencia, representaciones de imágenes y sonidos, testimonios, que construyen una memoria urbanística del rock.

El autor, profesor de Medios Expresivos de la FADU-UBA, crea esta memorabilia perceptiva, vital, que será para muchos un punto de encuentro y para otros de comienzo.

Es un completo compendio de recitales de Sumo entre 1985 y 1987 rememorando en algunos casos, incluso, listas de temas.

Incluye, claro, el histórico último recital del Club Los Andes el 20 de diciembre de 1987.

Escrito en primera persona, se vuelve atrapante y refleja la mirada y los sentimientos del fan de Sumo.

Gentileza y colaboraciòn del amigo Alfonso Fernandez

SUMO - La jungla del poder - Vol. I

2010-12-11T08:29:00.000-03:00

ROBERTO PETTINATO

1ra. Edición: 1993

Editorial: Pettinato & Guaragna Ediciones

Todo parece indicar que Roberto Pettinato tenía planeado editar dos volúmenes de “La jungla del poder” cercanos en el tiempo; pues, en la parte inferior de la tapa del libro, debajo del nombre del autor, dice “Volumen I” –lo que, obviamente, promete una segunda parte-, y al final del libro figura el índice de lo que sería el “Volumen II” , lo que da cuenta de cierto avance, al menos, en el diseño de esta segunda parte.

Finalmente, la demora fue, ni mas ni menos, que de 16 anios, cuando editoo en 2009 “Sumo por Pettinato”, libro que respeta solo parcialmente aquel viejo índice y que es presentado como “la versión completa, el reajuste definitivo de La Jungla del poder”.

“La jungla…”, editado bastante artesanalmente, tiene el incomparable valor del testimonio en primera persona de un integrante de Sumo con todo lo que ello implica. Y son justamente las anécdotas desde el corazón del grupo, intercaladas con fotos en blanco y negro de Luca y Sumo, las que ocupan gran parte de la primera parte del libro -123 páginas-. Completan el libro traducciones de varias letras; y faximiles de canciones escritas de punio y letra por Luca Prodan.

Gentileza y colaboraciòn del amigo Alfonso Fernandez

TICHER DE LUZ - UNA GUIA SPINETTIANA

2010-11-20T05:01:00.005-03:00

MIGUEL ANGEL DENTE

1ra. Edición: 2010

Editorial: Ediciones Disconario

Prólogo: Miguel Angel Dente

Tícher de luz – una guía spinettiana, surge desde la profunda admiración, el respeto y el reconocimiento que despierta la figura de Spinetta, uno de los más grandes exponentes que ha dado la Argentina.
No pretende desentrañar los orígenes ni bucear en los significados de las letras de sus canciones, tareas que ya han sido realizadas maravillosamente por otros autores.
He aquí entonces un complemento necesario, racconto de datos y comentarios dispersos sobre la edición de álbumes y vídeos, conciertos, fechas trascendentes, conceptos y opiniones de y acerca de Spinetta. También cuatro anexos con participaciones en trabajos ajenos, tributos, intervenciones en bandas sonoras de películas, encuestas publicadas y un reportaje exclusivo que amablemente Luis respondió en 2009 y cuyas preguntas aparecen desmembradas como introducciones a cada uno de los capítulos temáticos.
Es una invitación para apreciar el universo Spinetta en su real magnitud. Poder percibir sus diferentes texturas y llevarse una visión compacta y acabada de la obra en su totalidad.

2 agujas

Durante un partido de fútbol realizado en una plazoleta de la avenida Figueroa Alcorta, Luis Alberto conoce a su compañero de colegio, el marplatense Carlos Emilio Del Guercio. Comienzan a hacerse amigos, deciden sentarse juntos y, a pesar de la represión eclesiástica reinante, producen una gran agitación cultural. Desde revistas de tinte provocativo como La costra degenerada hasta himnos alusivos a la independencia, Sarmiento o el Che Guevara –utilizando siempre los seudónimos Cocaíno 67 y Bestia–. Forman el dúo Bundlemen – Atado de Hombres, cuya coronación se producirá justamente en la fiesta de egresados del San Román.

Bundlemen-Mods / Masters-Larkins

En 1966, The Mods –con Spinetta en guitarra rítmica y voz– graba un acetato con dos canciones en inglés: faces and things y free, firmados por Guido Meda y Apócrifo, que no es otro que Luis Alberto. / En la fiesta de egresados del colegio San Román, al cual asistían como alumnos, Luis Alberto y Del Guercio –bajo el nombre Bundlemen– interpretan con gran éxito canciones como vergüenza y escándalo en la familia.

Afectos efectivos

Su madre es Julia Ramírez, con quien dice compartir grandes y gratos recuerdos. Uno de ellos lo transporta a su época de niño, cuando le temía a las locomotoras y a las grandes moles de cemento que “asaltaban su espacio” –según su texto de la canción alcanfor de Téster de violencia–. Este disco está dedicado a Julia, quien solía untarle con alcohol alcanforado las ronchas producidas por la varicela.

Su padre, Luis Santiago Spinetta, abandona su vocación artística para sumergirse de lleno en un laboratorio químico durante más de treinta y cinco años.

Pescado Rabioso

Como el sello Talent se opone a que el primer álbum de Pescado Rabioso sea doble, quedan al margen de la edición: ella flota por mí; ya es el momento, ya; mensaje a las larvas; pibe; cero – la tabla de nada; suave lumedana; mañana a las diez y el combativo la fiebre paranoica. El primer vinilo de la banda se titula Desatormentándonos.

Sobre gustos

La música es la prioridad, lo que realmente pesa por sobre cualquier estilo musical. “Sin música no tenemos nada, no tenemos esperanza, nos morimos y nos pudrimos” –afirma en pleno recital al aire libre durante el ciclo Buenos Aires vivo–.

“Mi experiencia con él fue bárbara, pero tenemos dos mundos diferentes. El Flaco es un fenómeno como cantautor y yo soy solo un músico. Spinetta es uno de los tipos más honestos que conocí en nuestro medio”, Astor Piazzolla [radio Rivadavia, marzo 1985].

Invisible

Con Invisible, Spinetta penetra en su etapa más hermética, tanto en los textos –de corte más filosófico– como en la parte musical. En este primer disco se despega de Pescado Rabioso por la meticulosidad con la que resuelve ciertas encrucijadas. La teoría de prueba y error: cada trabajo por crear, desarrollado con absoluta libertad, es un peldaño más hacia una música nueva.

Spinetta Jade: Alma de diamante

La espiritualidad ante todo. Lo diminuto que es el hombre frente a las fuerzas incontenibles de la naturaleza. Esta magnífica obra está impregnada por el jazz-rock que inunda el mundo hacia fines de los ’70, ya adoptado en álbumes anteriores como A dieciocho minutos del sol.

No seas fanática

La propuesta estética de Spinetta nunca se ha caracterizado por tener una gran repercusión masiva. Y tal vez, esa ausencia de masividad se explique debido a su compromiso ineludible con él mismo, que involucra una gran dosis de fantasía y hermetismo.

Por su estigma de intelectualidad ha sabido ganarse el apodo de “el Bioy Casares del rock”. Además, lo domina un instinto salvaje que lo obliga a que cada nuevo desafío discográfico deba sonar diferente al anterior.

Ese cambio constante también atenta contra su grado de popularidad puesto que, en la mayoría de los casos, la gente se identifica con uno u otro período de su carrera.

Solista

Don Lucero

Una explosión de poesía y amores que bien pueden ser sombras pero, a la vez, un monólogo crítico hacia el mundo. Una linterna que alumbra el alma con exigentes arreglos instrumentales y otra vez el universo, desde la portada del álbum. Nueve joyas pop retoman la dirección esbozada por los tres primeros discos de Jade. El redimensionamiento de la música apoyado sobre un bajo recurrentemente melódico y una batería mucho más moderna. La máquina se moviliza como en Téster de violencia, dentro de parámetros preestablecidos.

Libres prensamientos

En su momento, el salto al vacío con respecto al vuelco musical de Almendra hacia Almendra II no fue bien recibido por el diario Clarín y otros. Por entonces, se enfrenta a revistas como Gente o Siete días que, con sus actitudes, habrían contribuido con la disolución del grupo. Y diez años después volverá a sentarlos en el banquillo. Durante el regreso de la banda a los escenarios alude a aquellos que colaboraron con el Proceso de Reorganización Nacional negando el espacio a un sinnúmero de artistas.

Spinetta y Los Socios del Desierto

El formato trío puede producir, por decantación, cierta tendencia a la densidad sonora, a pesar de la prodigiosa tarea de la dupla baterista-bajista –el bajo está demasiado tapado luego de la mezcla–. Incluso cuando uno de los instrumentos faltantes es el teclado, cuya posibilidad de matices resulta en ocasiones infinita. Spinetta sale airoso de este dilema con la diversidad y riqueza compositivas, alcanzando un sonido renovadamente original. Por eso, se torna fundamental la heterogeneidad de los ritmos y su infatigable tarea creativa, a los pies de la guitarra. Este trabajo previo sobre su instrumento se aprecia con claridad y nos facilita aproximarnos a una primera serie de canciones, las más rockeras, concebidas incluso sobre la base de categóricos riffs que las definen sin rodeos: cheques y la inglesa nasty people –las dos inician cada cd, respectivamente.

Justa causa

El episodio fue tan trascendental que se instaura el 8 de octubre como el “Día Nacional del Estudiante Solidario”. A un año del accidente, se realiza en el estadio Pepsi Music un recital homenaje en el que intervienen Divididos, Árbol, Los Tipitos, Gieco y Spinetta, quien toca a descifrar, tema escrito por Benjamín Bravo de la Serna, uno de los chicos fallecidos en aquellas tristes circunstancias. Al año siguiente se reproduce el encuentro en el mismo ámbito. Se estrena la canción alusiva 8 de octubre, de Spinetta-Gieco, y se suman a la propuesta Javier Malosetti, Los Tipitos, Los Auténticos Decadentes y La Bersuit.

La distancia

La distancia es un vector que también se mide en luz. A 18 minutos del sol alude a ese trayecto matemático que separa al sol de la Tierra. En realidad son 8 minutos y 18 segundos, pero Luis queda tan deslumbrado con esos dígitos erróneos que nombra así a uno de sus álbumes. ¿La data de la madre final será entonces la de aquella Madre en años luz –Madre Atómica según otros–, la progenitora de algunos de Los niños que escriben en el cielo? Es más… ¿será la figura que trepa por la escalera de la portada de Un mañana alguno de esos niños? Lo cierto es que, seguramente, todos ellos hablarán el lenguaje del cielo.

La mañana

La luz es siempre sinónimo de amanecer: “No deja de tentarme en las mañanas tanta luz” y “cuando amanezca yo la luz seré”… Spinetta escribe en el cuadernillo que acompaña la edición del vinilo Pescado 2: “Los amaneceres siempre inquietaron a los poetas hasta el punto de verse asumidos en la metamorfosis de la luz, tratando de ver en ello la propia luz del centro del alma esencial”. Ese paso de la noche al día, de la oscuridad a la luz, es un acontecimiento diario celestial: “Sólo el tiempo lava las heridas y la inmensa noche vuelve a ser luz”. Desensillar hasta que aclare.

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EDICIONES DISCONARIO

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ROCK EN PAPEL

2010-11-12T11:48:00.000-03:00

MIGUEL A. GARCIA (editor)

1ra. Edición: 2010
Editorial: Editorial de la Universidad de La Plata.
Autores: Karen Avenburg, Claudio G. Castro, Lisa Di Cione, Miguel A. García, Juliana Guerrero, Camila Juárez, Francisco Levaggi y Laura Novoa

“Rock en papel. Bibliografía crítica de la producción académica sobre el rock en la Argentina“, es un libro de reciente aparición que habla de cómo la pluma académica intentó capturar al rock producido en la Argentina en sus múltiples y cambiantes dimensiones. Es decir, en sus páginas se procura comprender cómo el rock local fue definido en tanto objeto de estudio y cómo fue evaluado, en términos sociales y estéticos, con las lentes de las ciencias sociales y las humanidades, y a partir de los gustos personales de sus exégetas.
En concordancia con este objetivo, el cuerpo principal está constituido por 52 recensiones de trabajos que, adoptando diversas perspectivas teórico-metodológicas de las mencionadas disciplinas, se han referido a las distintas contexturas y enunciaciones del género. Cada reseña presenta el tema abordado y la manera en la cual el autor constituye su objeto de estudio, para lo cual se hacen referencias a las perspectivas teóricas adoptadas y a las fuentes empleadas. Las reseñas se encuentran precedidas por ocho ensayos.

El primero, escrito por Miguel A. García, se aboca a discurrir sobre las estrategias narrativas que suelen emplear los sujetos, dentro y fuera del ámbito académico, para hablar de la música popular. Esta contribución pretende incitar el debate sobre las políticas académicas implícitas en la definición, descripción y evaluación de las músicas populares.

A continuación Claudio G. Castro se refiere al uso excesivo, y en oportunidades excluyente y descontextualizado, de las letras de las canciones para abordar los sentidos que se construyen en torno al rock argentino.

La contribución de Camila Juárez revisa las dimensiones tomadas en cuenta en varios de los trabajos que integran el corpus reunido para definir el llamado «rock nacional». En sintonía con las preocupaciones manifestadas por Juárez, el artículo de Lisa Di Cione examina el lugar asignado al análisis musical en dicho corpus.

El trabajo de Laura Novoa advierte sobre la escasa importancia que ha merecido lo que denomina «musicología de la producción» y reclama una mayor atención de los investigadores a la interacción entre ingenieros de sonido, productores y músicos, en el marco del estudio de grabación.

El texto de Francisco Levaggi analiza un tema recurrente en los trabajos reseñados: la tensión entre un discurso de rebeldía que enfrenta al establishment y la dependencia del rock de la industria cultural.

El trabajo de Juliana Guerrero está destinado a develar los criterios de orden historiográfico empleados por varios autores para establecer cronologías del fenómeno.
Finalmente el texto de Karen Avenburg considera el lugar que se ha dado a las voces de los actores sociales –músicos, públicos y otros– en la narrativa académica.

CANCIONES ARGENTINAS 1910 - 2010

2010-11-11T09:54:00.000-03:00

SERGIO PUJOL

1ra. Edición: 2010

Editorial: EMECE

Podrán cambiar las vías y los soportes, como han cambiado los sonidos y los lenguajes a través de los años. Pero, en cierto modo, esa conjunción químicamente feliz entre unas pocas estrofas y una melodía nunca dejará de ser un misterio." ¿De qué misterio están hechas las canciones favoritas de los argentinos? ¿Sobre qué hablan sus letras y sus melodías? ¿Qué dicen sus compases acerca de los gozos y las sombras del país a lo largo de cien años?

En este nuevo libro, Sergio Pujol se sumerge de lleno en esas cápsulas privilegiadas de memoria colectiva. El historiador y ensayista conjuga sus recuerdos de melómano con datos de archivo para pasar revista al canon de la música popular argentina: tango, folclore, rock, bolero, canción romántica. Evocativas o incitadoras, coyunturales o duraderas, líricas o narrativas, amorosas o testimoniales, este recorrido personal por las canciones es un muestrario múltiple y diverso de géneros, artistas, épocas y ritmos, y una historia social del país a través de su música. Entretenida y erudita a la vez, Canciones argentinas (1910-2010) es una antología crítica única en su especie, que invita a leer y escuchar una y otra vez.

El platense Sergio Pujol, uno de los principales historiadores de la música nacional, rescata en su último libro Canciones argentinas la memoria de la música popular argentina, una investigación sensible y honda desde una voz resuelta, lúcida y ágil.

Pujol afirma que para escribir su libro número 11 optó "por una larga serie cronológica que dividió en función de los soportes tecnológicos que posibilitaron a las canciones su expansión masiva".

Aclara que escribió "Canciones..." -entre otras cosas- porque "la canción como fenómeno de comunicación es un artefacto sin parangón".

Subraya que su cronología de la canción se atuvo más a un criterio político que cultural: "Empecé en el Centenario, cuando la idea de música popular estaba en proceso formativo y a nadie se le hubiera ocurrido entonces explicar a la Argentina a través de las canciones que se escuchaban por la calle".

El libro tiene un final abierto.
Es el año del Bicentenario, "cuando una fuerte demanda de interrogación identitaria nos ha obligado a buscar -y a buscarnos- en todos los rincones de nuestro pasado colectivo.

En efecto, Pujol buscó, escuchó, exploró y contó la historia social de la canción argentina, desde una mirada general y contextual.
Canciones argentinas es el producto de una estética y un profundo conocimiento sociopolítico de la Argentina. Desde una voz descontracturada, coloquial, diversa, Pujol se refiere a composiciones firmadas por músicos y letristas del país: Manzi, Filiberto, Gardel, Cadícamo, Yupanqui, Dames, Ayala, Walsh, Spinetta, Ramírez, Piazzolla, Sandro, Leguizamón, Castilla, García, Nebbia, Santaolalla, Guarany, Fandermole, Pappo, Tarragó, Gieco, Herrero, Calamaro, Mollo, Cordera, Moretti, Los Piojos, Aristimuño.
Imposible nombrar a todos, pero sí decir que son 140 las canciones que, como un paisaje, nos traen la memoria de la canción popular argentina.
Memoria nostálgica, poética, brava.

LETRAS Y MELODIAS

La metodología para abordar el proyecto es ágil. El lector no se cansa de entrar y salir, según letras y melodías, autores, alusiones, anécdotas, siempre desde una voz presente, cercana.
El autor nos va envolviendo en un modo nuevo de escribir la Historia: dinámico su estilo, casi oral el registro, a la hora de contar, citar, acotar, subrayar.

Para los que todavía no saben, Sergio Pujol nació en La Plata, es historiador y ensayista, y se especializó en distintos géneros de música popular.
Es profesor titular de Historia del siglo XX, en la Facultad de Periodismo de la Universidad Nacional de La Plata, y enseña Historia del Jazz en EMU Educación Musical. Es investigador del Conicet y se ha constituido en uno de los referentes culturales más destacados del país.
En el exterior, fue distinguido con el título de "Fellow en Creative Writing", por la Universidad de Iowa, y en 2007, recibió el Diploma al Mérito de la Fundación Konex.

"Canciones argentinas 1910-2010" es, sin duda, una antología crítica de la música popular argentina, única en su especie; un modo nuevo de abordar -de abordarnos- como argentinos.

APASIONADOS POR EL ROCK

2010-11-07T12:09:00.000-03:00

MIGUEL GRINBERG

HOBY DE FINO

1ra. Edición: 2010

Editorial: Editorial Atlantida

Prólogo: Miguel Grinberg y Hoby De Fino

En Apasionados por el rock, Miguel Grinberg y Hoby de Fino repasan la historia del rock argentino a partir de sus historias y vivencias personales: cómo llegaron al rock, cuáles son sus track lists favoritos, sus polaroids inolvidables, sus olimpos de músicos, estilos y discos. pertenecen a dos generaciones distintas, y sus gustos musicales no son necesariamente compatibles, pero sus voces se entrelazan en una pasión: el rock. Los une también su amor por la radio, una vía especial para divulgar esta música y comunicarse con su tribu.

Indice:

PRÓLOGO

RAÍCES ROCKERAS

1º PARTE: AMANECER

El fermento beat

La pasión de los parques

Tanguito y la generación de la balsa perdida

El espíritu tanguero

Etnrevista a Luis Alberto Spinetta

Aquel amor de primavera

Diálogo apasionado

2º PARTE: EL LARGO DÍA DEL ROCK

Anécdotas y grageas del rock

Entrevista a Gustavo Cerati

Los argentino s y la cultura rock

Entrevista a Charly García

3º PARTE: NOCHE, RADIO

El rock desde la radio

Los oyentes se expresan

Entrevista a Fernando Ruiz Díaz

Entrevista a Saky Beilinson Y Poli Castro

................................

Miguel Grinberg (Buenos Aires, 1937) ha escrito para diversos diarios (El Mundo, La Razón, La Prensa, El Cronista Comercial y Crítica de la Argentina) y revistas (Leoplán, 2001, La Bella Gente, La Nación Revista, Humo(®), Vigencia, CantaRock y Uno Mismo).

Fue además prosecretario de redacción de la revista Panorama Semanal, el diario La Opinión y la agencia nacional de noticias Télam.

Es autor de un clásico de la historia del rock argentino: Cómo vino la mano. Se ha especializado en movimientos juveniles, fenómenos culturales alternativos, espiritualidad y ecología social. Ha escrito veinte libros.

Como conductor radial realizó ciclos pioneros: El son progresivo, por Radio Municipal, y Ritos paralelos, por FM Cultura.

Hoy conduce Rock que me hiciste bien, Y EL Son progresivo, ambos por Radio Nacional.

Hoby De Fino (Buenos Aires, 1966) es conductor y productor de radio y televisión.

Tuvo programas en las radios Alfa, Activa, Funky Soul y Supernova hasta llegar a la Rock&Pop, donde condujo con singular éxito durante seis años la trasnoche de Que se vayan... Con el mismo nombre, curó un disco con grupos de rock argentino emergente.

En su polifacética carrera en los medios, fue el DJ del reality televisivo Bar TV, escribió para la revista Playboy y es el productor de Ludovica Squirru desde hace veinte años.

Actualmente conduce el programa El Visionario por el canal musical Quiero, donde entrevista a músicos y personalidades del ambiente artístico.

Apasionados por el rock es su primer libro.

ESTADIO OBRAS - EL TEMPLO DEL ROCK (Elogio de la sed)

2010-11-06T12:02:00.000-03:00

GLORIA GUERRERO

1ra. Edición: 2010

Editorial: Editorial Sudamericana
Prólogo: Enrique Symns

Mientras la Comisión Interamericana de Derechos Humanos de la OEA llegaba a la Argentina y se encontraba con la sarcástica campaña “Somos derechos y humanos”, la plata dulce y el “deme dos” de Martínez de Hoz iban a la par de una inflación galopante y la represión resultaba insostenible, el rock argentino agradecía la inesperada bendición de un nuevo estadio en Núñez.
Por fin había un lugar donde reunirse. Y de a miles. Era una cancha de básquet, sí, pero terminó siendo un escenario que trascendió sus dimensiones físicas: se convirtió en mito.
El Estadio Obras se inauguró a fines de 1978 y durante 31 años fue el Templo, nuestra casa.
El rock caminó sus pasillos, y descansó y bebió en sus camarines.
De Seru Giran a Soda Stereo, de los Redondos a Spinetta, de Sumo a Divididos, Gieco o Calamaro: el Primer Obras de un artista significó, siempre, infinitamente más que un concierto.

Gloria Guerrero reconstruye la vida de este Templo con mano de orfebre y corazón de protagonista, contándola desde adentro. Músicos, empleados, fans, todos colaboran para crear un fresco increíble que retrata la historia del rock en la Argentina como nadie lo había logrado hasta ahora.
Porque eso fue Obras: el lugar donde el rock se convertía en Historia.
Ni más ni menos.

La noche del 3 de noviembre de 1978, Charly se calzó una malla negra de baile y un saco blanco y, para no compensar, zapatillas. Pedro Aznar, Oscar Moro y David Lebón se vistieron de blanco total, níveo, inmaculado.” Así ataviados, hace 32 años, los cuatro Serú Girán inauguraban oficialmente el espacio por el que pasó, hasta fines de 2008, buena parte del rock de acá. Una historia que Gloria Guerrero comenzó a desandar hace unos tres años, y que resumió en el recientemente editado Estadio Obras - El templo del rock (Ed. Sudamericana).

Es cierto que, poco antes, Luis Alberto Spinetta había “probado” el escenario. Pero el testeo fue llevado a cabo a puertas cerradas, con algunos pocos elegidos en las butacas que lució la superficie que con el tiempo transmutaría de Platea a Campo.

“Era nuestra casa. Durante 31 años vivimos ahí dentro. Rojo y Negro (bar ubicado frente al estadio) se hizo lugar gracias a nosotros. La calle que nos llevaba hasta Cabildo a tomar el colectivo, después de los recitales, tiene nuestras pisadas”, dice Guerrero.

Un repaso de las listas anuales de shows realizados allí, que la periodista tomó de las Memorias del Club Obras Sanitarias (que eran de la Nación) certifica que allí se escribió, durante tres décadas, un capítulo esencial en la historia de un género que por entonces no disponía de muchas locaciones.

“La experiencia de hacer ‘el primer Obras’ siempre excedió al estadio en sí. Para el rock, hacer ‘él primer Obras’ era lograr la legitimación. Y hablo de los ‘80, pero también de bandas como la Bersuit, Los Piojos, Massacre o cualquer otra de tiempos más recientes”, explica Guerrero.

Pero esa mole rectangular de ladrillo a la vista, construida con promesas de financiación del EAM 78, trascendió su rol de escenario de rock. “Durante la dictadura fue una excusa para una reunión contracultural. Era un lugar de encuentro, de resistencia y de historia”, cuenta la periodista.

Del posible estreno, incontrastable, del hit “Se va a acabar la dictadura militar” a Walter Bulacio. De la reunión de Serú y Spinetta Jade, a los recitales de Silvio Rodríguez y Pablo Milanés. Del Festival de la Solidaridad Sudamericana del ‘82 a la patada de Andy Summers a un policía de la Federal, la “caja de zapatos” de Avenida del Libertador al 7300 lo fue también de resonancia del pulso de la ciudad.

El 27 de diciembre de 2008, Almafuerte cerró el estadio “para refacciones”. “Se transformará en otra cosa”, señala Guerrero. Y cierra: “El Obras que conocimos. El de la puerta cuatro, el de los ‘viejitos’ de los controles, el de los baños sin puertas, ya no existe ni va a existir nunca más.” «

................

Gloria Guerrero nació en Buenos Aires en 1957.
Es la primera mujer periodista de rock de la Argentina.
En 1976 se integró al staff de Expreso Imaginario, luego fue jefa de Redacción de Rock Superstar y Hurra.
Al mismo tiempo publicaba sus notas en Humor, inolvidable órgano de resistencia político-satírica en tiempos de dictadura militar, donde en 1981 se inauguraron “Las Páginas de Gloria”, su sección exclusiva.
Pasó a ser jefa de Redacción de Rolling Stone Argentina durante siete años.
En 2004 fue contratada por Cuatro Cabezas como productora periodística y colaboradora del equipo de guionistas de Algo habrán hecho y El gen argentino.

Desde 2005 escribe para La Mano y otros medios. Artículos con su firma han aparecido en periódicos del interior del país y del extranjero, incluso en Suecia y los Estados Unidos.
Desde 1981 trabajó en un sinnúmero de programas de radio (el más reciente: ¿Cuál es?, Mario Pergolini, FM Rock <(>&<)> Pop).
Ha editado dos libros: La Historia del Palo (Diario del Rock Argentino 1981-1994) (1994) e Indio Solari: El hombre ilustrado (Sudamericana, 2005).

Gloria es considerada una de las mayores autoridades en la materia y su trabajo es constantemente citado como bibliografía.
Ha recibido innumerables reconocimientos y premios a su labor en el campo de la cultura joven y su contribución al desarrollo del rock cantado en castellano.

LA FALDA EN TIEMPO DE ROCK

2010-07-11T12:36:00.005-03:00

NESTOR POUSA

1ra. Edición:
2009

Editorial:
Editorial Arkenia

Prólogo:

La Falda en tiempo de Rock relata cronológicamente la historia completa del “Festival Argentino de Música Contemporánea de La Falda”, uno de los eventos musicales más sobresalientes y controvertidos.
Convertido en fenómeno y en un verdadero mito contemporáneo, este ciclo fue fundamental en la difusión y promoción del rock en la década del ’80, en la Argentina de la transición política hacia la democracia.
En sus páginas la visión del autor, Néstor Pousa, se ve enriquecida por los testimonios de los principales músicos que lo protagonizaron y por algunos de sus productores y organizadores; destacándose la palabra de Mario Luna, su ideólogo y creador.
La Falda en tiempo de rock rescata uno de los sucesos socio-culturales fundamentales de la segunda mitad del Siglo XX.
Para aquellos que no pudieron conocerlo y para los que fueron parte de él.

El periodista Néstor Pousa nació y vivió siempre en la ciudad de La Falda.
No faltó a ninguna edición del festival que marcó a fuego el Rock Argentino en los ‘80.
Desde hace largo tiempo decidió hacer justicia y contar la verdadera historia del festival.
A principios de 2009 el proyecto se concretó y nació “La Falda en tiempo de rock”.

La edición del libro "La Falda en tiempo de Rock" fue una producción totalmente independiente realizada desde el interior del país, sin aportes oficiales y/o privados, de ningún tipo.
Por tal motivo todo lo producido de la venta de la 1ra. edición será reinvertido en la publicación de más ejemplares en una 2da. edición, para que de esta forma se siga difundiendo y conociendo la historia del Festival Argentino de Música Contemporánea de La Falda, un ciclo que fue fundamental para la difusión y promoción de la Música Contemporánea Argentina o Rock Nacional (como prefieran) en la década del 80, y en los comienzos de las décadas 90 y 2000.

Algunos datos:
El libro narra la historia completa del “Festival Argentino de Música Contemporánea de La Falda”, uno de los eventos musicales y culturales más sobresalientes y controvertidos de la década del ’80 en nuestro país, y que fue fundamental para la difusión y promoción de la música contemporánea argentina de raíz no tradicional.

Los capítulos son 12 en total (192 páginas), de los cuales 10 están dedicados a cada una de las 10 ediciones (80 al 87, 92 y 2002), otro capítulo detalla aspectos de la primera interrupción del ciclo, sus causas y efectos.
Mientras que el restante está dedicado por completo a Mario Luna.
Fue escrito entre marzo de 2007 y octubre de 2008; y editado en enero 2009. Los reportajes a los artistas y productores fueron realizados entre 1988 y 2008.
“La Falda en tiempo de Rock”, que es el primer trabajo íntegramente dedicado al legendario festival faldense.

El libro tiene un blog… o mejor dicho, el autor tiene un blog: LA FALDA EN TIEMPOS DE ROCK y comunicándose con él se puede adquirir a la módica suma de $ 40 + gastos de envío

lafaldaentiempoderock@hotmail.com

nestorpousa@hotmail.com

YO, PINCHEVSKY

2010-05-22T02:50:00.011-03:00

JUAN PABLO BERMUDEZ

1ra. Edición:2010

Editorial:PM Grupo Editor

Prólogo:Aldo Castelli

Jorge Pinchevsky es una figura emblemática de una época fundacional y definitoria del rock nacional. Y un gran personaje. Pocos sonidos son tan reconocibles como el del violinista, en parte por haber introducido el instrumento en un “territorio ajeno”. Pero también por una enorme originalidad y un grandísimo talento para hacerlo.

Y hubo, detrás de ese músico al que muchos veían como una suerte de duende o patriarca o simplemente un limado inteligente, una persona con muchas experiencias, con muchas historias, con muchos ir y venir. A siete años de su muerte, “Yo, Pinchevsky” rescata a manera de testimonio ese pensamiento, esas palabras, esa inteligencia fina que se escondía detrás de un hombre con mucho para decir, incluso bastante más de lo que él mismo a veces quería..

“Yo, Pinchevsky” es eso: el rescate de un pensamiento, de un talento al servicio de la música. El audiodocumental nos trae al presente a ese Pinchevsky que era imposible no detenerse a escuchar cuando empezaba. Música, palabras, ideas, ironías, experiencias, amigos, muertes, exilios, toda una vida narrada por su protagonista y acompañada de su propia obra.

Y es, además, una experiencia multimedia única. “Yo, Pinchevsky”, acaso como una forma de sutil homenaje a un músico tan conocido en la superficie como desconocido en el fondo, es una edición limitada de mil ejemplares numerados.

¿De qué planeta sos? Solía preguntar Pin cuando algo lo desconcertaba. Después de escuchar y leer “Yo, Pinchevsky”, la respuesta aparece sola..

Sobre el autor:
Juan Pablo Bermúdez nació en Buenos Aires, en 1969.
Es docente y periodista free-lance, con 17 años de trayectoria en medios y en la enseñanza del periodismo.
Escribió y escribe numerosos artículos en medios locales y del exterior. Es autor del audio-documental "Hechos pelota" sobre el mundial de 1978 y de los libros "Yo, Pinchevsky" y "Qué, manual de periodismo gráfico". Actualmente es corresponsal de varios medios extranjeros y, desde 2005, mantiene el blog "Nosotros y los medios" (http://juanpablobermudez.blogspot.com) donde publica periódicamente sus análisis acerca del rol del periodismo y el comportamiento de los medios en la actualidad.

No se consigue en librerias. Solo por la web http://www.pmgrupoeditor.com.ar/

EL CRISTO DEL ROCK

2010-03-10T13:09:00.000-03:00

ARTURO M. LOZZA

1ra. Edición:
1992
Editorial:
Ediciones Letra Buena
Prólogo:
Arturo M. Lozza

Tanguito, el creador del rock argentino, es asesinado en la década del 70 por la sociedad de la hipocresía y del autoritarismo. Pero tras largos años de silencio resuelve salir de su tumba y colocarse en el centro del escenario para dialogar e increpar, narrar, reír y llorar, juzgar y desnudar a ese mundo plagado de estereotipos, de “caretas” y de fórmulas conservadoras.
De esta manera va tejiendo la trama de una gigantesca ópera rock de Buenos Aires, en doce escenas de casi monólogos y con el trasfondo de un movimiento juvenil que da nacimiento a la cultura “subte” bajo la consigna de “no transar”.

Arturo Marcos Lozza, churrero y cocinero en un intento por zafar de la desocupación, pero también galardonado internacionalmente por sus crónicas periodísticas se introduce esta vez en el mundo del rock para plasmar, en versión libre, una obra que marca, con lacerante crudeza, la vida, pasión y muerte del primer cristo del rock argentino y que seguramente removerá recuerdos de toda una generación que protagonizó, junto a Tanguito, el momento de creatividad y fulgor de los inicios del rock.

Todo el libro es la arquitectura de un sentimiento de ruptura contra lo formal, a lo cual también hacen su contribución con anécdotas y testimonios reales de la época dos figuras que fueron parte del “séquito” que acompañó a Tanguito: Osvaldo Verón, compositor, y Alberto Abuelo, ocasional bajista de Tanguito y componente, además, de aquel legendario grupo “Los Abuelos de la Nada”. El Cristo del rock es, asimismo, un homenaje a todos aquellos que no transaron: John Lennon, Luca Prodan, Jim Morrison, Jimmi Hendrix, Janis Joplin, Miguel Abuelo y tantos otros que, como Tanguito, hicieron la suya dándole la espalda a la hipocresía.

10 AÑOS DESPUES

2010-03-09T12:12:00.000-03:00

LITTO NEBBIA

1ra. Edición:
1979
Editorial:
Ediciones del Pájaro y el Cañón
Prólogo:
Litto Nebbia

Cinco años más tarde de que editara “Muerte en la catedral”, en 1979, coincidiendo con la edición en vinilo del primer volumen de la recopilación “Litto Nebbia. 10 años después”, ediciones del Pájaro y el Cañón, edita este libro homónimo.
Se trata de 96 páginas con la particularidad de que las 20 iniciales y las 20 últimas son el negativo de cualquier libro: es decir, las hojas son de color negro y las letras blancas.

El libro comienza con una “Descripción musical de Litto Nebbia por Kuroki Murua” escrita en marzo de 1978 donde el autor aclara no ser de la generación que nació a la música con el rock, sino que proviene del jazz. Puntualmente, menciona que nació con el “bop” de Charlie Parker y agrega que “es necesario que explique estas cosas porque mi acercamiento a la obra de Nebbia es intelectual, racional si quieren, y surge de un análisis (que evidentemente incluye el factor sentimental) pero que para muchos surgirá únicamente de una identificación generacional”.

El autor menciona lo confuso del origen de la “música nacional”, con elementos del tango y el folclore, con elementos de la música comercial extranjera que se intenta imitar, mencionando a la figura de Litto Nebbia como una de las pocas expresiones lúcidas en nuestro país. Dice Murua: “su música participa de todo el proceso, pero se distingue por características que la colocan en situación privilegiada”.
No sólo destaca su figura de líder, sino sus perspectivas musicales.

Le siguen, siempre en blanco sobre negro, la “Ubicación histórica de Litto Nebbia” y “La obra en si: temática de las canciones”, ambos a cargo de Eugenio Tschelakow.
En el primero de ellos, realiza una somera descripción del nacimiento en Buenos Aires de “una corriente musical que tomando del rock su gran flexibilidad melódica desarrolla desde el punto de vista literario una temática autóctona y trata constantemente de enriquecer el lenguaje de las canciones” para ubicar justamente a Litto Nebbia como fundador y partícipe del movimiento.
Respecto a la obra en sí, Tschelakow identifica en los temas de Litto Nebbia problemáticas comunes al tango, por ejemplo, como la soledad, la ruptura sentimental o el lenguaje cotidiano, sublimado, pero aclara que “es de destacar el particular concepto de la vida que da marco y encausa las vivencias relatadas a través de toda la obra” afirmando que en todas las canciones de Nebbia hay una búsqueda de la trascendencia y del sentido de la vida”.

Luego sigue una antología de canciones de Litto Nebbia entre los años 1966/1978, dividida en tres períodos: 1966/1970, 1971/1974, y 1975/1978.

Cierra el libro con una breve biografía de Litto Nebbia, una discografía hasta 1979 en la que se incluyen los discos en que Litto ha intervenido como intérprete, compositor, músico y/o arreglador -que cierra precisamente con el LP “10 Años después”-, y un listado de temas de Nebbia grabados por él u otros artistas cuya cifra asciende a los 262 temas.

MUERTE EN LA CATEDRAL

2010-03-08T11:40:00.000-03:00

LITTO NEBBIA

1ra. Edición:
1974
Editorial:
Melograf
Prólogo:
Litto Nebbia

Escribe Litto Nebbia:

“Este libro contiene poemas, letras de canciones y algunos cuentos que escribí el último año. Decidí publicarlo porque forma parte de mi último trabajo discográfico, el LP. “Muerte en la Catedral”.
Logré que todo lo que había en mi cabeza, musical y literariamente, se hiciera realidad gracias al trabajo en equipo que mantuvimos entre:

Pérez Celis: arte
Olkar Ramírez: sección fotográfica
Jorge “Negro” González: contrabajo eléctrico
Néstor Astarita: batería
Oscar Moro: batería en Dios en más
Roque Narvaja: sólo de guitarra en El revólver es un hombre legal.
Coro Fogliatta: piano y órgano
Rodolfo Alchourrón: arreglos y dirección de cuerdas, arpa y corno.
Bernardo Baraj: saxo tenor y flauta traversa
Gustavo Moretto: trompeta y trombón
Mirtha Defilpo: letras de La operación es simple y Mendigo de la luna
Domingo Ferreyra: asistente técnico de “el trío”.

Las letras de algunos temas, tienen los acordes para guitarra o piano y una explicación para interpretarlos.
En definitiva, mi intención es que este libro sirva para ampliar más el contacto entre mi música y ustedes.
Gracias”.
Litto Nebbia.

El libro consta, además de lo que menciona Litto, con una especie de ensayo corto sobre música popular escrito en 1970 donde el autor muestra sincera preocupación por el destino del género. Lo titula “Adonde va nuestra música popular?” y, entre otras preocupaciones, denuncia al periodismo especializado “que tiende a distorsionar la palabra de los reporteados”, a la “música joven”, que “no tiene artistas que puedan mantener una continuidad musical honesta y con calidad a través de los años” para cargar finalmente las tintas contra “las grandes empresas grabadoras, sus productores, personal de radio, “músicos” incluso y una cadena interminable de gente que hace las cosas mal para poder vivir como ellos dicen”.

El libro es del año 1974, lo editó Melograf, tiene 63 páginas, y luego de las letras y acordes de los temas, siguen una biografía de Litto, un listado de sus temas grabados por él u otros artistas hasta entonces, y la discografía –por cierto para ese año mucho más escueta de lo que siempre fue la discografía de Nebbia.

V8 - UN SENTIMIENTO

2010-03-07T11:09:00.009-03:00

ANA MOURIN

1ra. Edición:
1993
Editorial:
Independiente
Prólogo:
Ana Mourin

El presente libro es el resultado de mi personal investigación basada fundamentalmente en testimonios aportados por quienes decidieron participar, siendo importante destacar que la totalidad de los principales involucrados recibieron la oportunidad de expresarse. La libertad con la que cuento al no ser parte de ningún medio periodístico en particular que me condicione a callar la realidad de su historia, me permite volcar la información recogida guardando el mayor respeto posible, pero sin dejar que esto me impida desvelar los acontecimientos que perjudicaron, demoraron o desvirtuaron la senda de V8. Sólo resta decir que quienes se sientan dolidos, aguanten el peso de la verdad.

Dedicado a aquellos fieles seguidores que creyeron en VB apoyando su existencia, y a quienes pese a no haber tenido la ocasión, por su corta edad, de presenciar una sola de sus actuaciones, hoy en día se sienten identificados con su obra, manteniéndola viva. La colaboración de las siguientes personas posibilitó la realización de este trabajo.
Para ellos vaya mi agradecimiento: Pedro Leontjew, Alberto Zamarbide, Ricardo lorio, Marcelo Tommy, Daniel Britos, Norberto Galvano y Señora, José Ben, Frank Blumetti, Norberto Verea, Andrés Violante, Marcelo Fisore, Claudio O’Connor y Señora, Juana Mansilla, Joaquín Amat, Marcelo Caputo, Jorge Pistochi, José Luis Cuya, Olivia Gonzalo M. Gil y en especial a mi madre y a mi hija.

SODA STEREO: DIARIO DE GIRA

2009-12-11T01:49:00.000-03:00

SODA STEREO

1ra. Edición:
2009
Editorial:
Editorial Sudamericana

Un recorrido por la intimidad de una de las giras americanas más grandes de todos los tiempos.
Imágenes nunca vistas, tomadas por el fotógrafo oficial de la banda y por las cámaras de los propios Soda y de los integrantes de su equipo.
Un relato de primera mano de la frenética vida diaria de un tour de rock, desde los preparativos secretos hasta la última noche de festejos.

A fines de 2007 Soda Stereo realizó una importante gira por toda Latinoamérica presentando su nuevo álbum y festejando su regreso a la escena local del rock & pop, después de diez años.
Los shows en Argentina fueron un éxito absoluto. Llenaron seis estadios de River.
El periodista Marcelo Fernández Bitar acompañó a Gustavo Cerati, Charly Alberti y Zeta Bosio durante toda la gira.
Diario de gira cuenta todo lo que los seguidores de la banda quieren saber.
El detrás de escena de los shows, las fiestas con otros músicos, las declaraciones fuera de micrófono, etc….en fin: Todo

SODA STEREO: LIBRO DE FOTOS 82-97

2009-12-09T01:44:00.003-03:00

MARCELO FERNANDEZ BITAR

SODA STEREO

1ra. Edición:
2007
Editorial:
Editorial Sudamericana

De la new-wave al pop.
Del cuadriculado monocromático ska a los pelos parados y los raros peinados nuevos.
De pop a modernos.
De las musculosas y remeras rotas a las camisas con volados, el maquillaje en exceso, los sobretodos oscuros y las poses dignas de un álbum de fotos de la más acabada onda dark.
De modernos a sónicos, con ropas de colores y una suerte de rescate de la psicodelia de los años sesenta.
Así, en apenas tres transiciones de imagen (entre muchas más), queda en claro que Soda Stereo siempre le escapó a los rótulos fáciles y al habitual karma rockero de quedar cristalizado en un estereotipo.
Porque ellos, una y otra vez, optaron por dar un volantazo, tomar un desvío y evitar convertirse en un cliché.
Ellos mismos, en algún reportaje de la época de "Signos", confesaron que un día regresaron de un viaje, vieron sus propias fotos y se dieron cuenta que se les había ido la mano y que parecían Fantomas.

En la letra y música de sus canciones pasó lo mismo, con una evolución permanente, sorprendente, cambiando en muy poco tiempo de los estribillos adictivos y las frases ocurrentes a la poesía inaudita y los sonidos sofisticados, incorporando influencias de la escritura automática, el surrealismo, el funk, el rock progresivo argentino,

Sortearon ese camino entre espejismos y se fueron convirtiendo en auténticos clásicos, pioneros y conquistadores, con discos inolvidables, recitales que hicieron historia y videos que retrataron cada paso con un protagónico zoom de cámara y acción.
Es indudable que hay varias maneras de repasar el camino recorrido por el grupo desde sus comienzos hasta su separación en 1997. Están los discos, claro, y también algunos DVD y clips.
Pero la captura más fascinante de sus almas parece ser la fotografía, que los acompañó en todo momento y por todas partes.

Así nace este libro, del material hallado en los archivos personales de Gustavo, Zeta y Charly, con viejas fotos de prensa, instantáneas de entrecasa, shows famosos e infinidad de regalos hechos por fans, asistentes, periodistas y fotógrafos amigos.

Hoy, mientras se lleva a cabo una reunión largamente esperada por miles de personas de todo el continente, nada mejor que un repaso de ese largo y sinuoso camino que empezó en 1982.

LA IDEOLOGIA ANTIAUTORITARIA DEL ROCK NACIONAL

2009-12-08T01:11:00.000-03:00

ALFREDO BELTRAN FUENTES

1ra. Edición:
1989
Editorial:
Centro Editor de Amèrica Latina

En el desarrollo de este trabajo el autor analiza lo ocurrido en los países anglosajones durante la época del nacimiento del rock.
Luego toma al rock argentino considerándolo desde su contexto histórico-político y considerando también el contenido de las letras y las actitudes de los músicos.
Para explicar la posición contestataria y antisistema del rock nacional, el autor retoma ideas del hipismo, del pacifismo y de aquellos movimientos que buscan una forma de vida menos automatizada.

Este material hace el aporte de contribuir al conocimiento de las raíces de la llamada “contracultura del rock” y ampliar el contexto histórico-político en el que ésta se gestó.

Gracias a Daniel Fonseca por el posteo

EL DIA QUE SECUESTRARON A CHARLY

2009-11-29T18:44:00.002-03:00

FERNANDO CEROLINI

1ra. Edición:
2008
Editorial:
Caras y Caretas

“Esa noche Charly hizo lo de siempre. Llegó tres horas tarde, eludió a los pocos seguidores que lo esperaban detrás del vallado y se abrió paso a empujones entre los patovicas de la entrada.
El sonidista dormitaba haciendo equilibrio en una silla con los pies sobre la consola.

En un rincón de la sala, los músicos, que por las dudas mantenían los instrumentos en sus fundas, jugaban al truco por cervezas. El bajista, un morocho de bigotes y pelo largo que parecía más entretenido que el resto, llevaba ganados dos cajones de Heineken.

La única chica del grupo, que se encargaba de la segunda voz y la guitarra rítmica, mandaba mensajes de texto por celular. Quien la miraba de lejos pensaba que se reía sola.

Cuando entró Charly se cortó el juego. Todos lo saludaron y comenzaron a desenfundar sus instrumentos. El boliche prendió nuevamente las luces y abrió la boletería.

Nunca se entendía bien cómo, pero la veintena de fans que esperaban en la puerta empezaron a multiplicarse. Un verdadero misterio en esa calle de San Telmo, que a esa hora estaba desierta: los turistas que la frecuentaban buscaban tango y se los veía hasta la 1 o 2 de la mañana. Ahora eran las 3 y media, y en veinte minutos el show iba a comenzar.

Los problemas se iniciaron al promediar la cuarta canción, cuando Charly dejó de aporrear el piano y dijo:

–No voy a seguir con este tema... es muy viejo y no me acuerdo la letra; dejen de pedir boludeces.

Ahí nomás le arrojó en la cara, con buena puntería, lo que quedaba del vaso de Johnny Walker a un gordo de la primera fila que se había parado para aplaudir su olvido. El tipo, uno de los fieles que se había aguantado la amansadora en la puerta, festejó la ocurrencia como si el músico le hubiera tirado agua bendita. Acto seguido, Charly se bajó los pantalones. Pero contra lo que podía esperarse, nadie reparó en su sexo. Su delgadez extrema dejaba ver los huesos como una radiografía y más de uno creyó estar frente a un sobreviviente de Auschwitz.

La patética imagen generaba compasión y no el rechazo que el músico buscaba provocar, salvo para el jefe de seguridad del local. Este tenía órdenes expresas del dueño de suspender el show ante el mínimo amague de escándalo. El miércoles habían tolerado las extravagancias, pero doscientas entradas de borderó no justificaban que el local corriera riesgos de destrozos. Así que el tipo les dio la orden a los patovicas de que desalojaran el escenario. A los pocos minutos todo se había convertido en un pandemónium.

El bajista demostró que además de jugar al truco sabía irse a las manos. Con un gancho en la sien y un cross de derecha en la mandíbula, dejó fuera de juego a un rubio cortado a cero que pretendía bajarlo agarrándolo de la cintura.

La chica de los coros también parecía estar acostumbrada a la situación: le tiraba con fuerza de las orejas y le daba rodillazos en la espalda a un petiso macizo que tenía a maltraer al baterista. Charly en tanto trataba de mantener el piano en equilibrio para no perder la botella de whisky.

Sus devotos la pasaron mal. Lejos de poder ayudar a su ídolo, fueron arreados hacia la calle por otros tres hombres de seguridad a empujones y patadas. Pero Charly se llevó la peor parte. Cuando Billy (un grandote de barba al que le decían el Oso y lo defendía cuando se metía en problemas) logró rescatarlo, tenía el ojo derecho hinchado y un corte en la pera.

En los noticieros, que cubrieron profusamente el accidentado recital, el dueño del local explicó que el músico fue golpeado cuando esgrimía una botella, algo que Charly desmintió de plano mientras mostraba sus lesiones:

–Lo único que hice fue tratar de salvar el Johnny Walker. Cualquier tarado sabe que un día de semana a esa hora está todo cerrado. Y además tenía un valor emotivo: me lo había regalado Yonse en el show que me invitó a cantar Satisfaction.

En Crónica, Feuer, cansado ya de escribir siempre la misma noticia, tomó de la computadora el archivo del texto que había publicado hacía dos meses, cambió el nombre del boliche, la cantidad de asistentes y las lesiones y lo mandó tal cual. Nadie se dio cuenta.

Después la polémica derivó en por qué no se había devuelto la plata de la entrada. El empresario afirmó que se debía a que la policía dispersó al público por temor a un conflicto mayor. “Desde mañana comenzamos a devolver el dinero a todo aquel que tenga la entrada”, informó.

Pero la convocatoria fue escasa: sólo treinta y cinco pidieron el reintegro del dinero. Del resto, muchos las habían tirado y otros preferían guardarla de recuerdo junto con los recortes de los diarios. Incluso le hicieron varias notas a un fanático que guardaba siete tickets de recitales de Charly que jamás habían terminado.
…………………….

Las dos fotos eran de igual tamaño: él las había pegado una al lado de la otra en la pared del estudio, un mes después de que Mariel dejara la casa. La de Charly estaba a la derecha. Era una página de la revista People y la había sacado de una nota reciente que llevaba por título El OTRO CARLITOS, en la que obviamente comparaban al músico con Gardel. La imagen elegida era en sepia y mostraba a un Charly demacrado y con un feo rictus en la boca –quedaba claro que evitaba sonreír para esconder el deterioro de los dientes– mirando hacia un horizonte imaginario. El epígrafe empezaba: “Cada día canta mejor”.

–Qué hijos de puta –decía Natalio en voz alta cada vez que lo leía, hasta que finalmente decidió tacharlo.

La foto de Videla era de un suplemento especial de Clarín que recordaba los 30 años del golpe. El dictador, engominado y canoso, vestía un traje a cuadritos en una de esas audiencias donde se negaba a declarar y sólo decía que se hacía responsable de todo lo que había sucedido durante su gobierno, aunque nunca aclaraba si en esto incluía las masacres y los robos de niños. Videla miraba hacia donde estaba el tribunal. Su rostro denotaba el desasosiego de aquel que es entregado para preservar a quienes ahora lo negaban, aquel que ya no tiene salvación y sabe que su nombre será por siglos sinónimo de lo siniestro. A Natalio le seguía asombrando que, quien no lo conociera, podía simplemente ver en la foto a un viejo cascarrabias de presión alta que se ponía nervioso en presencia de los nietos.

Se sentaba en medio del estudio en el sillón de director que había traído de la oficina de su padre y miraba las fotos durante largo rato. Sabía que elegir un camino implicaba rechazar el otro; eso lo enfurecía. Más de una vez, mientras miraba esos perfiles, comenzaban a confundirse las narices, los anteojos, los bigotes, y finalmente no sabía qué rostro era cuál. Entonces sacudía la cabeza para despabilarse o caminaba unos pasos. Otras veces lo vencía el sueño y quedaba sentado frente a las caras como un muñeco con el cuello roto.

Desde que la causa por el destino de los hijos de desaparecidos lo recluyó en prisión domiciliaria, el plan con Videla se había complicado. Ya no podría salir al pasillo de la iglesia, acercarse en el momento de la comunión para gritarle su nombre y, después de preguntarle si se iba a pudrir en el infierno, pegarle un tiro en el pecho. No es que él creyera en algo, pero suponía que esos pensamientos podían aterrorizarlo en los últimos momentos de vida, sobre todo si llegaban en forma de pregunta. El dictador podía afirmar o rechazar, pero no convivir con la duda.

Ahora sólo le quedaba comprar un departamento en el edificio de la calle Cabildo y Olleros. En él, los precios se habían devaluado por las numerosas incomodidades que generaba la presencia del reo y del Ibérico Saint Jean, otro jerarca del Proceso con prisión domiciliaria. Su mudanza a uno de los pisos superiores o el acceso a la terraza le daban la posibilidad de irrumpir por una ventana (no había balcones) con un equipo de andinismo en la vivienda del dictador, en el 5º piso. Por esta razón en los últimos tiempos leía con fruición las noticias de los hombres araña que asolaban Belgrano y Barrio Norte.

Pero Natalio no se decidía. Aniquilar a Videla podría costarle varios años de cárcel e incluso la vida. Pero algo lo preocupaba más: terminar con Videla era olvidarse de Charly.
Lo que inclinó la balanza fue finalmente la nota de una revista de un año atrás que encontró en la sala de espera del consultorio del dentista. En ella, varios roqueros (entre los que no estaba Charly) lloraban en el entierro del Beduino, el batero de Siempre Girar que había muerto en su casa acosado por el alcohol y el olvido. Entonces se paró frente a las fotos y arrancó la de Videla. “Al final, quizá sea para bien –se justificó: una muerte a tiros le da cierta dignidad a un militar y los siniestros comenzarían a recordarlo como víctima en vez de victimario”. Natalio ya no tenía dudas. De ahora en más, Charly pasaba a ocupar el centro de su vida.”

El autor es el director de Pronto, la revista de espectáculos de mayor venta del país. Este desopilante policial, que se sumerge en el mundo del rock a través de su estrella más emblemática, marca su regreso a la ficción tras 25 años de ejercer el periodismo.

SODA STEREO - LA HISTORIA

2009-11-28T18:21:00.000-03:00

GUILLERMO CUCCIOLETTA

MARTIN CUCCIOLETTA

1ra. Edición:

1997
Editorial:
Galerna
Prólogo:
Mario Pergolini

Cuando leas este libro, Soda Stereo ya no va a estar más ni en un estudio, ni en un escenario, ni en un reportaje.
Si compraste este libro lo más probable es que vos tengas "algo" con esta banda. A lo mejor el simple hecho de que haya estado justo cuando vos eras adolescente. O a lo mejor, su música te sirvió de algo...
Uno nunca sabe por qué se hizo fanático de una banda, sólo sucede, y cuando te anuncian que se van a separar sentís como que algo también te pasa a vos. Serán las etapas que se terminan, o andá a saber qué.

Viví con Soda gran parte de sus comienzos, hasta llegar a su consagración.
Los Soda fueron los responsables de que Latinoamérica cantara rock en su idioma, y a lo mejor esto te suena estúpido, pero vivimos en un país con tradición rockera. Esto no pasaba ni en Chile, ni en México, ni en Perú.

Creo que en algún punto los voy a extrañar. Personalmente he crecido compartiendo giras que llegaron a durar 3 meses. He pasado cosas incontables que quedarán en nuestra caja de Pandora, he visto conciertos horrorosos, los vi tristes, contentos, en fin... los he visto y lo he vivido.
Quedará su música, si eso te conforma y creo que debería conformarte. La decisión de ellos fue bastante buena. No hay que dejar que todo pase en la tranquilidad... hay que arriesgarse y hacer.
Los Soda lo hicieron y lo disfrutaron.

Fue bueno haberlos conocido y fue divertido viajar con ellos en más de 3 giras latinoamericanas.
En este libro encontrarás datos, anécdotas y toda la cronología de una banda que hizo historia, más allá de su música y mucho más allá de su tierra.
Guardaré sus discos. Los pasaré de vez en cuando en la radio. Los disfrutaré... Suerte!

Mario Pergolini

* Los autores aclaran que Soda Stereo no está involucrado en la elaboración de "Soda Stereo, la historia", a pesar de haber recibido este material. El relato de esta historia lo realizaron los autores.

SODA STEREO - LA BIGRAFIA

2009-11-27T18:09:00.000-03:00

MARCELO FERNANDEZ BITAR

1ra. Edición:
1988
Editorial:
Distral

Textos, fotos y la biografía del grupo, abarcando sus comienzos hasta la época del álbum Doble Vida, ya que este libro fue editado por esos años, cuando el grupo estaba en plena actividad.
Incluye letras de los discos, entrevistas, anécdotas, y una ficha con los recitales realizados.

Marcelo Fernández Bitar es un periodista especializado en rock que ha colaborado habitualmente en las revistas El Porteño, Cantarock, Cerdos y Peces, y el Suplemento Sí del diario Clarín.
Actualmente, se desempeña como Secretario de Redacción de la revista Rock & Pop y colaborador permanente de la sección Espectáculos del diario El Cronista Comercial.
Además, es el autor del libro "Historia del rock en Argentina, una investigación cronológica", publicado 1987.

En los últimos cinco años, Buenos Aires ha cambiado considerablemente.
Hay partes de la ciudad que ya no son las mismas. El sistema de gobierno es otro. Alguna gente parece distinta, se viste de otra manera, usa otras palabras. Existen nuevos códigos.
La música también ha cambiado.

En 1983 nacía Soda Stéreo, tomando la "muy 90's" formación de trío y originando una música que combinaba la energía del punk-rock con ritmos como el ska y reggae, todo dentro de la estructura clásica del pop y con letras plenas de ironías y dobles sentidos.
En muy poco tiempo, de forma casi imperceptible para la prensa especializada, el grupo logró una fuerte relación con el público que lo acompañó fanáticamente durante toda la etapa "underground".

Su preocupación por detalles como la imagen en vivo y en foros, sumado a su producción musical, los llevó por una carrera siempre ascendente y con características propias de pionero. Recorrieron todo el territorio argentino y una vez consagrados como incuestionables Número Uno, probaron suerte en el exterior, con un resultado tan positivo que se convirtieron indiscutidamente en el grupo de rock más popular de Latinoamérica, con un total de discos vendidos que ya superó el millón de unidades.

Soda Stéreo. Inicialmente "pop", luego "modernos" y finalmente una combinación muy personal del rock actual.
Impusieron ropas, cortes de pelo, formas de componer, tocar y cantar, y hasta maneras de encarar el inmenso negocio que los rodea.
En estos últimos cinco años, Soda Stéreo ha crecido hasta límites insospechables.
Y esta es la historia.

LA TROVA ROSARINA

2009-11-22T21:10:00.006-03:00

SERGIO ARBOLEYA

1ra. Edición:
1998
Editorial:
Homo Sapiens Ediciones
Prólogo:
Juan Carlos Baglietto

"...Sé que éramos un grupo de gente con una profunda pasión y una necesidad de ser escuchados, de comunicarnos: que esa misma necesidad nos unió casi involuntariamente y nos desarrollo en un medio que, en el mejor de los casos, nos era indiferente..", escribió Juan Carlos Baglietto en un sentido texto que sirve de prologo a esta edición y que, sin duda, acerca el espíritu entre desafiante, casual, intrincado y mágico que signa un repaso más pasional que riguroso en torno a la Trova Rosarina.

El libro se escapa sin culpas de la precisión de las fechas y los fundamentos numéricos para intentar una aproximación más fructífera a las sensaciones y los sentimientos que se fueron torneando para generar una forma de canción que nació y estallo desde Rosario.
A partir de esta primera decisión estético-periodística, hay también una clara intención de vincular permanentemente las novedosas, punzantes y prolíficas andanzas creativas de los músicos de la Trova con imágenes argentinas.

Esta idea parte de la más intima certeza de que los músicos populares tienen con la realidad social, política y económica del país, una relación de reciproca alimentación. Quizás sea entonces posible que al contar la historio de la Trova Rosarina, se esté narrando el devenir de una parte de la sociedad argentina.
La intención entonces, no pasa por trazar melancólicos y forzados paralelismos utilizando como herramientas una canción de Páez. o la voz de Baglietto, para explicar el chato, frívolo y dependiente presente de la Argentina, pero el relato permite apreciar que estos artistas rosarinos describen una parábola de la esperanza a la derrota y de allí a la reflexión, que tiene puntos de contacto con los sueños populares que fueron, ya no están y es necesario recuperar.

Sergio Arboleya , un periodista de gran experiencia y formación realizó una investigación exhaustiva de la llamada trova rosarina que consta de reportajes a los protagonistas quienes le brindaron a Arboleya su testimonio valioso del devenir de este importante movimiento de música popular. Todos los datos están extraídos de testimonios de los protagonistas.
Según Arboleya, los que escribieron las primeras páginas fueron los cultores del rock que liderados y reunidos por Ricardo”Richard” Grassi empezaron a transitar una nueva historia. Richard soñó trasladar la comunión roquera, el espíritu solidario de los impulsores del movimiento a nivel nacional que tocaron en el BARock”72 , a la geografía rosarina.

El 18 de marzo de 1973, en una de las aulas del Colegio San José, se dieron cita varios grupos musicales rosarinos, entre ellos” Pablo el enterrador””Agnus Dei” y “Amor” para verse por primera vez sus adolescentes rostros y formar bajo la conducción de Richard, el Ateneo Músicos y Amigos de Rosario(AMAdeR)

Lalo De Los Santos, por entonces integrante de “Agnus Dei” recuerda que “ya en aquella reunión se coincidió en armar una especie de cooperativa con la idea de promover el rock de Rosario y tener la posibilidad de una continuidad en materia de conciertos”
Lalo De Los Santos grafica:”para mí, Los Gatos y Almendra es decir Litto Nebbia y Spinetta, eran como mi papá y mi mamá”.

El compositor, arreglador e intérprete Héctor “Pichi” De Benedictis que lideró el grupo “Acalanto” y años más tarde llegó a ser Secretario de Cultura de Rosario, le pone fechas anteriores a la primera repercusión del rock en Rosario desde grupos como “Los No” y “Batallón Mermelada” que empezaron haciendo música para bailar, luego rock en inglés de bandas inglesas, después temas en inglés de su propia autoría y terminaron por animarse a hacer canciones en castellano al calor de la influencia que significó “Almendra”.

Dice De Benedictis: ”cuando se habla de la Trova Rosarina creo que Almendra es un referente inevitable. Cuando por primera vez escuché ”Muchacha ojos de papel” descubrí algo fuertísimo, porque era pegadizo pero interesante y había un tratamiento increíble del texto que luego se convirtió en toda una referencia para nosotros”.

Rubén Goldín, otro integrante de la Trova evoca:”yo fui a ver a ”Los Gatos” a Echesortu con asma y fiebre y como me sentía bastante mal , logré ponerme en la escalera. Cuando terminó el show y los músicos bajaron por la escalera, Moro me tocó la cabeza y yo creí que me moría".

CORAZONES EN LLAMAS

2009-11-22T20:37:00.004-03:00

LAURA RAMOS - CYNTHIA LEJBOWICZ

Historias del rock argentino en los '80

1ra. Edición:
1991
Editorial:
Aguilar - Clarin
Prólogo:
Sin pròlogo

La movida de los '80.
Anécdotas del rock and roll argentino nunca antes contadas.
Una historia novelada de la última década con testimonios de los protagonistas y una rigurosa cronología de los hechos más relevantes en el rock, en el país y en el mundo.

Los protagonistas: Charly García, Fito Páez, Gustavo Cerati, Fabiana Cantilo, Luca Prodan, Indio Solari, Federico Moura, Las Baby Scuits, Juanse, Andrés Calamaro, Richard Coleman, entre otros. Los escenarios: Café Einstein, Stud Free Pub, La Esquina del Sol, Zero, bar María Castaña en Hurlingham, casa de la Diagonal 74 en La Plata, departamento en Soldado de la Independencia al 1600, disco Nude de Miami Beach, Embajada argentina en México, Cemento, Bar Bolivia, Teatro Santa María, salas de ensayo, hoteles, fiestas privadas.

Para muestra…un botón:
Año 1985, en esa época García y Spinetta comenzaron a reunirse con el proyecto de hacer música juntos.....Un día Spinetta fue con una combi y los equipos a buscar a García para grabar un programa de televisión.
Comenzaron a cantar "Rezo Por Vos".
"Y queme las cortinas y me encendí de amor...".

Un asistente interrumpió para avisar que Charly tenía una llamada telefónica urgente: su casa se incendiaba.
Entre el furor y la desesperación, alcanzó a escuchar que Spinetta le decía:
- Loco, la culpa la tengo yo.
- Cállate tarado - sonrió Charly.
Luego en la exasperación, hizo volar un cenicero por el aire.

Cuando llegó al departamento descubrió que, además, le habían robado veinte mil dólares.
Ese día, con la casa entera chorreando agua, los 15 bomberos que habían apagado el fuego, se desnudaron, dejándose puestos cascos y calzoncillos para que Charly los revisara.
-No jodais mais- les dijo, riendo entre lágrimas.

GUIA DE REVISTAS DE MUSICA DE LA ARGENTINA (1829 - 2007)

2009-11-21T22:07:00.002-03:00

LEANDRO DONOZO

1ra. Edición:
2009
Editorial:
Gourmet Musical
Pròlogo:

Melanie Plesch (The university of Melbourne)

Las publicaciones periódicas especializadas constituyen una de las principales formas de difusión de la actividad musical.
Como tales, se transforman en documentos y registros privilegiados, que no sólo sirven a los músicos y a la industria musical de cada época, sino también a musicólogos, historiadores, periodistas, y a todos aquellos interesados en conocer en detalle la historia de la música.
La Argentina posee una rica tradición en la edición de revistas de música desde las primeras décadas del siglo XIX hasta nuestros días, que es aún muy poco conocida.

Esta guía pretende dar a conocer ese extenso patrimonio a través del relevamiento de 450 publicaciones editadas en la Argentina entre 1829 y 2007, y una selección de revistas extranjeras de interés local.
También incluye la ubicación de cada ejemplar en las principales bibliotecas, el detalle del staff y los colaboradores de cada edición, así como los índices de las revistas aparecidas en cada año y de las casi 12.000 personas que colaboraron en ellas.

Leandro Donozo es investigador en el área de bibliografía y documentación musical, y autor del Diccionario bibliográfico de la música argentina y de la música en la Argentina.
Fue colaborador del New Grove Dictionary of Music and Musicians, co-director del Centro de Documentación e Investigación Musical de Buenos Aires (D.I.M.), miembro de la comisión directiva de la Asociación Argentina de Musicología y periodista en diversas revistas especializadas en música popular.
Cursó la carrera de Artes en la Universidad de Buenos Aires y actualmente es docente de la carrera de Crítica de Artes del Instituto Universitario Nacional de Artes (IUNA).

"La originalidad de la concepción de Leandro Donozo eleva la lexicografía en y sobre la Argentina a un nuevo nivel. (...) Donozo es actualmente la autoridad incuestionable en el campo de la bibliografía musical en Argentina"
Malena Kuss. FontesArtis Musicae (International Association of Music Libraries).

AMANTES SUBTERRANEOS

2009-11-21T22:06:00.019-03:00

FLAVIO KATZEV

EL ROCK UNDER DE LOS '80

1ra. Edición:
2008
Editorial:
Ediciones Elemento
Prólogo:
Gustavo La Banca San Martin

El mismísimo underground de los ochentas plasmado en esta obra contada por el autor y más de 60 rockeros de la época:
Don Cornelio, Metrópoli, Los Argentinos, Teddy Boys, Instrucción Cívica, Comida China, Beso Negro, Pobre Morales, Identikit, Graffiti, Escocia, Alakrán, Uno x Uno, Pasaporte, Chernobyl, Sector Diván, Personajes Urbanos, Cosméticos y muchos más.

Bandas, formaciones, discografía, demos, sus orígenes, pubs, anécdotas, el ayer y el hoy de sus integrantes.

El rock argentino tiene más de cuarenta años de historia.
A lo largo de todo ese tiempo ha tenido tantos amantes que sería imposible recordarlos a todos. Cada década marcó una especie de amor, una manera diferente de acercársele y entregarle las ganas, las ansias de poder ser parte de este gran movimiento cultural. Los sesenta, fueron las primeras experiencias, en los setentas, hubo que esconderse, los noventas, parecieron de una eterna resaca.
Pero fue en los ochentas donde los amantes más se entregaron.
Alentada por la libertad del sistema político, por una necesidad de tantos años reprimida, una gran fiesta se desató en el rock nacional.

Muchos de los invitados lograron trascender y ser quienes animaron el show, pero hubo muchos otros que fueron los que sostuvieron la temperatura, la caldera encendida, los que permitieron que el semillero nunca se extinguiese.
Fueron los amantes subterráneos.

Centenares de grupos que pululaban en el under de los 80, pero que nunca lograron un reconocimiento masivo, son los que llamaron la atención de Flavio Katsev, que dedicó mucho de su vida a ellos.
Tanto, que escribió un libro donde los rescata del olvido. Amantes Subterráneos, el rock under de los 80, editado por Ediciones Elemento, pretende traer a la memoria colectiva, nombres, músicos, grupos que generaron tanto ruido que acabaron en el silencio absoluto.

Katsev vivió y creció con el rock de los 80. Se hizo fanático de muchas bandas que hoy por hoy son desconocidas para la mayoría, pero que para él, sus canciones son verdaderos tesoros incunables.

PAPPO - EL REY DEL BLUES

2009-11-21T22:06:00.018-03:00

INVESTIGACION DIARIO "LA NACION

1ra. Edición:
2006
Editorial:
Aguilar
Prólogo:
Sin pròlogo

Norberto Napolitano, Pappo, fue uno de los más grandes guitarristas y un mito del rock nacional.
Comenzó su carrera como integrante de Los Gatos, de los primeros Abuelos de la Nada y de La pesada del rock and roll.

Fue líder de Pappo's Blues, convirtiéndose tempranamente en la figura del rock duro en Argentina; y en los ochenta, formó Riff, una banda más cercana al heavy metal.
Pero su pasión por el blues le dio trascendencia internacional.

Compartió escenarios y grabaciones con la gran figura estadounidense del género en aquella época, B. B. King. y, cuando se produjo su trágica muerte, tenía agendadas varias fechas para actuar en los Estados Unidos.

De él dijo Andrés Ciro, cantante de "Los Piojos": "En un mundo en el que siempre sobraron los mentirosos y charlatanes, él era el mejor guitarrista de blues. Y en el blues no es posible mentir".

La coherencia entre su vida y su búsqueda artística lo convierten en una de las figuras paradigmáticas del rock nacional.

EL CABILDO DEL ROCK

2009-11-21T22:06:00.012-03:00

CANDELARIA KRISTOF

1ra. Edición:
2007
Editorial:
Tomo Publishing
Prólogo:
Candelaria Kristof

Existen estudios memorables en donde los grandes músicos grabaron sus obras y que los convirtieron juntos a estos artistas en parte de la historia de la música. A nivel internacional se podria nombrar a los místicos estudios Abbey Road, que hasta aquellos ajenos a la industria de la música o del audio conoce, o por lo menos lo ha escuchado nombrar alguna vez.

En la argentina tambien existe algunos estudios memorables que ya forman parte del rock nacional, como por ej. los Estudios ION o Panda. En este caso vamos a hablar de los Estudios Del Cielito. Estos estudios fundados por Gustavo Gauvry en el año 1980, es considerado el primer estudio independiente de la Argentina.

“Vos leías en la revista Pelo que Led Zeppelín estaba grabando en una isla, en Grecia. Entonces te preguntabas ¿Y nosotros qué somos? ¿Boludos al viento?”.
La comparación del legendario Luis Alberto Spinetta vale más que mil explicaciones para describir lo que significó el surgimiento del no menos mítico estudio de grabación Del Cielito.

Los testimonios de los músicos que cantaron la historia del rock lo confirman. Sus grabaciones y discos, también.

“Del Cielito acercó la idea de que acá también se podía estar en un lugar alucinante, pasándola bien y grabando música. Era el paraíso porque el lugar en sí te llevaba fuera de acá. Creo que sus características preponderantes eran la generosidad y la libertad”, agrega el “Flaco” desde las páginas de “El Cabildo del rock”, el trabajo de Candelaria Kristof.
Desde el título, Kristof plantea que el estudio de grabación fundado en 1980 por Gustavo Gauvry fue, sin dudas, el lugar donde el rock argentino forjó su independencia.

Ubicado en Parque Leloir, su nombre podría dar lugar a ingeniosas y delirantes interpretaciones, pero la realidad es que obedece a la calle que se toma para llegar al lugar. “Me pareció un nombre muy musical”, señala su creador. “Para mí – agrega Gauvry - un estudio no tenía que ser una cueva en el centro de la ciudad cuando podía ser un lugar con luz, con aire libre, con familia metida en el medio, con chicos, con amigos, con asados: un lugar donde pudieras grabar en un clima de distensión”.

Los insólitos problemas de los comienzos se convirtieron, al paso de los años, en una divertida sucesión de anécdotas.

“Gauvry y David Lebón habían comprado una grabadora. Y bueno… intentaron grabar, pero las máquinas de grabar no andan solas. O sea, el micrófono va a una consola y de la consola vas al grabador, no es un radiograbador hogareño. Y resultaba que los monos enchufaban todo y no andaba”, recuerda el guitarrista Héctor Starc, uno de los entrevistados por la autora.

El “arrorró” de Charly.
Después de un ensayo de Serú Girán, Charly García decide quedarse a dormir en la casa de Gauvry.
Como el living estaba lleno de instrumentos, le armaron una cama en el cuarto de Violeta, la beba de un año y medio.
A la mañana siguiente, mientras desayunaban, Charly comenta como al descuido:
- Che, anoche se despertó la nena
- ¿Y qué hiciste?, le pregunta Gauvry
- Nada, le canté una canción y siguió durmiendo.
El tema en cuestión siempre fue un misterio… uno de los tantos de Charly.

Lebón fue uno de los primeros en formar parte de la aventura e, incluso, muchos creyeron que era uno de los dueños del estudio. “Sucedió lo que soñamos – afirma el músico -. Acá pasaron muchísimas cosas porque este lugar estaba abierto las veinticuatro horas. Se componía, se tocaba, se grababa. Luis (Spinetta) venía, prendía las luces y se ponía a dibujar. No estábamos tan enfocados en lo comercial sino a favor de la música”. Del Cielito fue pionero, allá por 1981, de las grabaciones en vivo. El primero fue un recital de Susana Rinaldi, luego hicieron el festival Prima Rock en Ezeiza y, en marzo del ´82, grabaron cinco de los 14 shows que Mercedes Sosa realizó en el Teatro Opera.
También inmortalizaron la despedida de Serú Girán y de ahí salió “No llores por mí, Argentina”, un disco impresionante que hizo historia, aunque para Gauvry “ fue demasiado retocado en estudio”.
En aquellos años, casi todos los discos se llamaban “en Argentina” porque se acababa de terminar la Guerra de Malvinas y volvían numerosos músicos que habían estado exiliados durante la dictadura: Piero, Silvio Rodríguez y Pablo Milanés, el Cuarteto Zupay, Víctor Heredia, León Greco, Mercedes Sosa y Milton Nascimento, festivales como el Rosariazo y grupos como el chileno Los Jaivas, integraron aquella lista.

Andá a lavar los platos, Pappo.

Lebón le había prevenido a Gauvry que si lo llamaba Pappo para grabar lo rechazara porque era medio “jodido”. “Bardea, puede llegar a ponerse violento”, le advirtió.

Cuando lo llamó Vitico para trabajar juntos no pudo decirle que no.

“Es un laburo, no me puedo dar el lujo de perderlo. Además, estuve con cada delirante en mi vida…”, se justificó.

Todo iba bien hasta que, en plena grabación, interrumpe Pappo:

- Che, tengo un hambre espantoso. Voy a preparar unas pizzas.

- Hay un problema, la tapa del horno tiene el vidrio térmico roto, le contesta Gauvry.

- Dejame que yo te lo soluciono.

Enseguida, revuelve los trastos de la cocina hasta encontrar una fuerte ovalada de acero que encaja justo en el agujero.

Un rato más tarde devoran las pizzas amasadas por el Carpo. “El temible muchacho del heavy metal y las cadenas incluso lavó los platos, dejando todo impecable”, recuerda Gauvry.

En 1984, Del Cielito también formó parte de la epopeya de León Gieco, “De Ushuaia a La Quiaca”.
Héctor Starc cuenta que Gauvry estaba buscando un asistente y cuando le contó para qué era, no dudó en ofrecerse él mismo.
Al principio, se negó a que Starc, con toda su experiencia, se sumara al equipo con una tarea tan sencilla como juntar cables. Pero finalmente lo hizo. “De esa manera pude conocer todo el Norte, que no me acuerdo nada porque nos chupábamos hasta el pis que hacíamos”, recuerda (¿o no recuerda?) Starc.

“Gustavo (Gauvry) es un deforme, es atípico, es poético, es folklórico, es kitsch. Aprovecha todo y no se ata a una sola forma, es libre en su

pensamiento. Y el disco De Ushuaia a La Quiaca que grabamos ahí en el Cielito fue totalmente revolucionario para la época porque hicimos un disco tecno…¡pero de folklore!”, cuenta León Gieco.

El crecimiento del estudio derivó, casi inevitablemente, en la creación de la productora independiente Del Cielito Records.
Uno de los primeros grupos de esta nueva etapa fueron Los Ratones Paranoicos, a quienes Gauvry había “descubierto” en el ´82 cuando vio una pintada en un paredón de la Escuela de Mecánica de la Armada. Mucho tiempo después, supo que aquel nombre era el de un grupo de jóvenes prometedores que terminarían tocando junto a los Rolling Stones. “Fueron muchos años – sostiene Juanse - de trabajar con los mejores artistas, no sólo del país. Porque creo que Spinetta es uno de los más grandes artistas del mundo de la música”.

Deudores incobrables.

En 1991, Gustavo Cordera y la Bersuit Vergarabat grabaron dos canciones en el Cielito para el disco que salió al año siguiente.

“Como dato significativo, no le pagamos a Gauvry. Lo estafamos. Durante muchos años, él trató de cobrarnos, pero le decíamos que no le podíamos pagar porque nos iba a traer mala suerte, iba a traer un aura negativa en nuestras carreras. Cada vez que nos encontrábamos, nos miraba mal. Después, en el ´93, vinimos a hacer otros dos temas (20 millones y Tuyú) y…decidió cobrarnos por adelantado. No quería seguir mirándonos mal”, evoca Cordera.

Los Piojos fue otro de los grupos que formaron parte de esta primera etapa de la productora. Como lo hicieron Spinetta, Charly, el Indio Solari, Gieco y otros grandes, se “instalaban” en Del Cielito hasta que terminaban toda su producción. Aunque a decir verdad, algunos también ofrecían servicios “adicionales”, como Andrés Ciro que se encargaba de fumigar el estudio y todas las instalaciones cada vez que Gauvry se lo pedía.

La tercera etapa comienza cuando Gauvry decide desprenderse de la leyenda que había creado. “Estaba muy cansado. Aparte, la música desde hacía algunos años también estaba en crisis por el tema de la piratería, de internet. De modo que decidí venderlo y bueno, apareció Bersuit”, explica.
Primero, Gustavo Cordera y sus músicos compraron sólo el estudio, pero en un segundo paso adquirieron todo. “Después – agrega Gauvry - me acercaron la propuesta de encargarme del estudio, como lo había hecho siempre. Ocuparme de los clientes, de los técnicos, de los horarios, de organizar las grabaciones, arreglar las cosas que se rompen, en una palabra, de ser el manager del estudio”.

La llegada de la Bersuit permitió que sobreviviera el espíritu Del Cielito y, quizás, que el estudio y productora de Parque Leloir no se convirtiera en una quinta o emprendimiento urbano.
En palabras del “pelado” Cordera, “Gustavo Gauvry es el líder espiritual de este lugar…Y no pasa por el tema de la posesión, la posesión es absolutamente estúpida porque cuando nosotros nos vayamos de este mundo esto no va a ser nuestro. Pero lo importante es que siga funcionando el alma de lo que esto fue, el sueño por el cual fue concebido: hacer música, ser una fábrica de música en la Argentina”.

VIRUS - UNA GENERACION

2009-11-21T20:43:00.004-03:00

DANIEL RIERA
FERNANDO SANCHEZ

1ra. Edición:
1995
Editorial:
Editorial Sudamericana
Prólogo:
Eduardo Berti

La década del 80 trajo nuevos brillos al rock nacional: sonidos oportunos y un glamour adecuado.
De acuerdo con los tiempos que corrían, los hermanos Moura y sus huestes parecieron poner en escena una frase de William Burroughs; "El lenguaje es un virus". Virus fue el lenguaje de ese festivo despertar.

Las generaciones suelen adoptar fielmente las representaciones que traducen mejor sus incertidumbres y enigmas.
Además del repetido ejercicio de ser modernos, la época exigía una desganada elegancia y un tenue desencanto.
Desde el comienzo, Virus resultó tan emblemático como Luca Prodan o Soda Stereo. Un rumor de teclados creaba la atmósfera. Las letras de Roberto Jacoby, alusivas o sutilmente referenciales, evocaban las mitologías recientes o ironizaban sobre ellas. Federico Moura era la persona indicada para realizar un nuevo pacto con el público.
Su voz se convirtió en el estilo de una década, el símbolo de una generación.

Inteligente y escrupuloso, el libro de Daniel Riera y Fernando Sánchez logra para el periodismo lo que alguna vez Virus logró para el rock nacional: un aporte inédito, claro y distinto.
Considera todos los aspectos del "fenómeno Virus" a la vez que recupera y analiza cada uno de los hechos: el efecto y la repercusión de los creadores de "Wadu Wadu", los éxitos y los desengaños, la muerte de Federico Moura.

“Virus - Una generación” convoca a lectores de diferentes generaciones.
Y, lo que es más difícil, los satisface.

Daniel Riera nació en Buenos Aires en 1970.
Es egresado de la escuela de periodismo TEA (Taller Escuela Agencia).
Colaboró en los diarios Página/12 y Sur, en las revistas Pelo, 220, El Porteño, El Periodista, El Tajo y Faz, y en el libro Ser Gardel,
Es coautor de Queríamos tanto a Olmedo (Ediciones Periodismo por Periodistas) y autor de Led Zeppelin y Guns n'Roses: las manzanas podridas (Editora AC). Trabajó en el programa radial Quemen los bosques y actualmente es secretario de redacción en la revista La Maga.

Femando Sánchez nació en Morón, provincia de Buenos Aires, en 1968.
Es egresado de la escuela de periodismo TEA (Taller Escuela Agencia).
Colaboró en el diario Sur y en las revistas Humor, El Tajo y País Caníbal. Fue redactor de la revista La Urraca.
Es coautor del libro Queríamos tanto a Olmedo (Ediciones Periodismo por Periodistas) y de Bon Jovi (Editora AC). Actualmente colabora con el diario Página 12 y en la revista Sex Humor, y es prosecretario de redacción de la revista La Maga y tecladista del conjunto “Sometidos por Morgan”.

IORIO - EL PERRO CRISTIANO

2009-11-21T09:39:00.005-03:00

ARIEL O. TORRES

1ra. Edición:
2008
Editorial:
S/N
Pròlogo:
Victor Pintos

"Cuando se terminó V8, a la semana armé Hermética. Y cuando vi que Hermética se desbarrancaba, a la semana armé Almafuerte. Todo eso es porque si no me siento amigo de los que tocan conmigo soy capaz de cortarme las manos y tirárselas a los perros".

Sobre el hombre que hizo estas declaraciones al suplemento Espectáculos del diario Clarín en agosto de 1997, se sabe (o se cree saber) bastante; o se suponen cosas y se insiste en ellas aunque él las desmienta obstinadamente.

Nunca hasta la fecha, sin embargo, se había escrito una biografía tan exhaustiva de Ricardo lorio como la presente. ¿Por qué? Es un interrogante complejo de responder; no por nada varios músicos y personas relacionadas con el mundo del rock se abstuvieron de participar en ella.
Lo cierto es que para este libro Ricardo lorio concedió por primera vez una larga serie de entrevistas exclusivas, en las que habló con total libertad y confianza con Ariel Torres.
Ello le permitió al biógrafo construir un relato nutrido, intenso; un relato que encontrarán revelador tanto los seguidores de lorio, como todo el que esté interesado en conocer la personalidad, los pensamientos, y la vertiginosa forma de sentir y de vivir de este artista.

La presente biografía es fruto de una minuciosa labor de investigación periodística y de un trabajo de recopilación de información y testimonios sobre la vida de Ricardo lorio.
En ella es posible no sólo recorrer la carrera profesional de este personaje de interés nacional, sino también conocer sus juicios, opiniones y reflexiones acerca de los temas más diversos, y encontrarse a menudo con posturas suyas inesperadas y contestatarias.
El perro cristiano revisa y compila anécdotas personales y profesionales, opiniones volcadas en reportajes exclusivos, entrevistas, y fotos inéditas del músico y su entorno que permiten reconstruir y comprender como nunca antes la figura del polémico Ricardo lorio.

SUMO POR PETTINATO

2009-11-21T09:38:00.006-03:00

ROBERTO PETTINATO

1ra. Edición:
2009
Editorial:
Editorial Sudamericana
Prólogo:
Roberto Pettinato

Solapa
Primero lo primero: Roberto Pettinato estuvo allí, justo allí. Estuvo en Sumo. Antes ya era uno de los periodistas de rock más afilados de la Argentina, luego se convirtió (y hoy sigue siendo) una celebrity fuera de toda norma: un hombre de los medios sofisticado, masivo, ácido.
Supo brillar, en épocas opacas, desde las páginas de la revista Expreso imaginario; más tarde se embarcó en una larga carrera que hoy lo tiene en radio (El show de la noticia, líder en las mañanas de FM 100), televisión (Un mundo perfecto, por América) y gráfica (como director de la revista de rock La Mano).
Fue su escala en Sumo, sin embargo, la que lo marcó de un modo que las páginas de este libro certifican párrafo a párrafo.

Contratapa
Antes de ser una estrella de la tevé y de la radio, el conductor de Duro de domar y Un mundo perfecto no sólo fue un periodista de rock brillante, sino que cumplió el sueño recurrente de su gremio: formar parte de la banda más excitante posible.
Fue el saxofonista de Sumo, uno de los grupos insignia del rock argentino, uno de los pocos a los que la palabra mito no les queda grande.

Aquí Pettinato honra una vieja deuda: entrega la versión completa, el reajuste definitivo de La jungla del poder, la biografía de Sumo que supo editar artesanalmente a comienzos de los noventa.
Pasaron quince años pero la espera valió la pena: a la inquietante sutileza de aquel volumen, ahora agrega nuevas capas de recuerdos, vivencias que sólo él puede contar, análisis lúcidos e incluso algún momento de autocrítica.
No en vano su frase de cabecera, esa a la que siempre vuelve para intentar explicar la desquiciada escena porteña de los ochenta, es: “Por donde pasa Sumo no crece el pasto”.

Petti evoca sus días a bordo de la que fue la más salvaje máquina de rock que haya funcionado en estas pampas, un barco sin control con un capitán italo-inglés, Luca Prodan, y una tripulación de nativos dispuestos a llevar la música y la vida rockera hasta las últimas consecuencias.
Hoy, mientras el mito Luca crece y crece, y todos se adjudican alguna anécdota (en general falsa) relacionada con el calvo comandante, Roberto Pettinato rescata las mejores páginas de Sumo con la autoridad y la gracia del que estuvo ahí y vivió para contarlo.

NO DIGAS NADA

2009-11-21T09:37:00.006-03:00

SERGIO MARCHI

1ra. Edición:
1997
2da Edición (con agregados):

2007
Editorial (ambas ediciones):
Editorial Sudamericana
Prólogo (ambas ediciones):
Sergio Marchi

La primera parte de este libro fue escrita entre 1993 y 1997, fecha de su publicación.
Durante ese tiempo, Sergio Marchi siguió tenazmente a Charly García, la estrella más importante del rock argentino.
El papel de testigo acordado con el artista se vio alterado en muchas ocasiones pues el autor debió cumplir diversas funciones como confidente, plomo, baterista, manager circunstancial y otras menudencias.

De ese viaje surgió “No digas nada”, libro que narra toda la historia de Charly García, y que en esta nueva edición, a diez años de la original, suma todo lo acontecido desde su aparición hasta 2007.
Esta actualización que ahora presentamos contiene, además del libro original, una nueva introducción, textos adicionales y siete capítulos más en los que se pueden leer historias como la de la zambullida de nueve pisos en Mendoza, la presentación en Cosquín con Mercedes Sosa, su encuentro con Marilyn Manson, su pelea con Andrés Calamaro, la reunión de Sui Generis, la verdad de su relación con Carlos Menem y muchas otras.

Es una década entera en la vida de un músico excepcional no sólo por su talento, sino también por su lucidez y su poder de autodestrucción.

"Charly es un tipo admirable: una de las cosas que más le admiro es cómo supera sus crisis, y lo creativo que es para llevar su vida adelante. Por eso creo que es un artista de raza. Uno es un artista cuando es un artista en su vida.”
Javier Martínez

Sergio Marchi nació en Buenos Aires en enero de 1963.
Músico desde los once años, ejerció el periodismo a partir de 1983 en distintos medios como Tren de Carga, Cosmopolitan, Revista Rock & Pop y el diario Clarín.
Además se desempeñó como musicalizador, columnista, conductor y productor periodístico en las radios: del Plata, Rock & Pop, Continental, Rivadavia y La Red.
A lo largo de su carrera entrevistó a los músicos más famosos del rock: Kurt Cobain, Chuck Berry, Elton John, Bon Jovi, B. B. King, Suzanne Vega Joe Cocker, Jon Anderson, Mark Knopfler, Luis Alberto Spinetta, Albert Collins, Soda Stereo, Henry Rollins, Luca Prodan, Joe Ramone, lan Anderson, Federico Moura, Sting, Metallica, INXS, Fito Páez, Sheryl Crow, Red Hot Chili Peppers, Redonditos de Ricota y Andrés Calamaro, entre otros.
Escribió parte de la enciclopedia 30 años de rock nacional.
No digas nada es su primer libro.

ROCK DE ACA

2009-04-19T01:44:00.008-03:00

EZEQUIEL ABALOS

Los primeros años
1ra. Edición:
2009
Editorial:
Eabalos Edita

Me encantan los libros de Ezequiel Abalos por varias razones: investiga bien, reportea bien, entrevista a quien hay que entrevistar y le saca el jugo al entrevistado como pocos.
Pero además sus libros no los lees en 10 minutos.
Todo esto independientemente de su contenido.
Casi en exclusiva, podemos decir, que presento este libro ya que no hay ninguna referencia de él en Internet ni en las librerías, ya que solo puede adquirirse en kioscos de revistas, supongo que por ahora

En esta ocasión el libro tiene la particularidad de venir con un CD, con los audios de todas las entrevistas en formato mp3
Estas son las entrevistas:

01. JAZZ - P. ZAGURI Y MORIS
02. LOS DE FUEGO 1
03. LOS SHABADUBA - P. ZAGURI
04. LOS DE FUEGO 2
05. SANDY - BILLY BOND
06. EL CLUB DEL CLAN - P. ZAGURI
07. SANDRO Y LOS DE FUEGO 1
08. LOS BOBBY CATS - BILLY BOND
09. LOS WILD CATS
10. LOS SECUACES -JAVIER MARTINEZ Y P. ZAGURI
11. SANDRO Y LOS DE FUEGO 2
12. LOS GUANTES NEGROS - BILLY BOND
13. LOS GATOS SALVAJES
14. HIGHWAY 61 - CLAUDIO GABIS - GABIS
15. LA CUEVA DE PASAROTUS MELLINO Y BARAJ
16. JUAN SEBASTIAN BAR - MORIS
17. VILLA GESELL- PIPO LERNOUD
18. LA PENSION - PIPO LERNOUD
19. LOS BEATNIKS - MORIS Y P. ZAGURI
20. LA CUEVA 1 - N. SMILARI, B. BOND, J. MARTINEZ ..
21. LA CUEVA 2 - PIPO LERNOUD
22. LA CUEVA 3 - MORIS
23. CIRCUITO 66 - PIPO LERNOUD
24. LOS GATOS 1 - OSCAR MORO
25. LA CUEVA 4 - MORIS Y BILLY BOND
26. LA PERLA - PIPO LERNOUD
27. LOS GATOS 2 - O. MORO
28. ALMENDRA 1 - E. MOLINARI
29. LOS WIDOW MAKERS - POMO
30. PRIMAVERA DEL 67 - PIPO
31. BUBBLIN AWE - GABIS
32. EL GRUPO DE GASTON - J. MARTINEZ
33. LOS ABUELOS DE LA NADA - A. ABUELO Y C. GABIS
34. ALMENDRA 2 - E. DEL GUERCIO
35. MANAL 1 - J. MARTINEZ
36. MANAL 2 - C. GABIS
37. LOS ABUELOS DE LA NADA 2 - A. ABUELO
38. ESCUCHAME ENTRE EL RUIDO - MORIS
39. TANGUITO 1 - PIPO
40. TANGUITO 2 - ALBERTO ABUELO
41. MANAL 3 - CLAUDIO. GABIS
42. VOX DEI 1 - WILLY QUIROGA 1
43. EL INTITUTO DI TELLA - PIPO LERNOUD
44. ALMENDRA 3 - E. DEL GUERCIO 2
45. LOS GATOS 3 - OSCAR MORO
46. LA BARRA DE CHOCOLATE - P. ZAGURI
47. LA CUEVA DE RIVADAVIA - B. BOND Y H. STARC
48. ARCO IRIS 1 - G. SANTAOLALLA
49. MORIS 69 - MORIS
50. MANAL 4 - C. GABIS
51. PEDRO Y PABLO 1 - MIGUEL CANTILO
52. VOX DEI 2 - W. QUIROGA
53 LA COFRADIA DE LA FLOR SOLAR - QUIQUE GORNATTI
54 MANAL 5 - ALEJANDRO MEDINA
55. ALMA Y VIDA 1 - MELLINO Y BARAJ
56. LA MANZANA - HECTOR STARC
57. LA PESADA DEL ROCK AND ROLL 1 - B.BOND
58. PAPPO S BLUES 1 - BLACK AMAYA
59.ALMENDRA 4 - RODOLFO GARCIA
60. LOS GATOS 4 - OSCAR MORO
61. MANAL 6 - C. GABIS

“Vos imaginate, año 58, sigo hablando de Valentín Alsina, calles empedradas, gente que va a la fábrica a la mañana, esos despachos de bebidas.., y cuatro locos, uno vestido totalmente de cuero y en ojotas, como iba Roberto, y llegar a tocar... porque no teníamos camioneta ni nada que nos trasladara, íbamos a tal baile en colectivo y así...” (Lito Vázquez . Sandro y Los de Fuego)

“Yo creo que, en realidad, aparte, todos nosotros queríamos... queríamos vivir, vivir la vida y hacer nuestra experiencia, no teníamos ninguna idea respecto a grabar un disco, tener éxito, estar en el mercado, el rnarketing, la promoción, hacer una entrevista, no había entrevistas, no había nada, eso era como un gran desierto donde no había nada en este aspecto.” (Moris)

“Javier conocía la obra de los bluseros pero no cantaba blues, cantaba sus temas hablando de lo que pasaba y así pasó con todos nosotros, yo creo que lo descubrimos todos al mismo tiempo, que toda esta mezcla podía dar una cosa, no hicimos una estética: .El rock nacional tiene que ser así., no hablamos de rock nacional, hablábamos de nuestras canciones.” (Pipo Lernoud)

“Alvarez era réquete peronista, nosotros hablábamos de Perón en la letra, el disco “Mandale peras a Mandioca” (sic) ¿que es? es un perón en la tapa, una pera grandota, ¿qué es una pera grandota? Perón, era un mensaje eso, todo tenía un contenido político, todo tuvo un contenido político al tiempo todo, en ningún momento hicimos nada sin saber lo que hacíamos.” (Bill’ Bond)

Cuando todo era nada, era nada el principio, sin embargo, la historia del rock de acá no nace de la nada sino que tuvo muchas influencias a lo largo de los primeros años y, si bien existe gracias al rock & roll, no hay rock nacional sin el folklore, el tango, la bossa.nova, el jazz o el blues, entre otros estilos.

Esta historia empieza antes de “la balsa”, parte de la inspiración de una nueva generación de jóvenes nacidos en la década del 40 que estaban interconectados con los movimientos culturales y políticos de todo el mundo y que cambiaron la forma de pensar y de vivir de los argentinos

Entre los años 1992 y 2008, Ezequiel Abalos entrevisto a los protagonistas de los comienzos para desentrañar los verdadero orígenes del rock en la argentina.

En venta en kioscos de revistas – precio $50.

AGARRATE!!!

2009-02-15T18:31:00.009-02:00

JUAN CARLOS KREIMER Y OTROS

Testimonios de la música joven en Argentina
1ra.Edición:
1970
Editorial:
Galerna

Acaba de salir un diccionario del rock argentino, un libro más. El año pasado hubo varios; uno de ellos, tan polémico como se podía prever, con la biografía del Indio Solari. Y ya son muchos los libros sobre el rock argentino.
Muchos creen que el primero es Cómo vino la mano de Miguel Grinberg, aparecido en la segunda mitad de los 70, un librazo recomendable no solo por su carácter de iniciático. Pero ése no fue el pionero sino Agarrate!!!, un libro publicado por Editorial Galerna a fines de 1970 que hoy, por tan inconseguible en las librerías, es un objeto de colección que solo algunos pocos pueden lucir en sus bibliotecas.

Agarrate!!! se despliega en poco más de un centenar de páginas de tamaño pequeño (19 x 11 cms.) como un interesante collage -la figura homenajea aquella expresión artística pop en boga en los 60- de textos sobre la historia que había acontecido desde el big bang hasta el momento de la publicación del libro, es decir del 65 ó 66 al 70.
Allí se relata la aparición del rock local y quedan pintados, en breves retratos, los artistas y los grupos de esa instancia. Todo ilustrado con fotos, no muchas pero todas o casi todas muy interesantes, que si no lucen todo lo bien que podrían es porque la calidad de la impresión de la época no era óptima.

El libro no es de autor, justamente por el carácter compilatorio de materiales, pero está claro que tuvo un responsable, y en la última página figura su nombre: el del editor, escritor y periodista Juan Carlos Kreimer.
Daniel Ripoll, responsable de la recién nacida revista Pelo y de su antecesora Pinap, fue uno de los colaboradores de Kreimer para hacer Agarrate!!!, junto al fotógrafo Oscar Bony, quien editó las imágenes, y otros allegados al rock de ese momento como Miguel Grinberg, Mabel Lernoud -la hermana de Pipo y manager de los primeros Abuelos de la Nada-, Tabita Peralta y Rolando Roly Hernández, muchos años después director artístico de EMI Odeón Argentina.

Y que viva la justicia: fue Agarrate!!! El que hizo punta, después vino todo.
Víctor Pintos

Para que me voy a poner a escribir una crónica sobre este incunable, si mi querido amigo Víctor Pintos lo hizo magistralmente en su pagina Rock.com.ar?
Es mas…la nota sigue, con algunas fotos, algunos capítulos escaneados, etc.
En fin…date una vuelta por ahí que no te vas a arrepentir.

MINAS DEL ROCK

2009-02-15T17:29:00.004-02:00

KARIM GONZALEZ

1ra.Edición:
1997
Editorial:
Atuel

Un muy buen libro con reportajes a las principales figuras femeninas del Rock Argentino.
Con muy buena información sobre las famosas y no tan famosas, podemos leer reportajes, entre otras, a Gabriela Parodi, Carola Kemper, Patricia Sosa, Fabiana Cantilo, Silvina Garré, María José Cantilo, María Gabriela Epumer, Claudia Puyó, Carmelas (Bárbara Baiz, Viviana Rama,Clea Torales, Patricial Olivera, Lorena Mayol), Cecilia Baraz y Celza Mel Gowland

"Mis recuerdos de esta historia son nítidos. Corría 1971, restos de los años '60 quedaban prendidos en el aire, casi como si el cambio de década no hubiera sucedido. Como en todo comienzo había miedo, desafío, exaltación. Ocupé mi lugar como primera mujer en el rock nacional naturalmente, sin intelectualizar o cuestionarme nada, simplemente como una etapa más que me tocaba vivir. Creo que este libro merece ser escrito, que cada una de las mujeres mencionadas en estas páginas trabajaron duro para hacerse un lugar. Y que si bien las reglas del juego cambiaron y la sociedad ya no es la de antes seguimos viviendo en un mundo donde los hombres tienen más aceptación y oportunidades."
Gabriela

CRONICA DE UN SUEÑO

2009-02-15T12:43:00.003-02:00

OSCAR FINKELSTEIN

1ra.Edición:
2000
Editorial:
Editora AC

Uno de los libros mas queridos de mi colección, uno de los que mas placer me dio leer.
De esos que pedís que no se termine nunca y que cada tanto releo.
León cuenta toda su vida de una manera simple, directa y tanto lo bueno como lo malo.
Un sinfín de anécdotas, de recuerdos, uno por uno sus discos y sus historia….en fin…un librazo que cuenta la vida de un gran artista y de un mas grande tipo.

Quien es León Gieco??

Te lo cuenta Mercedes Sosa en el prólogo del libro.

“En el año 83, cuando cante en Ferro y me dijeron "tenes que presentar a Charly y a León, me surgió decir que Charly era el número uno pero que el más amado era León.

En realidad, yo conocía muy poco de ellos dos.
La vida, por otro lado, me ha ido llevando a saber que hay muchos número uno pero pocos artistas verdaderamente queridos por el público. Además, los número uno pueden caer.
No es el caso de León, que está muy conectado con la gente del pueblo, con sus dolores, con sus angustias, quizás por haber tenido siestas pueblerinas en su infancia…
Como dije muchas veces, si no hubiera un León Gieco habría que crearlo, porque es un artista necesario.

No hay con quien se lo pueda comparar. No hay nadie que tenga la dimensión de León Gieco.
Todas las personas tenemos cosas buenas y cosas malas. León ha visto mis lados malos pero yo nunca pude encontrarlos en el.
La humildad, la colaboración, la solidaridad, no son valores muy frecuentes. León los tiene todos.
Es de esas personas que miran de frente, que no esconden sus sentimientos. Además, lo adoro como artista, me encanta su voz, me gusta su actitud y su entrega en el escenario. Y cuando se ríe de mí porque me encuentra actitudes de diva, cosas antiguas que uno va tratando de dejar de lado, siento que estoy aprendiendo. Estoy muy contenta de tenerlo como amigo, y de tenerla a Alicita como amiga; son un dúo poderoso, una pareja en serio.

El hecho que León sea una buena persona es para mí una alegría y hasta una sorpresa.
Pero lo admiro profundamente como artista.
Desde que fuimos por primera vez a Alemania y todo un teatro de pie con sus encendedores prendidos coreaba "Solo le pido a Dios", me di cuenta que era un artista único y universal. Los jóvenes que estaban allí esa noche comprendieron que lo que León canta son versos verdaderamente universales. Por eso lo entendieron, lo apoyaron y lo hicieron suyo desde ese momento.
Y yo no tengo proteccionismo con León Gieco. Al contrario, siento que el me protege.
León es para mí como un hermano muy joven, rubio y de ojos verdes.
Nunca pensé en tener amigos artistas porque en muchos casos admiro su obra pero no a ellos como personas.
Por otro lado, no podría ser amiga de un artista mediocre.
Con León no hay ningún tipo de problema. Es un gran artista y un gran amigo, de esos que no se guardan nada ni en las malas ni en las buenas.
Además, León es un cable a tierra porque puede ver las cosas con mayor panorama y con mayor sencillez.

Una vez estábamos en San Pablo cenando en un restaurante muy lujoso con directivos de la Polygram y yo, sin pensarlo, dije que el vino era una porquería.
León me dijo que yo era increíble, que me trataban como a una diosa, me atendían, me llevaban a los mejores lugares, me daban todos los gustos, y yo tenia la caradurez de quejarme por el vino.
Sin decírmelo, me estaba diciendo "pará loca, no te hagas la estrella".
Fue un aviso, un gesto que me hizo muy bien. Es necesario tener amigos así, porque León, a diferencia de otras personas que me aman tanto que no ven mis cosas malas, me dice todo lo que me tiene que decir sin dejar de amarme.

Nazim Hikmet decía, que había bebido los mejores vinos y comido las mejores comidas pero que lo que le recordaba los mejores momentos de su vida eran las canciones.
Por eso cuando escuche "Mensajes del alma" me alegre tanto; comprobé una vez más la inmortalidad de la canción y un nuevo reverdecer de León.
Me pareció muy importante que les escribiera canciones a sus hijas y que siguiera hablando de los temas que nadie menciona, sin olvidarse de la poesía.
Esa combinación de testimonio y poesía hacen de León un artista diferente, único e irrepetible”

Mercedes Sosa

TRANSGRESORES

2009-02-15T11:48:00.003-02:00

MIGUEL ANGEL DENTE

1ra.Edición:
2000
Editorial:
Editorial Distal

La vida y la obra de tres de los más importantes músicos locales, Luis Alberto Spinetta, Charly García y Fito Páez, se plasman en libros que están a la altura de los homenajeados.
La literatura crítica del rock argentino no es abundante.
El acento estuvo generalmente puesto en la glorificación de los ídolos, libros de edición barata orientados principalmente al público adolescente, generalmente mal escritos, y a menudo aprovechando el momento de mayor éxito de algún músico o banda.
La obsecuencia, o directamente la falta de cualquier espíritu analítico, fueron la tónica, salvo contadísimas excepciones.
Algunos libros más felices estuvieron orientados a contar las biografías de los artistas, con el hecho artístico casi como un aspecto secundario.

La edición de “Transgresores” es por eso muy bienvenida.
Miguel Angel Dente realiza aquí un muy exhaustivo análisis de la obra de los tres más grandes compositores del rock argentino: Luis Alberto Spinetta, Charly García y Fito Páez.
La originalidad de la propuesta tiene también su correlato en la forma en que está estructurado el libro.
Dente eligió construirlo a partir de los puntos en común que tienen los tres artistas, destacando por sobre todo su carácter de tales.
Luego de una breve reseña biográfica de cada uno de ellos, el autor se adentra de lleno en la obra de los protagonistas.

Los fragmentos de las letras de canciones no están insertos en el texto, sino que figuran en los márgenes, generalmente para ilustrar el tema que da origen al capítulo correspondiente.
Una buena idea que también tiene sus inconvenientes, como el hecho de que ninguna canción figure completa.

Así, el capítulo denominado “Sonidos” habla de las influencias, gustos y tendencias musicales desarrolladas por cada uno de ellos.
“Imágenes” acerca una mirada al arte de las tapas de los discos y los videoclips, además de las participaciones de Spinetta, García y Páez en películas.
La interrelación de sus obras con las vidas privadas y la realidad que los rodea se ve reflejada en el cuerpo central del libro, los capítulos “Corazones”, “Estímulos”, “Entorno”, “Realidad” y “Creencias”, mientras que “Nexos” se ocupa de la forma en que las respectivas carreras de los tres se entrecruzaron con el correr del tiempo.

Los dos apartados denominados “Apéndices” merecen una consideración mayor.
El primero, llamado “Compactos”, es una reseña pormenorizada de cada una de las grabaciones de los tres músicos, que suman en total la sorprendente suma de 81 discos.

Aquí figuran todos los álbumes de Almendra, Pescado Rabioso, Sui Generis, Invisible, La Máquina de Hacer Pájaros, Spinetta Jade y Serú Girán, más los discos solistas y en colaboración del terceto.
El segundo es un detalle de todas las intervenciones de Spinetta, García y Páez en trabajos de otros artistas, desde covers y producciones hasta participaciones especiales.

La edición es prolija, aunque evidentemente económica.
El color está reservado a la tapa, y el texto se sigue con comodidad.
En suma, un libro escrito con la seriedad que requieren los músicos analizados, y porqué no, homenajeados.

Seguramente, tanto los lectores como los mismos artistas prefieren este tipo de acercamiento que esos panfletos mal encuadernados, más cercanos a las revistas de chismes y a las revistas de adolescentes, que llenan las estanterías de Tower Records.

(extraido de www.jardindegente.com.ar)

ALMENDRA

2009-01-18T22:25:00.003-02:00

VARIOS

1ra.Edición:
1971
Editorial:
Editorial IM

Este es un libro, de la mítica banda Almendra del año 1971 que reúne dibujos y textos de Caloi, Broccoli, Emilio Del Guercio, Rodolfo García, Edelmiro Molinari, Carlos Marcucci, Ángel Del Guercio, Norma Bessouet, José Luís Perotta, Juan Carlos Castagnola y del mismo Luís Alberto Spinetta, increíbles imágenes casi sin precedentes que desafían cualquier encasillamiento, por eso solo se lo llama "Libro".

Esto dice Spinetta del Libro:
"Ese libro fue una idea inicial de Marcucci, pero que básicamente a medida que se fue construyendo se fue auto deformando por la intervención de tipos como él. Como cómico lo admiraba, pero como poeta no le daba cinco de pelota."

Totalmente descatalogado.
Lo podes bajar de AQUÍ

AHORA MISMO

2009-01-18T21:34:00.005-02:00

MORIS

1ra.Edición:
1973
Editorial:
Editores de Hoy

De un caos de papeles y poemas, surge este libro; la realidad de un sueño; muchas de las canciones que he compuesto durante los últimos cinco años.
El libro incluye temas que he interpretado en los recitales, poemas que nunca fueron dichos y material que estoy por editar en mi nuevo long play.
Una canción es algo vivo y que alcanza su máxima realización en el hecho de interpretarla. Agarrar una canción, escribir sólo la letra: sin la voz y sin la música – es mostrar sólo una parte de algo e implica el riesgo de ser juzgado a medias.
Afortunadamente he podido darles a los temas, el máximo ritmo y fuerza que permiten las palabras, las líneas y las formas.
Hojeando los originales, veo aparecer, entrecruzadas por el tiempo, las cosas y lugares que he vivido y sentido: bares, rutas, mendigos, guitarras, amigos, anocheceres, Jardines Zoológicos, recuerdos, dinero, vagabundeos, amores y alegrías.
Y ahora le toca el turno al libro de cantar sus canciones.

MORIS

Totalmente "recontraseuperdescatalogado."
Tenes ganas de tenerlo????
Lo podes bajar de AQUÍ

Gracias Rebelde…como siempre, pagina que nunca se puede dejar de consultar

AYER NOMAS

2009-01-11T22:56:00.004-02:00

JUAN CARLOS KREIMER – CARLOS POLIMENI

GUILLERMO PINTOS – GUSTAVO ALVAREZ NUÑEZ

40 años de rock en La Argentina

1ra Edicion:
2006
Editorial:
Ediciones Musimundo

Si bien no existe una bibliografía copiosa, hay varias ediciones fundamentales que reflejan la historia del rock local y a sus artistas. Algunas de ellas son "Cómo vino la mano", de Miguel Grinberg, fundacional de la literatura rockera; "Agarrate!", de Juan Carlos Kreimer, e "Historias del palo", de Gloria Guerrero. También hay quienes se especializaron en los músicos, como "Spinetta: Crónica e Iluminaciones", de Eduardo Berti, o la biografía de Miguel Abuelo por Juanjo Carmona. Libros que se internan con seriedad en la música y los músicos de las últimas décadas.

Pero hacía falta una historia con concepto enciclopédico. Si bien Marcelo Fernández Bitar realizó un profundo trabajo de la historia del rock ordenado año por año y con discografías completas que ya lleva varias ediciones, y hace una década apareció una suerte de diccionario con todos los nombres del rock, su historia y su discografía cuando se celebraron sus primeros treinta años de vida, era necesario darle un carácter enciclopédico que lo actualizara y reflejara no sólo los nombres sino el entorno social en el que sucedieron las distintas etapas del rock.

Y apareció, por fin. "Ayer nomás (40 años de rock en la Argentina)", editado por Musimundo, brinda un panorama generoso en extensión y calidad de edición. Y se trata de un libro necesario, porque más allá de esa suerte de ayudamemoria que resultan las enciclopedias, es de gran utilidad para las nuevas generaciones que intentan descubrir esta historia.

"Ayer nomás" está dividido en cuatro partes, que reflejan a su vez etapas bien diferenciadas tanto en la estética como en el orden (y desorden) social que se vivía en cada momento. La primera parte, a cargo de Juan Carlos Kreimer, empieza en los primeros pasos del rock (la edición de "Rebelde", por los Beatniks), termina en el "Adiós Sui Generis", en 1975. La segunda, por Carlos Polimeni, va de 1976 (el comienzo de la última dictadura) hasta 1985, y refleja el duro camino que cruzó hasta la llegada de la democracia y culmina en el rock como una música popular que ya hace sentir su presencia.

La tercera parte, a cargo de Guillermo Pintos, retrata la expansión del rock tanto en el tamaño del negocio como en la variedad de estilos que se asentaron en su seno, en la década que va desde 1986 hasta 1995. El capítulo final llega hasta 2005, y Gustavo Alvarez Núñez analiza las nuevas estéticas que se enrolaron en las filas del rock, donde abundan los solistas, con el apogeo de las bandas "del barrio" y, claro, la tragedia de Cromagnon.

Lo que queda en claro después de recorrer las 350 páginas es que el rock siempre refleja el comportamiento social de su tiempo. A veces se ve con mayor claridad; otras, hay que hurgar un poco más, pero a través de sus formas de expresión, sus estéticas, sus cambios más o menos bruscos, sus posturas más o menos desafiantes, reflejan el devenir de los últimos 40 años de historia.

Para bien y, tal vez, para desenmascarar nuestras fallas.

MARTROPIA

2009-01-11T22:38:00.003-02:00

JUAN CARLOS DIEZ

Conversaciones con Spinetta

1ra Edicion:
2006
Editorial:
Aguilar

"Martropía, conversaciones con Spinetta" es el nombre del libro en el que el periodista Juan Carlos Diez condensa cinco años de encuentros personales, ensayos y grabaciones compartidas con Luis Alberto Spinetta, que le sirvieron al autor para sumergirse en el sensible universo del artista y mostrar su costado más íntimo.

Entre otras curiosidades que cuenta el libro, figura que el tema "Penumbra", registrado en 1993 en "Fuego gris", es anterior al clásico "Muchacha ojos de papel" compuesto en la adolescencia. Y anécdotas como aquella en que invitado a tocar por Astor Piazzolla, Spinetta se sintió opacado por la inseguridad y decidió no aceptar.

"Martropía" bucea también en los pensamientos y sentimientos de uno de los íconos de la música argentina. Cosas que ni sus fanáticos conocen: ¿alguien sabía que "Golondrinas de Plaza de Mayo" es un tema que no toca hace años por el tipo de afinación de la guitarra (abierta y difícil de reproducir)?, ¿o que "Será que la canción llegó hasta el sol" lo compuso de un tirón porque quería una canción de cuna para sus hijos y los del fotógrafo Eduardo "Dylan" Martí?, ¿y que aún no sabe que significa "La herida de París"?.

Diez conoció al "Flaco" hace 15 años a través de un amigo íntimo que tienen en común y después de una década decidió embarcarse en este proyecto. "Quería saber quién era aquel que construía ese andamiaje flotante de letras, poesía y música, y luego poder transmitirlo y plasmarlo en un libro", evocó el periodista en una entrevista con la agencia Télam.
Indudable seguidor de Spinetta, Diez recordó que la primera vez que se acercó al artista lo hizo con intenciones de hacerle "algún tipo de entrevista, pero eso fue sólo un punto de partida. Pasó el tiempo y en mayo del 2001 lo llamé con toda la pretensión de hacer el libro".
Y si hay algo que no se disimula en "Martropía" es el compromiso que tuvo Spinetta con este libro, donde habla entre muchas otras cosas de la relación de sus hijos con su música, de su admiración por Los Beatles, Manal y Piazzolla, de su visión sobre el tango, de cómo fue cambiando en el tiempo su proceso de composición, del contenido de muchas de sus letras, de su misión como artista y del amor que le dieron sus padres.
"Me acuerdo que fui a tomar unos mates con él y que en ese momento estaba trabajando en la mezcla de 'Silver Sorgo' -continuó-. Lo fui a ver con una idea muy precisa aunque pensaba que me iba a decir que no, pero se entusiasmó inmediatamente y ahí mismo empezamos a armar el libro".

En cuánto a cómo fue estructurando "Martropía" -definida como el estado de ensueño producido por la visión de puentes amarillo y el vértigo que sobreviene al cruzarlos-, cuya sugerente tapa fue ilustrada por el mismo Spinetta, Diez contó que primero determinó cuáles eran las temáticas que iba a abordar y después empezó a elaborarlas.
"Ibamos y volvíamos, fueron muchos encuentros en años, no agotábamos el tema en una reunión. Fuimos rescatando cosas, desechando otras. El se involucraba y cuando una idea no había quedado muy clara la retomábamos hasta quedar conformes. Hay un fuerte trabajo de edición", resaltó.
"Mi intención era mostrar el sentido de oportunidad del artista, de casualidad y causalidad, era tratar de meterme atrás del andamiaje y hacerlo de una manera comprensible", sintetizó el periodista que a lo largo de su carrera se desempeñó como colaborador en las revistas La Maga, Cosmopolitan y Noticias y que actualmente es redactor de Clarín Zonal.

En todo momento, Diez destacó la importancia de la libertad con la que fueron encaradas esas charlas, algo que permitió la apertura de puertas impensadas y que se materializaron, por ejemplo, en el curioso capítulo dedicado a los animales, en el que Spinetta llegó a decir: "el tucán es manifestación de Dios" o "la música se parece más al animal que al hombre".
"Cuando desgrababa en mi casa, a veces me daba cuenta que tenía mucho material sobre determinado tema y la fauna -muy presente en su lírica (desde los elefantes hasta las boas)- fue un disparador para hablar de otro montón de cosas como el perdón, la culpa y la condición humana".
Infinitas grabaciones en casetes y apuntes que le sirvieron al autor como "hojas de ruta" constituyeron la materia prima de un trabajo que Juan Carlos Diez fue estructurando, con la paciencia con la que un músico aborda la grabación de un disco.
"En algún punto abordé al libro musicalmente, como si fuese un disco. Yo ya tenía 'los 10 temas del álbum', pero para redondearlo laburaba más un arreglo en uno o pensaba agregarle otras voces en otro, porque la canción y la letra ya estaban listas", comparó.

El periodista, que también se dedica a la música, va guiando al lector para acercarlo a la intimidad del hombre que a los 15 años compuso la memorable zamba "Barro tal vez" en un itinerario de 35 años, signado por la magia y el talento pero también por "mucho trabajo".
"El talento es el hombre en libertad, nace en cualquier persona que se sienta capaz de volar con sus ideas", es una de las definiciones que Spinetta desgrana en el texto.

Para redondear este concepto abarcativo, porque "mi idea no era hacer un libro sólo para sus fans", acotó Diez, "Martropía" contiene la discografía completa del artista -en total cuarenta placas- y las letras de muchas de las canciones mencionadas en el libro.

Se consigue en todas las librerias

NO PUEDO VIVIR SIN TI, MI TIERRA - CANCIONERO

2009-01-11T19:52:00.003-02:00

LITTO NEBBIA

1ra Edición:
1987
Editorial:
Torres Agüero Editor

Existe una colección de mini libros o libros en formato mini-bolsillo que se llama Cancionero.
Digo que existe, porque el otro día, recorriendo librerías, encontré uno similar de León Gieco, aunque recuerdo que este lo compre en una librerìa de usados en Colegiales.
Esta colección tiene un tomo dedicado a un artista popular en particular.

Si bien el libro es pequeño, la información que trae es frondosa.
En este caso en particular trae todos los temas de Litto hasta el año en que se edito el libro, su biografía, toda su discografía y una sección muy linda donde el autor cuenta algún detalle de cómo o en que circunstancias escribió determinado tema.

Como está totalmente descatalogado, aquí le doy una muestra de lo que se puede leer

EL OTRO CAMBIO: LOS QUE SE FUERON
Se me ocurrió en el 73 en casa de mi vieja tratando de evocar esos barrios antiguos de mi ciudad. Luego me di cuenta que esto sucede. en cualquier ciudad y aún en barrios modernos.
El tipo de narración se debe a mi influencia por la lectura de libros de Roberto Art (Los siete locos, Aguafuertes porteñas, etc.). Originalmente se titulaba Tiempo de Art, pero me bocharon el título en SADAIC porque tenía que llevar una autorización del autor para usar su apellido (?).

SI NO SON MAS DE LAS TRES (EL BOHEMIO)
Fue escrita en el 72 cuando comencé a trabajar junto al percusionista Domingo Cura.
Escribí en esa época varias canciones con aire de zamba o chacarera.
Su letra es autobiográfica, así es cómo vivía en ese tiempo

VALS DE MI HOGAR
Es del mismo corte que la anterior describiendo algunos aspectos de mi casa, mi familia y sentimientos profundos que a veces me costaba mucho declarárselos a alguien y me era más fácil hacer una canción

EL REY LLORO
Esta es una canción escrita con toda la inocencia de narración que se le puede ocurrir a los 17 años a alguien que quiere hablar de los valores de la vida. Fue grabada como todos los primeros temas en solo dos canales; es decir que tocábamos con el grupo todos juntos de un tirón y quedaba registrada en un canal y luego yo cantaba en el otro; si quedaba un espacio libre en donde yo no cantaba, allí poníamos algunos efectos de percusión O un instrumento haciendo un solo.

MADRE, ESCUCHAME
Este es un tema que quiero mucho y creo aún tiene vigencia. En esa época se me ocurrió escribirle a mi madre una canción en donde le dijera la verdad de cuanto la quería pero también cuál era mi idea sobre la vida que iba a llevar al dedicarme a esta profesión. Las metáforas que utilizo son simples pero sanas, aún lo puedo seguir escuchando y hoy en día le diría lo mismo a ella.

EL VAGABUNDO
Esta canción es una muestra de cómo se con- creta una proyección adolescente. Fue escrita también alrededor del 66 y hace muy poco tiempo me di cuenta que las notas y palabras con que comienza son las mismas con que empieza “Sólo se trata de vivir”, escrita en el 79 en México. Si tengo que hacer una reflexión sobre esto pienso que en el Vagabundo hablo de una idealización de lo que quería ser, y en Sólo se trata de vivir ya es esa persona más madura la que está hablando.

SÓLO SE TRATA DE VIVIR
Escribí este tema andando de gira en el 79 por el Bajío de México. Lo grabé al año siguiente en New York. Es un tema de esos que se pueden escribir cuando uno viaja mucho, lógicamente, no de vacaciones.
Cuando regresé al país el año pasado me enteré que lo conoce mucha gente y aún mi disco que lo incluye no había aparecido. Esto era gracias a León Gieco que durante un año lo cantó por todo el país incluyéndolo al repertorio de sus propias canciones.

CANCIÓN DEL HORIZONTE
Se acostumbra a preguntar a alguien cómo ve su vida y puede contestarte que la ve como un triángulo, o bien de color celeste y cosas por el estilo.
Yo la veo como un horizonte muy llano en donde van ubicadas cada una de las etapas como si fuera una fila india.

GENTE QUE NO SABE LO QUE QUIERE
Escrita en el 80 en New York, no me costó mucho ya que está lleno de este tipo personas.

PARA JOHN
Escrita en México a las pocas horas de ocurrida su muerte.
Lennon fue a mis 13 años la imagen del héroe que a través del arte expresaba todo su sentimiento al mundo, como así también su inconformidad frente a la violencia.
El sentido de la letra creo que vale como homenaje para cualquier persona que hemos querido en nuestra adolescencia.

NO IMPORTA LA RAZÓN
Cuando tenía 8 o 9 años en Rosario cantaba junto a mis padres muchos boleros mexicanos que estaban de moda. Luego este género se tomó clásico; y hace un par de años viviendo en México conocí a muchos artistas que por supuesto allí lo cultivan. Decidí escribir una canción en homenaje al bolero y dedicada a quien para mí es el mejor cantante actual en México, Marco Antonio Muñiz.

SABOR DE AMIGO
Su ritmo está influenciado por la música “salsa” y el texto es una ironía sobre las posibilidades de la comunicación hoy en día.

MAS QUE LOCA
Es una canción acerca de que los hombres y mujeres deben ser amigos. Su personaje central es femenino y eso hace que mucha gente la entienda como una canción feminista.

RECUERDOS EN UN TAXI
Es una especie de balance sobre una experiencia sentimental. Escribí música y letra en un viaje en taxi que duró 10 minutos.

ROCK Y DICTADURA

2009-01-11T18:51:00.006-02:00

SERGIO PUJOL

Crónica de una generación (1976 – 1983)

1ra Edición:
2005
Editorial:
Emece Editores

A pesar de la fuerte represión que la última dictadura militar desató contra los jóvenes, el rock argentino logró afirmarse en esos años como práctica social y expresión artística.
Mediante la liturgia de los recitales y las complicidades de algunas canciones, una cultura joven consolidada entre los años 60 y 70 fue capaz de sostener ciertas formas de disenso, en medio de exilios, temor y desapariciones.

En este libro Pujol contrapone dos formas de ver el mundo: la del proyecto de disciplina social implementado por la dictadura y la del mundo musical y poético de Charly García, León Gieco y Luís Alberto Spinetta, entre otros referentes. Explora aspectos poco conocidos de la etapa más oscura de la Argentina en el siglo XX.

Todo relato nace cuando quien va a narrar sabe desde qué punto de vista va a articular su narración.
Sergio Pujol, reconocido historiador cultural y musicólogo, eligió el punto de vista de quien se acerca y se aleja de los hechos, según una lógica morosa que no teme apelar a un registro próximo y distante, a un tiempo.

El libro Rock y Dictadura tiene la proximidad de quien ha estado tarareando y alentando desde las tribunas y más tarde desde la tranquilidad meditativa de su hogar, a los grupos cuyos discos y recitales son historiados.
Por otro lado, el texto tiene la distancia que dan ya treinta largos años y ríos de tinta sobre un período que se ha saturado hasta el tic de una retórica ligada a dos sememas: memoria y olvido. Pujol recuerda.
Y esa operación de reconstrucción de un vacío, se completa con un relato vivido y vertiginoso, de ciertas figuras que hoy escuchamos como clásicos contemporáneos pero que por entonces estaban insinuándose como nuevos talentos, consolidando una poética y un auditorio para sus canciones.

No hubo actos heroicos, como sí en cambio los hubo en el campo del periodismo y de las letras, pero hubo una voluntad rebelde por fundar una cultura alternativa contra un estado que no sólo prohibía decir sino que, como diría Roland Barthes, obligaba a decir.
Esos espacios simbólicos establecieron un conjunto de prácticas sociosemióticas que facilitaron sobre todo a los jóvenes encontrar espejos donde reflejar su rabia y sus ansias de cambio.

Conseguible en librerias.

PEQUEÑAS ANECDOTAS DEL ROCK DE ACA

2009-01-11T18:16:00.006-02:00

EZEQUIEL ABALOS

...Los primeros 10 años

1ra. Edición:
2004
Editorial:
Eabalos Edita

La propuesta de este nuevo trabajo de Ezequiel Ábalos, Pequeñas anécdotas del rock de acá - que además es uno de los responsables del desarrollo de la radio alternativa FM La Tribu -, fue ir directamente a las fuentes para contar cómo fueron los primeros pasos del movimiento de rock en la Argentina.
Conversó con muchos de los protagonistas de aquellos años (entre 1966 y 1976), y cada uno da testimonio de los encuentros iniciales, las zapadas, las primeras grabaciones, las experiencias colectivas de los comienzos.

El título es fiel reflejo de su contenido. Se trata, justamente, de pequeños relatos de esos músicos que armaron la historia, contados en primera persona, como cuando se gestó Pescado Rabioso, en las palabras de Black Amaya, que un día le dijo a Pappo que se iba de su grupo: "Salgo de la casa de Pappo, tomo un taxi... cuando voy por la calle Arribeños lo veo al Flaco (Spinetta) en la puerta de la casa como pensando, medio colgado, saco la cabeza por la ventanilla y lo saludo. Cuando me ve pega un salto, paro y me pregunta si no toco más con Pappo, le digo que no y me invita a pasar a la casa. Agarra la criolla y me muestra algunos temas, el «Blues de Cris», «El jardinero». Me acuerdo que no teníamos un peso, hicimos una vaquita y compramos una sidra para festejar el encuentro".

Son muchos los que dan testimonio, entre ellos Moris, Billy Bond, Javier Martínez, Oscar Moro, Claudio Gabis, Emilio del Guercio, Pajarito Zaguri, Alejandro Medina, Gustavo Santaolalla, Héctor Starc, Machi y Jorge Pinchevsky.
Los Beatniks, Los Gatos, Moris, Manal, Almendra, Vox Dei, Los Abuelos de la Nada, Tanguito, Arco Iris, Pedro y Pablo, Color Humano, Pescado Rabioso, Invisible, Sui Generis... todos los nombres que trascendieron en los primeros años del movimiento rockero desfilan con breves y concisos relatos sobre ciertas situaciones, ciertos hechos, que ayudan a armar gestos de época.

También, una sección de fotos tomadas por el fotógrafo Ricardo Rodríguez

Además, cada testimonio se abre con una breve noticia para ubicarnos en tiempo y espacio, y cierra con la letra de algún tema de la banda correspondiente. Un libro de interés general para seguir descubriendo cómo vino la mano.

Un resumen del testimonio de Javier Martínez (Manal)

"Nací en el barrio de Cohglan en la calle Nahuel Huapí, que ahora se llama Manuel Ugarte, el 18 de Marzo de 1946.
Mi viejo era un melómano y aparte un artista amateur que se dedicaba al teatro.
Me puso de nombre Javier porque cuando nací estaba haciendo una obra que era un alegato antibélico donde el protagonista se llamaba Javier.
Mi viejo me creó el hábito a la lectura y del cuidado del cuerpo. Por un lado la gimnasia, la natación, y por el otro la gimnasia intelectual. Por otro lado mi viejo era uruguayo y había tenido contactos con el candombe, tocaba tamboriles así para divertirse... Me acuerdo que a los 5, 6 años ya me hacían hacer la base con el tambor más grande.

Después terminé la primaria y entré en la secundaria, empecé en el industrial, hice el ciclo básico, lo largué, empecé el comercial, hice el ciclo básico y lo largué. Soy un drop-out, no terminé nunca la secundaria. Por eso me daba mucha risa el argumento de Tango Feroz que pretendía ponerme a mí caminando por una facultad haciendo activismo político. ¡Ridículo!. Aparte yo no soy ni de izquierda ni de derecha, soy un demócrata convencido que el mundo va hacia una síntesis. Por eso lo llamé a Piñeyro y le dije que me borre porque si no se iba a comer un juicio. Te das cuenta lo que es escribir con falta de información?, no quisieron tomar ningún tipo de contacto con la realidad ni con la verdad, no vinieron a hablar con nosotros ni nada, entonces en su intento de inventar algo que no era, me ponían a mí caminando por una facultad cuando yo nunca terminé la secundaria.

(...)

El hotel que administraba mi padre tenia una gran pileta de natación frente al río y venía mucha gente a nadar Un día vinieron dos muchachos, que no eran músicos, a los cuales les enseñé a nadar nos hicimos medio amigos y los invité a una fiesta que hice en el hotel cuando cumplí 18 años. AI día siguiente vino uno de ellos y me dijo que como ya que era mayor de edad me iba a Llevar a un boliche nocturno a escuchar música. Resulta que me Llevó nada más ni nada menos que a La Cueva. Ahí empezó todo. Cuando yo llegué ya era La Cueva del rock y el alma mater del boliche era Sandro".

Conseguible en librerías

EL HOMBRE ILUSTRADO

2009-01-11T15:00:00.006-02:00

GLORIA GUERRERO

…La primer biografia del Indio Solari

1ra. Edición:
2005
2da. Edición:
2006
Editorial:
Sudamericana

El libro, en abril del 2005, está dividido en nueve capítulos a lo largo de los cuales se narra la historia del grupo de rock argentino Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Contrario a lo que muchos creen, Gloria Guerrero no realizó una biografía del Carlos Solari, mencionándolo como un personaje más dentro de la historia del mitíco grupo platense.

En los primeros capítulos, Guerrero le muestra al lector como era el entorno en el que los integrantes de la banda se movían. Habla sobre la ciudad de La Plata, hace mención a su estructura geografía y socio-cultural y también refleja como los gobiernos de turno influyen sobre la vida de los artistas.

Al avanzar con la lectura, estando el relato ya dentro de un marco determinado, la autora comienza a hablar de la banda propiamente dicha, como es que esta se forma, como se elije el nombre, porque, la primer gira del grupo y su llegada a la Ciudad autónoma de Buenos Aires, presentándose en un pequeño salón ubicado a unas cuadras del obelisco porteño. También narra como ciertos ritos que la banda llevaba a cabo durante las primeras presentaciones en público, se van perdiendo como parte del proceso de hacer a la banda más masiva.

Capítulos:
Un gran remedio para un gran mal (O cómo encontrar viejas medicinas para soñar)
El camino del indio (O de cómo el Santo Fumador de La Plata sale del letargo y va a desfilar)
Lo suave (O de cómo los buenos volvieron y están rodando cine de terror)
El astronauta italiano (O de cómo, preso de tu ilusión, vas a bailar)
Los ojos de dúrax lastimados (O de cómo caen al fin los disfraces, desnudándote)
La declaración de la independencia (O de cómo estar muy Shangai)
El rocker (O de cómo atrapó un beso bienhechor con ojos al rojo vivo)
Los unos y el otro (O de cómo estar seguro de si el Indio escucha tu remera)
El aire acondicionado (O de cómo nuestra estrella se agotó y era mi lujo)

Antes del primer capitulo, "Un gran remedio para un gran mal", hay una lista con 18 invitados, según la autora.
Esta lista es muy practica a la hora de la lectura ya que contiene una pequeña referencia de varios de los personajes que han estado en el grupo.

También se publico en formato de libro de bolsillo

El contenido del libro, según el Indio Solari, "es un verdadero disparate, son historias contadas por gente que apenas me conoce o conoce sólo una etapa de mi vida".

HISTORIAS DEL ROCK DE ACA

2009-01-11T12:10:00.008-02:00

EZEQUIEL ABALOS

1ra Edicion:
1995
Editorial
Editora AC & Ezequiel Abalos

Sobre fines del 92 comencé a realizar reportajes a un grupo de músicos del rock nacional con la idea de presentar un proyecto de programa radial desde donde, a través de una sección con el nombre de Historias de Pasta, los mismos protagonistas cuenten su versión de los hechos que fueron viviendo durante toda su trayectoria, esto incluía a los músicos que si bien habían participado de la historia, no habían tenido el espacio para contar sus vivencias personales, algunos quizás eclipsados periodísticamente por figuras como Lito Nebbia, Luis Alberto Spinetta, Pappo o Charly García.
El 14 de Marzo de 1993 comencé el programa de Rock de Acá por la Rock & Pop.
Gracias al prestigio que este programa adquirió y al poder de convocatoria de la Rock & Pop, el contacto con los músicos fue fluido y a lo largo de los dos años que duró Rock de Acá con mi presencia, pude entrevistar a casi todos los músicos que integran este primer libro de la primera generación del rock nacional.

Paralelamente durante el 93 y el 94 realicé una columna de rock nacional en los programas del Mariscal Romero utilizando extractos de estos reportajes para contar fragmentos de la historia del rock local y desde Mayo del 95 estoy en FM La Boca utilizando también este material en mi programa Costumbres Argentinas.
Los músicos que conforman esta primera entrega de mis reportajes son los primeros que hicieron rock en castellano con letras propias, son los que no tuvieron profesores de rock que les enseñen como hacerlo, lo hicieron ellos.

Este libro es el comienzo, no tiene una fecha de inicio, quizás esto no tenga lógica pero hay una fecha, hay un lento y decisivo camino hacia un cambio global en la forma de vida de todos los argentinos a través de las nuevas influencias musicales de esta primera generación del rock de acá.

Entrevistas a Billy Bond, Pajarito Zaguri, Moris, Javier Martinez, Alfredo Coth, Alejandro Medina, Moro, Pomo, Claudio Gabis, Willy Quiroga, Quique Gornati, Emilio Del Guercio, Black Amaya, Hector Stara, Miguel Cantilo, Rinaldo Rafanelli, Gabriela, Jorge Pinchevsky y Nito Mestre

HISTORIA DEL ROCK EN ARGENTINA

2009-01-04T22:07:00.005-02:00

MARCELO FERNANDEZ BITAR

1ra Edición:
1987
2da Edición:
1993 (ampliada)
3ra Edición:
1997
4ta Edición:
1999
Editorial:
Distal

Fue el primer libro que reseñó cronológicamente, año por año y disco por disco, la aventura que comenzó en 1966 y que continúa hoy, día a día. Tuvo cuatro ediciones en papel; la última, en 1997.
El libro vino a ocupar un casillero vacío: el de la recopilación de datos, discos, shows, en toda la historia del rock vernáculo, año a año.
Prologado en su primera edición por Luís Alberto Spinetta, Marcelo Fernández Bitar, su autor, de larga experiencia en el medio, combina su pluma de periodista con el rol de historiador.

INTRODUCCION A LA SEGUNDA Y TERCERA EDICIÓN

A seis años de la edición original de “Historia del rock en Argentina”, debo admitir que ni siquiera yo tengo un ejemplar propio en casa. Quién sabe dónde lo dejé o a quién se lo preste. En la editorial, para peor, hace tiempo que se agotó la primera tirada, así que la única manera de tener una copia es dejar de escaparle a la reedición.
Como es obvio, no alcanzaba con mandar los viejos originales a la imprenta, porque era necesario actualizar el libro con datos de 1987 a 1992. También debo admitir que resumir los principales hechos de ese período 87-92 fue más sencillo que buscar datos de la década del sesenta, porque es abundante la información publicada en diarios, suplementos jóvenes, y revistas especializadas. Esta vez el trabajo tuvo menos ribetes de investigación detectivesca porque había menos partes para armar del rompecabezas.

Hoy, cuando releo el libro no puedo evitar cierta sensación de inocencia e ingenuidad, pero prefiero frenar la tentación de la re-escritura y dejar el estilo tal como estaba originalmente. Corregí algunos datos que encontré, y otros que me señalaron, pero no quise modificar el espíritu del veinteañero que derrochaba entusiasmo sobre el rock nacional. Por entonces no podía entender cómo ninguno de los protagonistas o periodistas más informados (salvo Miguel Grinberg) había hecho un libro con toda la información que yo quería saber, y no me quedó más remedio que emprender la tarea por las mías.

Sin mayor pretensión que resumir la información existente, y ser el primero de una serie de libros que seguramente continuarían otros autores y editoriales con distintos enfoques (algo que por suerte ocurrió), la elaboración de “Historia del rock en Argentina” terminó convirtiéndose en el punto de partida hacia una profesión que no había imaginado. Y como convertirlo en realidad cambió mi vida, no quise modificar el estilo —repito— aunque algún párrafo suene deficiente, falle la concordancia o abunden los gerundios. En los discos que más me gustan, no me molesta la grabación primitiva, el ruido a fritura ni la falta de experiencia. Y aquí quise preservar esa inocencia e ingenuidad, porque es un ineludible síntoma de la sinceridad y honestidad que abunda en el rock en Argentina y en toda tarea que uno emprende con real pasión. En 1987 terminé de escribir este libro porque quería tener un libro de estas características. Ahora lo re-edito por la misma razón.

Que lo disfruten.

El autor

PROLOGO DE LUIS ALBERTO SPINETTA EN LA PRIMERA EDICION

Rock no significa más que todas estas y aquellas capitales excrecentes donde la vida anula a la vida, donde el sonido a veces trae un ensordecedor murmullo: el de las gargantas humanas.

Y está el roll, el movimiento de esa mirada de roca que sólo busca salir de sí misma para irse siendo piedra. Más allá de los cursos de la decadencia de la civilización.

Este gesto es el que debe crear a la vez un modelo para lo punitivo. Debe crear la reacción de pudor en aquello que no quiere mostrar su desnudez ante el rock; pero que luego para acorralar a aquello que se le opone, desnudará sí el poder de su castigo y de su humillación, justamente en nombre de lo bueno. Lo bueno del mal (algo con toques de lo bueno, indeclinable y decadente del rock'n'roll).

El rock aquí es todo ese sentido que como felicidad o angustia, trasgrede permanentemente un delgado hilo de la realidad argentina, aún a costa de que al crecer luego uno se sienta como un turista marciano (¿Acaso no pareció por momentos que éramos extranjeros todos?). Rock es esa visión de haber sentido en serio (para mover, apenas algo. y eso es lo que hay que bancar) miles de sonidos de guitarras, baterías, bajos y todos los otros instrumentos, más letras y líricas nacidas de individualismos hacia afuera; para tratar de arrimar todo un antipostulado que, envenenado por Argentina misma, tiene como ésta la eficiencia de lo que somos. (Quizás de aquello con lo cual hemos generado al que se erige como lo que somos).

Y... nada. Somos muchísimos más de lo que yo me imaginaba cuando en el 69 me profetizaban que "no iba a andar". Esta nada, anda. Tocar música desde la realidad es la idea avasallante que crea rock por doquier, sin más que "al vivir" en la intensidad de los lugares y a la vez desear una profunda cadencia que corte la húmeda tanguinolencia de río antiguo de Buenos Aires.

Una guitarra que aúlla es un acople que recoge tanto margen de nuestras propias vidas que ya es todo. Y cualquier cosa que une ame.

Habiendo nacido y vivido en Buenos Aires desde hace 37 años, tengo, vale decirlo, "el viaje" de la locura ya inscripto en mi vida. Esta locura es, es todo lugar, simplemente rock. O sea, el rock en Argentina es para mí todo ese viaje.

BAJATELO DE LA WEB O LEELO ON LINE

Los amigos de rock.com.ar tienen la 1ra edición on line en su página web para que lo puedas bajar o lo leas directamente desde la pantalla.

Como dijo Fernández Bitar:
“En 1997 actualicé la última versión de este libro porque quería tener a mano un libro de estas características. Ahora lo edito online por la misma razón”

Bajalo de aqui: http://www.rock.com.ar/historia/

PENSAR CROMAGNON

2009-01-04T21:31:00.004-02:00

ESCRITORES VARIOS

Debates a la orilla de la muerte joven: rock, política y derechos humanos.

1ra Edición:
2008
Editorial:
S/N

Surgió de una serie de charlas organizadas durante 2007 por un grupo de sobrevivientes, familiares y amigos de víctimas del 30 de diciembre de 2004.
En encuentros convocados en el hotel Bauen, disertaron Tomás Abraham, Héctor Bidonde, Juan Carlos Volnovich, Diana Maffía, Gustavo Carabajal, Alfredo Grande, Laura Ginsberg, Adriana Calvo, Pablo Alabarces, Luciana Fiorda, Pablo Plotkin, Maristella Svampa, Esteban Schmidt, Jorge Garaventa, Liz Torres, Oscar Hernández y Diego Rozengardt, quien perdió a su hermano Julián en Cromañón y fue el principal impulsor de este ciclo de reflexión y de la publicación que, por el momento, se consigue a través de la página web http://www.lospibesdecromagnon.org.ar/ o escribiendo a lospibespresentes@gmail.com.

Aquí ponemos a disposición la introducción de Rozengardt que abría cada jornada de debates.
Un texto que sintetiza el espíritu de este emprendimiento: un modo de procesar el duelo mediante la militancia y la reconstrucción, de afrontar la pérdida y lo irreparable a través de la búsqueda de algunas verdades

El 30 de diciembre de 2004 quedará instalado en la memoria como el momento, inédito para nuestra historia en el que en el mismo acto y en una trampa similar a una cámara de gas, a 200 familias se les arrebató la vida de sus hijos e hijas, niños, adolescentes y algunos adultos; en que 4000 personas experimentaron el horror para llevarlo en su cuerpo, en su sangre, en su memoria, por el resto de su vida. Es el momento también que dejó claramente expuesto para todo aquel que quiera verlo que nuestra juventud está llena de héroes, gente capaz de arriesgar todo por salvar al amigo, por ayudar al conocido o aún para rescatar simplemente al que lo necesita.

Pero el 30 de diciembre de 2004 quedará instalado en la memoria también como la evidencia más cruel de todo lo malo que hemos construido. 200 muertes evitables, 200 muertes por la fatídica concurrencia de codicia, irresponsabilidad y corrupción. CROMAÑÓN podría haber provocado un gran debate en torno a las responsabilidades de lo que ha ocurrido. Pero, en una sociedad tan mediatizada, con grandes intereses, corporaciones, complicidades y posiciones de privilegios casi inexpugnables, el debate se ha ido diluyendo. Mucho ha costado distinguir entre las responsabilidades penales, las políticas y las sociales.

Quizás una gran ambigüedad acompañe la representación que nuestra sociedad construye acerca del lugar de las víctimas. Por un lado, la autoridad que genera el haber padecido un hecho violento habilita al protagonismo y a la apelación a la sociedad. Pero a la vez se expresa la negación de la palabra reflexiva, se resta autoridad al pensamiento de las víctimas, encerrándolas en el lugar de la lástima mediatizada. Por un lado, se justifica la expresión del dolor, aunque no de la furia y se niega la posibilidad o el derecho de transitar de la desesperación a la participación, del grito a la consigna, de la defensa a la demanda sostenida para desmantelar a fondo los mecanismos que producen las muertes injustas, a la lucha firme contra la corrupción y la impunidad.

CROMAÑÓN forma parte de la disputa por los derechos humanos. Los Derechos Humanos, su vigencia, de un modo u otro, han formado parte de las banderas políticas de los oprimidos en todas las épocas y las sociedades.
En la Argentina, el significante “derechos humanos” ha adquirido en los últimos tiempos, connotaciones particulares y forma parte de las disputas simbólicas por el modelo social que necesitamos construir. Los organismos sociales que desde finales de los 70 y mediante su lucha han producido gran parte de las ideas políticas y sociales en nuestro país, han impuesto el término “derechos humanos” en la agenda de los gobernantes y ya es utilizada en forma generalizada: desde el poder para legitimar sus formas y modos de hacer política y desde otros sectores para reclamar por condiciones de vida más dignas. CROMAÑÓN, aún siendo el hecho más trágico que recuerde la Ciudad de Buenos Aires, aún habiendo producido tantos muertos como el atentado de Atocha y una cifra cercana al hundimiento del Crucero Belgrano, en una muerte colectiva evitable, no es asumido ni acompañado socialmente de un modo decidido. De hecho, dio lugar a uno de los mecanismos más perversos que en nuestro país funcionan desde hace décadas: la culpabilización de la víctima y la deslegitimación de su discurso y su accionar, instalando ideas engañosas, versiones manipuladas y hasta infames acusaciones que no respetaron ni a los muertos. Lograron separar de nosotros a una parte de la sociedad permeable a esas operatorias. Crearon una versión falsa de los familiares de Cromañón para que el reclamo no sea atendido. De esta manera, algunos pudieron volver a hacer sus negocios y a intentar relegitimar sus privilegios políticos.

A estos mecanismos nefastos queremos decirles NUNCA MÁS. Como le hemos dicho NUNCA MÁS a las dictaduras, NUNCA MÁS al terrorismo de Estado, hoy queremos decir NUNCA MÁS a la falta de memoria, a la corrupción, a la impunidad, a las formas corruptas de hacer negocios, de hacer política, de hacer “justicia”, NUNCA MÁS a la muerte absurda de nuestros jóvenes.
Para ello los hemos convocado, para hacer más limpia nuestra rabia, para buscar juntos las palabras que nos ayuden a entender lo que ocurrió y a construir oportunidades de hacer mejor la vida de nuestros jóvenes, de nuestra ciudad, de nuestro país. Los hemos convocado para construir una posibilidad para hacer una reflexión profunda que nos ayude a encarar el futuro con algunas ideas y, sobretodo, con esperanzas.

Algunas preguntas nos orientan en la reflexión: ¿Por qué pasó CROMAÑÓN? ¿Qué aspectos del sistema se expresaron en CROMAÑÓN? ¿Cuáles son las responsabilidades de los jóvenes, del rock, de los asistentes a espectáculos musicales o deportivos? ¿Por qué caló tan hondo en la sociedad el discurso de que la destitución del entonces jefe de gobierno Aníbal Ibarra fue un “golpe institucional”? ¿Qué fue y qué es el rock, en particular en nuestro país y en Buenos Aires? ¿Cuál fue el rol que asumió el ámbito del rock en la lucha de sentidos que atraviesan los jóvenes y como espacio que procura integrar y contener la diversidad de realidades y experiencias que los constituyen? ¿Por qué, al decir de un periodista, CROMAÑÓN es el hecho maldito de los derechos humanos? ¿En qué sentido y con qué alcance se puede identificar a las víctimas de estas muertes políticas, de estos crímenes sociales y habilitar socialmente el lugar de su lucha?
¿Cuáles son los mecanismos que producen el ánimo social para pasar en un momento a las víctimas al lugar de victimarios cuando éstos se transforman en fiscales de la impunidad y la corrupción? ¿Por qué, dos años y medio después, el pedido de “justicia” de las víctimas no muestra la masividad de las primeras convocatorias? ¿Qué pasa en el aparato judicial con esta causa?

Pensar CROMAÑÓN es pensar en CROMAÑÓN, pensar sobre CROMAÑÓN, pensar desde CROMAÑÓN. Es pensar sin olvidar acerca de qué estamos pensando, pensar sin dejar de recordar sobre quiénes estamos pensando, pensar sin dejar por un instante de amar a quienes recordamos, sin abandonar su memoria. Porque ellos son los que no pueden ya pensar, debemos hacerlo nosotros. Pensar CROMAÑÓN es buscar la justicia, es construir el camino para derrotar a la impunidad, a la forma de hacer negocios que olvida a la seguridad y la vida de los otros, a la forma de hacer política que se dedica a acomodar a los amigos y a hacer caja de cualquier modo, a las conductas sociales que olvidan del cuidado de sí y del respeto del semejante. Pensar CROMAÑÓN es sostener el valor de la vida, es incluir a la muerte de los nuestros en la vida cotidiana de todos nosotros, para resguardar la vida de ellos en el único modo en que nos dejaron: en el recuerdo, en la lucha, en ser cada vez mejores. Pensar Cromañón es, por último, hacer que los chicos de Cromañón estén presentes, ahora y siempre.

Por eso,
Aquí estamos consternados
rabiosos
aunque esta muerte sea
uno de los absurdos previsibles

aquí estamos consternados
rabiosos
claro que con el tiempo la plomiza
consternación
se nos irá pasando
la rabia quedará
se hará más limpia.

Buenos Aires, 12 de Junio de 2007

CHARLY GARCIA

2009-01-03T03:10:00.003-02:00

DANIEL CHIROM

1ra Edición:
1983
Editorial:
El Juglar

Buscaba en Internet alguna referencia sobre este libro y me encuentro con la desagradable noticia de que Daniel Chirom, lamentablemente falleció el pasado 1 de Diciembre.

Este fue el primer libro que se editó sobre Charly García.
Un reportaje donde Charly relata en forma de reportaje, toda su vida y aspectos desconocidos de su trayectoria musical.
Está totalmente descatalogado y es imposible conseguirlo siquiera, en algún parque o librería de usados, lo que lo convierte en una pieza muy preciada por los coleccionistas y los que no lo son.

Por eso, aquí algunos fragmentos del mismo

La Opera Teo
“- Sí, la hicimos en 1968, creo que es antes de Tommy de The Who. Se llamaba “Teo” y era la historia de un hombre que era hijo de la luna y de un gato. La letra era de Piegari y la música mía.
- Recuerdo que en una grabadora nos dijeron que íbamos a grabarla y nosotros no entendíamos nada; nadie nos quería hacer grabar una mísera canción y resulta que ahora nos grababan una ópera de quince minutos de duración.
Los empresarios nos ofrecieron un contrato por quince años y nos dijeron que el disco iba a salir en Australia y Nueva Zelanda pues el mercado argentino no estaba preparado para una ópera. Después nos dijeron que el contrato incluía barrer y pintar las oficinas.”

Ha sido
“El nombre y las canciones tenían que ver con el ácido. Pero no lo grabamos porque en realidad ya no teníamos ganas de hacer nada. Las letras hablaban de ir al mar y ver peces de colores, aunque en realidad, el disco tenía muy pocas letras, era pura música. Yo estaba con polenta para hacerlo pero a Nito no le interesaba tanto porque casi no cantaba. Fue entonces cuando le dije a Alvarez: 'Eso no va más, hacemos el recital de despedida y chau'. Yo me daba cuenta de que la gente no iba a aceptar a Sui Generis si seguía cambiando. Iba a sentir que nosotros traicionábamos la esencia del grupo".

Adiós Sui Generis
Sobre el fin de la penúltima semana de agosto, las entradas para el anunciado concierto de despedida de Sui Generis en el Luna Park se agotaron. "Ahí Alvarez me llamó para decirme que habíamos vendido todas las entradas, y me preguntó si queríamos hacer otro", Yo le dije que sí, con la condición de que nos asegurara de que íbamos a llenar otra vez. Alvarez me contestó que sólo íbamos a llenar la mitad, pero al otro día llamó para decirme que al ritmo que íbamos, íbamos a agotar seguro las localidades para el segundo". En el mencionado libro, García admitió no haber creído que el poder de convocatoria de Sui Generis era, por entonces, tan grande. "Creía que llenábamos un Luna, pero nunca pensé en dos. En realidad, yo no tenía mucha noción de la gente que arrastraba Sui Generis porque el grupo estaba super mal manejado. En vez de hacernos tocar cinco veces al año en grandes estadios con buen sonido, nos hacían tocar en bailes en los que yo veía venir gente por todos lados pero pensaba que sólo iban a bailar, no a ver a Sui Generis. En mi fantasía, Sui Generis era seguido por un grupo de intelectuales que entendía sólo de música y lo demás era el baile, gente que le daba lo mismo que estuviera Sui Generis o La Joven Guardia".

"Lo que me acuerdo es que Jorge (Alvarez) era muy amigo de Tito Lectoure, y así fue como le dijo que quería tomar una fecha para hacer el último recital de Sui Generis; ahí empezamos a laburar en la producción", dice el productor José Luís Conejo García, por entonces asistente técnico de Sui Generis. "A medida que se acercaba el día, empezaron a agotarse las entradas, y Jorge dudó, y le preguntó a Lectoure qué hacer. Le dijo: "Me parece que vamos a agotar, ¿hacemos otra función?". Lectoure le dijo que no, que en todo caso le daba más populares. Cabían hasta seis mil personas en cada tribuna popular. Pero enseguida se vendieron también esas populares. Así se llegó a las 14 mil entradas vendidas. Entonces se puso otra función a la venta, de la cual se vendieron al final 12 mil y pico de entradas. Entonces, cuando todo estuvo listo, la pregunta era cómo hacer salir a los 14 mil de la primera función para que entraran los otros. Todos estábamos medio paranoicos, porque el antecedente que había del rock en el Luna Park, el despelota de la Pesada, era nefasto. Por eso, al principio Lectoure no quería saber nada, y Jorge lo estuvo convenciendo durante bastante tiempo para que el rock tuviera otra oportunidad en ese estadio". (En un concierto celebrado el viernes 20 de octubre de 1972, se produjo una revuelta en las tribunas del Luna Park mientras actuaba La Pesada del Rock'n'Roll. Al advertir que parte del público estaba siendo víctima de la represión llevada adelante por los efectivos de seguridad del lugar, se cuenta que el cantante de la banda, Billy Bond, gritó desde el escenario: "¡Rompan todo!"...; lo cierto es que la sugerencia que fue tomada en cuenta). "El temor era tremendo, tal es así que Lectoure terminó cobrando el doble de lo que habían pactado al principio. Cuando se largó la venta de la segunda función, Jorge le decía que había alquilado el estadio por un día completo, así que si quería podía hacer terminar haciendo 14 funciones. Pero Tito le decía que no, porque él era el que corría el riesgo de que le rompieran el Luna de nuevo. Al final, ese día la gente fue tan protagonista como el artista".

La Película
Con la película no tuve nada que ver. Me dijeron que la película iba a salir bien y yo dije: 'Bueno, que salga'. Y cuando vi la que la habían prohibido para menores, pensé que era una reafirmación de que yo estaba diciendo cosas que no eran muy digeribles para el sistema. Yo quería poner algunas partes pornográficas para aprovechar la situación".

La Máquina de Hacer Pájaros
"Yo me separé de La Máquina después de un show. Terminó y me fui a un hotel, en donde estaba Zoca - ya por entonces su mujer - y nos dimos manija para ir al Brasil. Yo había empezado a escuchar a Milton Nascimento y su música me dio vuelta la cabeza".

Un gracias enorme al amigo Juan Carlos Zambrano Cardenas por el scaneo de la tapa.

20 AÑOS DE ROCANRROL

2009-01-01T14:49:00.001-02:00

RAUL PERRONE

1ra Edicion:
1993
Editorial:
Editorial Abril

Raúl Perrone es un mundo.
Dibujante, director de cine, guionista, actor, profesor, padre no reconocido de una nueva forma de hacer cine.

Un tipo de una envidiable coherencia y lealtad a sus propias ideas. Un poeta que, desde su espacio -Ituzaingó-, supo retratar a toda una generación como ninguno de sus contemporáneos.

El libro consta de una serie de caricaturas de los principales grupos o solistas del rock argentino de los primeros 20 años de vida.

Raúl Perrone ha publicado ilustraciones editoriales en los diarios Tiempo Argentino, las revistas Siete Días y First, y en el diario El Cronista.
También ha publicado libros con dibujos suyos, por ejemplo "Mi Buenos Aires Querido", "Borges en aerosol", "Discepolín", "Pichuco", "Rocanrol", "Beatles a mano", "Cortázar" y "Los Rollin".

FITO PAEZ - HOMENAJE

2009-01-01T12:27:00.002-02:00

FERNANDO MULLER

1ra Edicion:
1993
Editorial:
Crepe Editores

Serie de dibujos en blanco y negro homenajeando a Fito Paez.
Dibujos y caricaturas que van desde los comienzos de Fito hasta 1993, con personajes como Zappo Aguilera, Silvina Garre, Marcos Pusineri, Juan Carlos Baglietto, Sergio Sainz, Ruben Goldin, Charly Garcia, Luis Alberto Spinetta, Fabiana Cantilo, Anibal Troilo, Cecilia Roth, Carlos Gardel y el Negro Olmedo.

Fernando Muller es un dibujante que comenzò haciendo dibujo infantil y llegò a publicar en revistas como Billiken y y Cosmik.
Alumno de Hermenegildo Sabat, hoy vive como diseñador grafico y este libro es el primero que ha publicado.

A TODO VOLUMEN - HISTORIAS DE TAPAS DEL ROCK ARGENTINO

2008-12-28T22:17:00.002-02:00

SEBASTIAN RAMOS - MARCELO MORAN

1ra Edicion:
2008
Editorial:
Varias

Si el rock hecho en Argentina se destaca por sobre todas las demás formas que adoptó el rock’n’roll en Hispanoamérica, esa misma identidad se refleja en las tapas de esos discos. Ya desde el comienzo, artistas, ilustradores, fotógrafos, diseñadores y los mismos músicos se preocuparon por desplegar una identidad propia, signada por la ironía, las referencias y los guiños a la época y los avatares de este país tan extraño en el que les tocó componer y cantar.
Por eso, el reciente A todo volumen, del periodista Sebastián Ramos con colaboración de Marcelo Morán, recopila apenas un centenar de las historias detrás de esas tapas que –muchas veces dicen tanto como los discos que contenían.

Dicen que una imagen vale por mil palabras. Pero una imagen en la portada de un disco tiene un valor más preciso: vale por las ocho o diez canciones que contiene la placa. O al menos eso sucedía en las épocas de los vinilos, esos objetos incómodos para llevar, pero del tamaño exacto para sostener mientras sonaba la música en cuestión.
Y tan recordado sigue siendo, que el heroico A todo volumen, tal como reza su subtítulo, recorre algunas historias de las tapas del rock argentino, reproduce aquel tamaño. A tal punto, que no les importa a Ramos y Morán llevar casi de prepo las tapas de los compact elegidos a esa proporción, aunque la reproducción termine sufriendo un poco en el camino.
“Tuvimos cierta resistencia en un principio por parte del diseñador, pero lo convencimos”, confiesa con una sonrisa pícara Ramos, que terminó logrando un imposible, aún con ciertas imperfecciones a flor de piel: imaginar lo que sería toda una colección del rock argentino íntegramente en el formato que debe ser, aun en tiempos de la inminente desaparición de todo formato físico de semejante colección: el del vinilo.

Uno de los primeros logros de esta historia –que no es historia con mayúscula porque no pretende ordenarlas todas en una sola, sino apenas si recorre algunas historias de las tapas más curiosas, más originales o simplemente más recordables – es la de ponerle a cada tapa un nombre propio, y en ese mismo movimiento recuperar ciertos otros nombres del olvido. Porque, además de los nombres más famosos de ese curioso arte de ponerle tapa a un disco de rock – de Juan Gatti a Rocambole, digamos, por nombrar a dos de los más heroicos responsables del arte del vinilo al compact, y confesos preferidos de los autores –, Ramos y Morán desempolvan más de una autoría perdida, con el simple mecanismo de poner una tapa memorable en el centro de la escena, y hacer hablar a sus responsables. “Lo que más nos terminó costando fue averiguar los créditos de aquellos discos históricos, porque nadie sabía bien quién los había hecho”, confirma Ramos, que pone como ejemplo los dibujos de las tapas de Pappo’s Blues, o el detalle descubierto con paciencia de arqueólogo, sobre la verdadera autora de la foto de estudio del disco debut de Todos Tus Muertos, nominalmente obra de Andy Cherniavsky, pero en realidad a cargo de Hilda Lizarazu, su ayudante en aquel momento.

Fruto de un trabajo de poco menos de una década, A todo volumen comenzó como un juego, según les gusta decir a sus autores. “Nos colgábamos con Marcelo a escuchar música, y a redescubrir esas tapas”, recuerda Ramos. Si se le pide un punto de partida, termina mencionando un disco de Crucis, y uno de la Pesada del Rock. “El volumen tres, el de las calcomanías pegadas, que terminó fuera del libro”, precisa. Cada tapa devela una historia, y cada historia destapa algún personaje, como la fotógrafa Nora Lezano, o el artista Nessi Cohen, autor del arte de tapa de los discos de Don Cornelio. “Los primeros en descubrir cosas fuimos nosotros, porque yo no sabía la verdadera historia del luchador de sumo en la tapa del último disco del grupo de Luca, o pasé toda mi vida pensando que el dibujo en la portada del primer disco de Don Cornelio, uno de mis preferidos, era una figura femenina, y al hablar con Nessi descubrí que no se trataba de eso, sino de un pajarraco”.

Paso a paso, sin embargo, el juego de A todo volumen termina demostrando algo que apenas si destaca Rocambole en una mini entrevista incluida en el libro: que el rock local logró crear una estética propia. Eso que se escucha en la música, al compararla con la de otros países de habla hispana intentando hacer su propia versión del rock anglosajón, se percibe también en las tapas. “Desde el primer disco de Almendra, con una tapa dibujada por Spinetta, se plantea otra forma de darle gráfica al rock”, explica Rocambole. “En ese sentido el rock nacional ha tenido desde sus orígenes una línea de pensamiento, que insistía en acompañar con una gráfica en particular que, además, expresaba lo que pasaba musicalmente con la cultura joven y las rebeldías del momento.” Con referentes mínimos –como la tapa del primer disco de V8, por ejemplo– o máximos –las de Las Manos Santas van a Misa de Las manos de Filippi o Versus de Illya Kuryaki, cuyos librillos del CD están llenos de citas, todo tiene lugar en el caprichoso cambalache del rock nacional y del libro de Ramos y Morán, que apenas si se ordena detrás de un orden cronológico pero, como todo laberinto, sólo se sale de él por arriba, y desde ahí, claro, se puede ir recorriéndolo con conocimiento de causa.

“Es que nunca tuvimos la idea de que fuese un trabajo enciclopédico, es apenas una mirada”, se excusa Ramos. Y detrás de esa excusa se encolumnan todos los nombres redescubiertos en cada una de las historias reconstruidas. Y entonces la mirada de Ramos y Morán funciona como punto de partida, y todos los caminos llevan al centro. A un vinilo que siempre es difícil de llevar, sí, pero cuando comienza a girar –y a sonar– queda claro que tiene el tamaño justo. Para perderse en cada una de las imágenes. Y descubrir, página tras página, portada a portada, una historia más de esa hermosa leyenda – y también presente – de algo llamado Rock argentino.

Martín Pérez para Pagina 12

Alguna muestra:

Pescado Rabioso - Artaud

1973 Talent/Microfón
Diseño Juan Gatti/Luis Alberto Spinetta

No seas cuadrado. No seas cuadrado. No seas cuadrado. La tapa del disco Artaud no era cuadrada. ¿Por qué? Por tipos como Artaud. La portada era, sí, verde y con brillos amarillos. Y era informe, con cuatro puntas no aptas para las bateas de los ’70. La idea, consensuada con el propio Spinetta, fue de Juan Gatti, el artista responsable de varias de las mejores tapas de los primeros años del rock argentino. Es su obra maestra para toda una generación, y recordada como una de las joyas del diseño de portada de todos los tiempos. “En ese momento la hicimos con Luis Alberto y quedó como un delirio, porque realmente estábamos volados, pero no por las drogas, sino como en estado de permanente alucinación. Hicimos esa tapa que no entraba en ningún stand y las tiendas de discos nos querían matar porque no sabían cómo exhibirlo, la gente no lo podía guardar. Fue un objeto muy incómodo y movilizador para la época.”

Los Gatos - Rock de la mujer perdida

1970 RCA
Foto Oscar Bony

Rock de la mujer perdida se llamaba originalmente Rock de la mujer podrida, pero según el propio Nebbia “a la compañía discográfica le pareció muy agresivo y le cambié el título. En ese momento me pareció que estaba bien, que la esencia era la misma”. Sigue Litto: “En la portada queríamos una mujer que respondiera a la bohemia del personaje al que se refiere la letra de la canción... y encontramos a esta chica que laburaba en una boutique de la Galería del Este, sobre avenida Santa Fe”. La primera fotografía que vieron Ciro Fogliatta y Bony para la tapa fue de un banco de imágenes, en la que la modelo, según el tecladista, “era el triple de gorda y con una ropa de lencería negra espectacular. No se podían conseguir los derechos, pero nos propusimos mantener ese espíritu. Es una tapa muy loca, porque quedó esa historia dando vueltas que aseguraba que la mina de la foto era yo, vestido de mujer. A mucha gente, si le decías que era soy yo, le tirabas la moral abajo. Los argentinos somos supermitómanos y ese tipo de cosas nos encantan”.

Seru Giran - Grasa de las capitales
1979 Sazam Records
Foto Rubén Andon Arte Rodolfo Bozzolo

“La idea fue mía”, dice Charly García. “Estaba podrido de todas esas revistas tipo Gente, que eran tan caretas. Habíamos compuesto ese disco para ir al choque directamente. Las canciones eran más pesadas, más contestatarias. Había que salir de la grasa, de la mediocridad. Era una época en que el rock todavía estaba en contra de la música comercial: era nosotros contra el mundo. Y la revista Gente era el enemigo.” Cada uno eligió su personaje. Pedro Aznar, el oficinista nerd (“lo tomé prestado de una performance que hacía Miguel Zavaleta en su grupo Bubu”). David Lebón, el rugbier. Oscar Moro, el carnicero. Y García, el empleado de estación de servicio “con crítica a las petroleras que se llenan de dinero y manejan el mundo a su antojo”, remata Charly. Sí, en los ’80 también. El titular que aparece a la derecha de la tapa (“Descubrimos los dobles de Seru Giran”) también tiene destinatario: un comentario crítico escrito por el poeta y periodista Pipo Lernoud en el Expreso Imaginario sobre un show que Seru Giran ofreció en Obras. La frase incluida como titular también tiene su cuentito. Dice Charly: “Cuando estuve en Brasil, en la primera época de Seru, hubo toda una campaña en contra mío. Las notas eran del tipo: ‘Charly se olvidó de nosotros’. Hubo una que tituló con ‘Charly García, ¿ídolo o qué?’, y empapelaron la ciudad con el aviso de la revista... una grasada total”.

En las más de cien tapas revisadas se encuentran trabajos de Juan Gatti, Daniel Melgarejo, Oscar Bony, Luis Alberto Spinetta, José Luis Perotta, Martiniano Arce, Marcos López, Crist, Uberto Sagramoso, Caloi, Eduardo Marti, Renata Schuscheim, Federico Klemm, Rocambole, Mariano Galperín, Nessy Cohen, Andy Cherniavsky, Rubén Andón, Marcelo Gabriela, Charly García, Rubén Vázquez (Nebur) y Alejandro Ros, entre muchos otros.

TANGUITO, LA VERDADERA HISTORIA

2008-12-28T17:30:00.003-02:00

VICTOR PINTOS

1ra Edición:
1993
Editorial:
Planeta

José Alberto Iglesias, también conocido como Tanguito, Tango, Ramsés VII, Donovan, El Protestón o Susano Valdez, murió una madrugada de 1972, antes de cumplir los veintisiete años, aplastado por las ruedas de un tren, a unas cuadras de la estación Pacífico.
No tuvo dinero ni popularidad durante su corta vida.

Escribió un puñado de canciones, de las cuales sólo una llegó a ser realmente famosa: La Balsa, compuesta a medias con Litto Nebbia en el bar La Perla del Once. De las otras, sólo queda una precaria grabación aparecida después de su muerte, realizada cuando ya estaba semidestruido por las drogas y los electroshocks que le daban en el Borda, cuando ya había perdido gran parte de la magia que lo hizo legendario entre los primeros hippies y músicos de rock argentinos, y demasiado provocativo para la policía que lo persiguió implacablemente hasta encerrarlo en el manicomio.

Algunos aseguran que era un ser fuera de lo común; otros dicen que el mito supera largamente el moderado talento que tenía como músico. Todas las personas que lo conocieron bien aparecen en las páginas de este libro, cuya investigación demandó casi siete años de trabajo a Víctor Pintos.
Hoy, cuando Tango se ha convertido en un fenómeno de masas, este libro se vuelve imprescindible para conocer la verdadera historia de Tanguito, su lirismo, su locura y su autodestrucción, y cómo fueron en Buenos Aires aquellos años dorados e ingenuos del amor y la paz, de la revolución del sexo y el rock en una sociedad hipócrita y temerosa de los cambios que iban a ocurrir inevitablemente.

El autor de este libro, nos cuenta como y que lo llevó a escribir este libro.

Comencé esta investigación que reconstruye la vida de Tanguito en el verano de 1982, para una nota que publicó la revista Expreso Imaginario en el número de abril de ese año.
La retomé en 1987, cuando Marcelo Piñeyro me convocó para que hiciera un informe periodístico en el que pudiera basar el guión de una película con la que quería debutar como realizador.
Inmediatamente después de que entregara el material, Piñeyro y Juan Carlos Muñiz iniciaron la escritura de los primeros guiones de Tango feroz, cuya versión definitiva escribieron el director y Aída Bortnik. A medida que el proyecto de la película apuntaba cada vez más claramente a recrear la leyenda, y no la vida real de Tango, me fui convenciendo de que alguien tendría que escribir el libro con la verdadera historia. Por eso continué con mi acercamiento al personaje real que había generado el mito.
En el verano del 93, después de haber trabajado en la preproducción de Tango Feroz como asesor musical, me puse a ordenar los casi 200 reportajes con distintas personas que había hecho sobre Tanguito durante once años. Y, como en las novelas de espionaje, sobre esos tramos finales del trabajo surgieron los datos y los testimonios decisivos par rearmar fidedignamente la historia.
Por ejemplo, la aparición de Tango Bis, el personaje que nunca había aceptado hablar de su especial relación con Tanguito. O los datos sobre el Borda, que me facilitó uno de los médicos que dirigieron el servicio de drogadictos que existía allí en 1972. O los relatos de quienes compartieron con Tango sus últimos días de encierro en ese neuropsiquiátrico, y lo vieron escapar en la mañana del 19 de mayo.

Con los testimonios de medio centenar de informantes -familiares, amigos y conocidos-, y una completa carpeta de recortes, material diverso de archivo, registros de su paso por escuelas, comisarías, hospitales y cárceles, me puse a escribir el libro a comienzos del 93, mientras Piñeyro se moría de ansiedad porque había terminado su película y todavía no tenía fecha de estreno.

Descarté la narración novelada porque creí no tener la autoridad suficiente: mal podía ser el relator de su vida, si no lo conocí personalmente. Además, me resultaba llamativo cómo se contraponían algunos testimonios con otros, sencillamente porque la memoria no siempre registra de la misma forma lo vivido, y es lógico que cada cual tenga su propia versión de lo que pasó.

Debido a eso, opté por la fórmula más sencilla y a la vez más heterogénea de contar la historia: encadenar los testimonios y conservarlos tal como figuran en las cintas, con su intensidad y su aspereza coloquial, y sus coincidencias y disensos. De esa forma, creo, el lector podrá sentir que está compartiendo una mesa de un bar -¿La Perla de Once?- con la gente más cercana a Tanguito, y que esa gente se ha decidido a contarle su historia. Así también, creo, este libro se conecta con la esencia de esa leyenda, que como todas las leyendas se transmitió oralmente a través deltiempo, creciendo, variando, distorsionándose a veces en el camino.

Mi especial recuerdo para Miguel Abuelo, que fue uno de los primeros que me ayudaron a entrar en la historia de Tango. Miguel murió el 26 de marzo de 1988. Creo que le habría gustado ver concluido el trabajo.

Espero que este libro permita a muchos recuperar algo del espíritu de los sesenta, década que en Buenos Aires no terminó cuando el calendario lo indica, ni cuando el hombre llegó a la Luna, sino en 1972, cuando un tren mató a Tanguito.

Por último, siento que esta historia tendrá su versión definitiva cuando Pipo Lernoud, Moris o Javier Martínez se decidan escribir un libro. Deseo que este trabajo mío sirva para sobrellevar la espera.

(N. de la R.: Este libro se terminó de imprimir en Agosto de 1993. En Setiembre de 1993 salio el libro escrito por Pipo Lernoud, posteado mas abajo en este blog)

Víctor Pintos
San Telmo, fin del invierno de 1993

TANGUITO Y LA CUEVA

2008-12-28T17:23:00.006-02:00

PIPO LERNOUD

1ra Edición:
1993
Editorial:
Ediciones Prisma S.A.

Aquí se cuenta una aventura real.
Se describe una explosión generacional que cambió la música y la cultura argentinas.
De cómo un grupo de jóvenes inventaron nuevas palabras y nuevos sonidos para romper la dura costra de la sociedad argentina, el autoritarismo y la represión.

Una aventura que ha inspirado películas como Tango Feroz y de la cual nacieron canciones que están en el inconsciente colectivo.

El autor, Pipo Lernoud, escritor y periodista, formó parte del grupo de la Cueva, que inició el rock nacional.
Fue coprotagonista de las aventuras narradas en este libro, y las cuenta desde adentro.
A los veinte años compuso “La princesa dorada” junto con Tanguito, “Ayer nomás” junto con Moris y creó “Los Abuelos de la Nada” con Miguel Abuelo, escribiendo además sus primeras canciones. En la década del 70 fue fundador de la legendaria revista Expreso Imaginario.
En los 80 dirigió una revista muy popular dedicada al rock nacional: Cantarock.

Paralelamente se dedicó a la ecología agrícola compilando el único libro argentino sobre el tema: “Agricultura Orgánica”. Dedicado al periodismo y a la producción y distribución de alimentos sanos, vive parte del tiempo en su chacra orgánica en la Provincia de Buenos Aires.

A Pipo le gusta decir que pasa su vida “entre los cielos abiertos y el buen rock and roll”. “Tanguito y La Cueva” contiene historias de vida, anécdotas, reportajes y muchas de las canciones fundamentales para tocar en la guitarra.

TANGUITO

2008-12-28T17:10:00.003-02:00

MARCELO GOBELLO

..El amor es mas fuerte.

1ra Edision:
1993
Editorial:
Distal

Quién fue Tanguito?

Justamente a partir de-su trágica muerte, José Alberto Iglesias, tal era su nombre verdadero, falleció el 19 de mayo de 1972 atropellado por un tren y después de haber pasado la última etapa de su existencia en comisarías, cárceles y manicomios se edificó el mito de Tanguito, el primer mito del rock nacional.

Tanguito cantaba y componía rock en castellano (tres palabras que ahora suenan familiares pero que a finales de los sesenta sencillamente no existían) con una pasión extraordinaria.
Junto a otros pioneros - como Moris, Litto Nebbia, Javier Martínez y Miguel Abuelo, entre tantos - gestó un movimiento que ya está más cerca de los treinta que de los veinte.

La discografía oficial de Tanguito es breve, se reduce a una sola placa, editada un año después de su muerte pero grabada en 1970, que incluye algunas de sus canciones más conocidas: Natural, Jinete, Amor de primavera y La balsa, compuesta a dúo con Nebbia en los baños del bar La Perla en el barrio de Once.

LA GENERACION "V"

2008-12-27T01:55:00.001-02:00

MIGUEL GRINBERG

1ra Edicion:
2004
Editorial:
Emecè Editores

La insurrección contracultural de los 60 y sus herederos -el rock insubordinado de los 70, la conspiración acuariana de los 80 y la contestación ecologista de los 90-, ¿fueron digeridos por el sistema?
Los jóvenes que antes ostentaron la "V" de la victoria, ¿expresan hoy una generación de vencidos?
¿Qué ha sido de los poetas, bohemios, viajeros y místicos anarquistas, devotos de una sociedad visionaria, "verde" y equitativa?

MIGUEL GRINBERG, pionero del periodismo alternativo en la Argentina e idéologo de varios movimientos de vanguardia, realiza un análisis lúcido, sin falsas nostalgias, de estas y otras cuestiones.

En las páginas de este libro rescata sus vivencias e impresiones, transcribe proclamas y manifiestos de las diversas etapas, pasa revista a los hechos más significativos y brinda su punto de vista como protagonista y observador privilegiado de cruciales y auténticos fenómenos sociales, artísticos y culturales.

La Generación "V" -que incluye un profundo diálogo inédito con el crítico de arte Jorge Romero Brest- constituye un aporte fundamental, fresco y original para la comprensión e interpretación de nuestra historia reciente.

En librería Dickens - $ 12

ESTACION IMPOSIBLE

2008-12-25T21:12:00.001-02:00

SEBASTIAN BENEDETTI - MARIO GRAZIANO

...Periodismo y contracultura de los 70s.
...La historia del Expreso Imaginario

1ra Edición:
2007
Editorial:
Marcelo Héctor Oliveri Editor

Los periodistas Martín Graciano y Sebastián Benedetti escribieron un libro que se llama “Estación Imposible. Periodismo y contracultura en los 70: la historia del Expreso Imaginario”.

El Expreso Imaginario fue una de las primeras y más gloriosas publicaciones de rock y contracultura de la Argentina, que se editó durante la última y más sangrienta dictadura militar que sacudiera a nuestra nación.
En ese contexto, personajes como Jorge Pistocchi, Pipo Lernoud, Alfredo Rosso, Claudio Kleiman, y Fernando Basabru (entre otros) comenzaron a acompañar desde la prensa el nacimiento de la cultura rock de la argentina.
El rock nacional, tal como lo conocemos, no existiría si no fuera por obras maestras del periodismo gráfico como el amado Expreso Imaginario y es por esa razón que este libro debe ser parte de la biblioteca de aquellas personas que consideren que el rock que se hizo (y se hace) acá es un verdadero sentimiento.

“Estación imposible es una excelente noticia bibliográfica, tanto para quienes se interesan por el pasado del rock argentino pensado como algo más que una selección de buenas canciones como para los lectores inquietos por la historia de la prensa en este bendito país. Y por supuesto, es una buena noticia para los que hoy arañamos las cinco décadas de vida y sabemos qué valioso fue aquel estímulo impreso para nuestra educación estética y, digámoslo de una vez, política.” (Sergio Pujol)

Aquí se cuenta y recuenta con suma precisión lo que fue el Expreso Imaginario –sus momentos y peripecias, sus hacedores y lectores, sus temas y estilos- pero también cuando y por qué fue lo que fue.
Nos sitúa en el contexto de la contracultura versión argentina, con sus fanzines, sus bocetos, sus búsquedas universales, su afán de terminar con tanto provincianismo y tantas anteojeras, contraponiendo al discurso de autoritarismo y al miedo, el aliento de una vida que aún latía.

Viejos y nuevos pasajeros del Expreso: he aquí un libro que, a no dudarlo, enriquecerá la mirada que la cultura rock tiene de sí misma y quizá invite a otros actores del campo intelectual a repensar algunas cuestiones

EL ROCK PERDIDO

2008-12-25T20:35:00.003-02:00

SERGIO MARCHI

…De los hippies a la cultura chabona

1ra Edición:
2005
Editorial:
Capital Intelectual

A poco menos de que se cumpla un año de Cromañón, el periodista Sergio Marchi sacudió la modorra al proponer, desde su libro El rock perdido, algunas puntas para un debate al que el rock bussines le viene corriendo el cuerpo sin ninguna elegancia: por qué Cromañón ocurrió en un recital de rock.

Para ello, Marchi recorre los orígenes del rock argentino quizá desde una mirada demasiado mistificadora del ayer. El periodista, autor también de “Say No More, una historia de Charly García”, describe la realidad social en la que nació el rock en nuestro país y destaca la capacidad de proponer una realidad alternativa, otra manera de entender las cosas, muy distinta a cómo se decía que debían entenderse. Otra característica del rock durante su época fundacional, según señala Marchi, es que desde el escenario el artista mostraba su música y “marcaba los tiempos” ante un público que escuchaba y no se proponía como protagonista de una “fiesta”.

Dos aspectos que, como tantos otros, mutaron con el devenir del tiempo y no para bien al entender del autor del libro. Ahora, el rock es un espejo que refleja a la sociedad; como tal devuelve lo que ve, a diferencia de cuando la imagen devuelta tenía un valor agregado.
Marchi también señala que en estos tiempos es el público -sobre todo en el estilo “rock chabón”- el que marca los tiempos. “La monada”.
Fenómeno que el periodista define como futbolización del rock y ubica su génesis contemporáneamente con los primeros picos de popularidad de una expresión cultural que ha crecido lejos de la mirada del gran público.
¿Qué puede llevar a una persona o a muchas a llevar adelante una acción que ponga en riesgo su seguridad y/o la de otros, como encender una bengala en un lugar cerrado?, es una de las preguntas clave que atraviesa el libro.
Encontrar su respuesta va a llevar mucho tiempo. Demasiado, a juzgar por el pulso mediático que tomó la causa Cromañón.

Coincido en el análisis de Marchi en cuanto a que el rock ha quedado herido de muerte el 30 de diciembre de 2004. El sueño de pertenecer a una cultura alternativa, recibió un duro revés cuando la reacción de las principales espadas del rock argentino fue condenar el uso de bengalas en los recitales -ahora, no antes-, y asumir una actitud como de esperar a que todo pase rápido y que el show continúe.
Fueron pocas, casi ninguna, las voces que se escucharon desde el rock tratando de explicar y explicarse por qué pasó Cromañón y, lo principal, por qué le pasó al rock.

En ese sentido, “El rock perdido” es un aporte muy importante, más allá de cuestiones puntuales con las que pueda disentirse o directamente no compartir.

LOS GATOS SALVAJES

2008-12-25T20:03:00.001-02:00

MARIO ANTONELLI

…1965 – 40 años de rock de autor en castellano - 2005

1ra Edición:
2005
Editorial:
Catalogos

La importancia de Los Gatos Salvajes va un poco más allá del resultado técnico o estético que el grupo hubiere logrado...
Su valor más profundo reside en el arquetipo conceptual que comulgan...
Quizás, sin haber tomado conciencia al inicio por la adolescencia de sus integrantes; pero en esta idea de unión grupal, donde cada quien cumple un rol que sirve de peldaño ordenado para crear la escalera donde todos podrán luego subir... allí es donde está el verdadero valor de Los Gatos Salvajes...

Ninguno de sus integrantes participó de este grupo creyendo que iban a ser famosos, millonarios, los mejores, recorrer el mundo, ser premiados o reconocidos, vanagloriados y/o santificados...
(aunque no estaría mal para algún cruce de la urbanidad de Rosario, una Avenida Gatos Salvajes...)
Hicieron lo que hicieron...

Lo que hoy en día se comprende como natural al formar una banda... pero también lo que es muy difícil de conseguir por estos días, con tanta falsa información sobre la vocación por la música...
Organizar una Banda Musical con los amigos del barrio, sigue siendo un noble punto de partida para un adolescente, cualquiera sea su origen étnico...

Desde Rosario... Los Gatos Salvajes...

SERU GIRAN - EL RETORNO

2008-12-25T18:37:00.001-02:00

DIEGO GASSI - JULIAN BARSKY

1ra Edición:
1992
Editorial:
Fama ediciones

Un libro editado en edición por demás económica, con fotos en blanco y negro
Además de un exhaustivo estudio de la trayectoria de Charly García, David Lebon, Pedro Aznar y Moro y de una buena historia de la banda, trae el análisis de las letras de las canciones mas conocidas del grupo y también cuenta pormenores de la batalla legal que precedió al retorno de Seru Giran en 1992 en el estadio de River Plate.

Descatalogado totalmente, se puede conseguir alguno en algún parque que venda libros usados.

EL ROCK EN LA ARGENTINA

2008-12-25T18:14:00.002-02:00

OSVALDO MARZULLO - PANCHO MUÑOZ

…La historia y sus protagonistas

1ra Edicion:
1986
Editorial:
Galerna

Varias veces se ha intentado hacer una recopilación de las bandas que poblaron el panorama del rock argentino.
Una de esas experiencias está plasmada en este libro.
En esta obra que abarca el periodo comprendido entre finas de los 60s y mediados de los 80s se hace un muy breve repaso de la historia del rock argentino, una descripción de los estilos con definiciones tan discutibles como "rock elaborado" ó "tango-rock".

Como toda obra de estas características es incompleta, pero también es una recopilación de las más exhaustivas que he leído.
Llegado a este punto es interesante plantearse si es posible una obra que comprenda a la totalidad de los músicos y bandas. Puede remarcarse el mérito de la aparición de bandas que no llegaron a grabar ni álbumes ni simples y hay que tener también en cuenta que el acceso a la información era en 1986 mucho más dificultoso que en la actualidad, cuando por medio de la internet podemos comunicarnos con los artistas, se nos ofrecen sitios con los datos biográficos, discografías, etc.

No es bueno criticar a los que hacen algo, por no hacer todo, por lo tanto, sin restarle los méritos a esta obra en particular, me sigo preguntando si alguien escribirá alguna vez una verdadera historia del rock argentino, que no sea solo una excelente recopilación de bandas y discografías.
El libro se completa con unos breves comentarios sobre los festivales más trascendentes.

Evidentemente los autores no son improvisados, Munóz y Marzullo son periodistas del ámbito del rock desde 1976, teniendo ambos una larga trayectoria. Estimo que tienen mucho más para contar que lo expresado en este libro.
(Escrito por Humberto Luna para Progresiva ’70)

CHAU LOCO!!!

2008-12-25T17:45:00.002-02:00

MIGUEL CANTILO

...Los hippies en la decada del ‘70

1ra Edicion:
2000
Editorial:
Galerna

"Durante cerca de una década, yo me consideré hippie en lo más íntimo de mí mismo e intenté incorporar a mi estilo de vida las premisas que recogía de poetas, cantautores, artistas y gente de la calle que coincidía con ese punto de vista.
Ser hippie era tan sencillo y libre, en principio, como adherir a una moda o a una tendencia social.
Mi intención en estas páginas es narrarle al lector a través de anécdotas, semblanzas y referencias cronológicas, la inserción del fenómeno hippie en una de las décadas más conflictivas de nuestro país.

Muchos de los protagonistas de estas historias participaron del "banquete de pordioseros" que dominó buena parte de las décadas del sesenta y setenta, la fiesta hippie, con sol, flores, amor libre y música.
La celebración psicodélica que ha dejado herencias que han sido definitivamente incorporadas por la sociedad occidental a la vida cotidiana.

Vaya pues la memoria a homenajear tiempos de cambios sustanciales en la corteza de nuestra civilización, edades de ambiciones desmedidas, de sueños irrestrictos y de consignas audaces que hoy pueden sonar infantiles.
Y vayan estas páginas como tributo a todos los que se sintieron hippies en buena ley y, estando dónde y cómo estén, lo evocan con una sonrisa y una secreta nostalgia."

Miguel Cantilo

LA HISTORIA DEL PALO

2008-12-25T13:26:00.003-02:00

GLORIA GUERRERO

...Diario del Rock Argentino 1981-1994

1ra. Edición:
1995
2da Edición:
1995
Editorial:
Ediciones de la Urraca

En años de botas militares, Gloria Guerrero fue (y sigue siendo) una total y absoluta guía de la cultura rock nacional, quien te hablaba desde Revista Humor de los discos que querías tener, tenías o extrañabas y ya lo hacía antes desde su “Primero Confluir” y “El Expreso Imaginario” de todos y siguió haciéndolo luego desde la “Hurra” o la “Rock Superstar” y más recientemente desde la “Rolling Stone”.

“La Historia del Palo” refleja en la propia voz de los actores la experiencia de hacer rock durante la década del ´80.
Es importante destacar que hasta 1983 el país estaba bajo el mando de un gobierno de facto con los peligros y dificultades que esto generaba para quienes se dedicaban a hace rock en una época signada por a censura y la represión.
A pesar de la vuelta de la Democracia en 1983, es en 1984 cuando el COMFER resuelve levantar la prohibición que pesaba sobre determinadas letras y canciones.
Es por eso que resulta interesante analizar las entrevistas que Guerrero realiza a bandas como Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, Sumo y Suéter y figuras como Juan Carlos Baglietto, Fito Paez y Pipo Cipolatti, entre otros, para poder dar cuenta de sus opiniones y sensaciones en un época que comenzaba.

En esta nueva era se puede escribir y denunciar con mayor libertad. A pesar de esto, no son muchas las bandas que hicieron uso de estos derechos y utilizaron la poesía para reflejar la situación que se vivía en el país.
En los ´80 se vivió una época con características especiales. Es un momento de transición entre un gobierno militar y una Democracia que asomaba tímida pero segura.; es por eso que poder conocer la propia opinión de los protagonistas plasmado en las entrevistas presentes en “La Historia de Palo” va a ser muy útil para poder explicar esos años.

Libro descatalogado, pero que es habitual poder conseguirlo en los parques y/o locales de libros usados

POETICAS DEL ROCK - Volumen 1

2008-12-21T22:05:00.001-02:00

OSCAR CONDE

1ra. Edición:
2007
Editorial:
Marcelo Héctor Olivieri Editores

Nuevamente el académico Oscar Conde acomete la empresa de indagar literariamente letras de canciones populares como autor y compilador de un formidable trabajo.
Ya lo había hecho con algunos autores de tango y ahora se ocupa, en un volumen de trescientas páginas, de las poéticas del rock, acompañado de cuatro jóvenes profesores en letras que suman al proyecto el entusiasmo propio de los años mozos y el rigor académico que se gana en las aulas.

Conde desmenuza el género desde su origen norteamericano en los años 50, cuando es, entre otras cosas, una arista musical de la cuestión racial; para cruzar luego el Atlántico y reinterpretarse en clave de polémica generacional en el Reino Unido con los irreverentes compases de los Beatles.

El empeño de Conde conduce a dejar en claro que en nuestro país el rock echó raíces que le dieron autonomía musical y poética, haciendo de él una expresión genuinamente argentina.
Primero fue representativo de la rebeldía juvenil de los 60 y luego de un período de soterramiento renació para darle voz a la generación de Malvinas.

Los colaboradores del compilador se hacen cargo del rumbo trazado por este, lo que le da a la obra homogeneidad y coherencia.

Diego Diez Olea analiza el modo de composición oral en los roqueros de La Cueva: Nebbia, Moris, Tanguito y Javier Martínez, entre otros, formulando originales comparaciones con clásicos de las letras de tango.

Marcelo Crizafio se detiene en el examen metafísico de la letrística del grupo Arco Iris, integrado en sus inicios por el hoy triunfador en Hollywood Gustavo Santaolalla.

Belén Iannuzzi trabaja la poética de Luis Alberto Spinetta, la que a lo largo de más de 30 años ofrece una gran variedad de registros y es fuente de inspiración para sucesivas generaciones que se suman al rock en la Argentina.

Josefina Ruzzi efectúa una lectura en clave social de León Gieco, al que califica de “peregrino del lenguaje del alma”.

El último capítulo está a cargo del responsable general del libro, Oscar Conde, y rescata el tema de la soledad como una constante en las letras de Charly García.

A pesar de la extensión y profundidad de este volumen, a Conde no le alcanza y va por más, ya que anuncia la aparición de un segundo tomo para los próximos meses.

BUENOS AIRES Y EL ROCK

2008-12-21T21:58:00.001-02:00

ADRIANA FRANCO - GABRIELA FRANCO - DARIO CALDERON

1ra. Edición:
2006
Editorial:
Ministerio de Cultura del GobBsAs

En el emblemático bar “La Perla” del barrio de Once, allí donde, según cuenta la leyenda, se juntaban los primeros rockeros porteños (autodenominados “náufragos”) a fines de los años ’60 y donde se compuso la fundacional “La balsa”, fue presentado el libro Buenos Aires y el rock, de Adriana Franco, Darío Calderón y Gabriela Franco, volumen número 18 de la colección “Temas de Patrimonio” editada por la Comisión para la Preservación del Patrimonio Histórico Cultural de Buenos Aires.

El libro recorre y establece la relación entre las letras de las canciones del rock argentino y la ciudad portuaria, además de abordar cómo la poética rockera centró su mirada en las calles y los barrios, y cuál fue el impacto del habla de los porteños en el rock nacional, exportado luego a todo el país y al resto de América Latina. Este recorrido por las letras abarca cuarenta años del rock argentino, al tiempo que refleja el ambiente social y político de esta porción de historia reciente, que es también es objeto de análisis.

4 x 4 = ROCK

2008-12-21T21:46:00.000-02:00

1ra. Edición:
1980
Editorial:
Grupo Editor de Buenos Aires

“Si....Un libro sobre rock con reportajes.
La idea tiene varios antecedentes, felizmente no delictivos.
La intención es brindar un testimonio mas sobre el movimiento musical juvenil ma non troppo a traves de algunos de sus protagonistas, cuya vigencia estè un poco mas alla de ciertos sucesos o noticias circunstanciales”

Con estas palabras escritas en la contratapa, Gabriel Sananes L’eirbag , sintetiza el contenido de este libro.
Con muy buenos reportajes a Rodolfo Mederos, Manolo Juarez, Santiago Giacobbe, Luis Alberto Spinetta, Litto Nebbia, Gustavo Moretto y Yabor

Grupo Editor de Buenos Aires
Totalmente descatalogado, pero se consigue en librerias de usados o en varios parques donde se venden libros usados

LOS HIJOS DEL ROCK

2008-12-21T20:50:00.000-02:00

1ra. Edición:
1996
Editorial:
Lozada

Para el análisis de la relación entre los adolescentes y el rock desde una perspectiva psicoanalítica, recurro frecuentemente a la aplicación de metáforas que invento: ellas también son constituyentes del campo discursivo con que estoy trabajando.
La inclusión de concepto de campo discursivo intenta limitar cualquier deslizamiento esteticista que pudiera surgir de mi apelación a una estética del rock en tanto resplandor.
Más complejo me resulta ceñir los bordes de una irracionalidad a la que necesariamente debo recurrir, ya que ocuparse de ésta es tarea del psicoanálisis.
El texto procura no quedar entrampado en el esteticismo ni en la irracionalidad, ambos peligrosos polizones de la hermenéutica.

Un análisis de la relación entre la adolescencia y el rock desde una perspectiva sicoanalítica. Su índice incluye entro otros títulos:
* Diferencias Generacionales,
*Pensamiento crítico: criterios encontrados,
*Multimedia en tiempos de sometimiento adolescente,
*Iniciadores y transgresiones,
*La territorialidad, *Espacialidades psíquicas,
*Los muertos amados*,
*¿Las tribus?
*Los rockeros, ¿forman una masa?,
*Lógicas del psiquismo,
*Articulación y espacios psíquicos,
*El dispositivo musical y las percepciones,
*Dioniso y pulsión, un solo corazón,
*Lógica totémica y lógica mítica,
*Drogas, sus enlaces con el rock,
* La lengua, invitada glamorosa,
*Chicas del rock,
*Las endorfinas, una nueva banda, y otros.

El libro incluye capítulos de tres autores: Vita Escardó (Escenas que pueden desarrollarse en un recital o en cualquier otro espacio sagrado), Luciano Galende (El rock visual) y Hernán Invernizzi (Un cacho de cultura).

SPINETTA, CRONICA E ILUMINACIONES

2008-12-21T20:00:00.003-02:00

EDUARDO BERTI

1ra. Edición:1988
Editorial:Editora AC

Un libro esencial.

Una charla profundísima con el músico, que ayuda a comprender aún mejor su obra. Luis Alberto hablando de cada tema, cada disco, cada inspiración, comenzando desde Almendra hasta llegar a su etapa solista en 1988. Incluye su discografía completa y las letras de 22 canciones inéditas.
115 páginas
Colección "Personajes"

Para muestra…un botón

Nace Pescado Rabioso:
“A mi regreso de Europa no sabía si iba a formar un grupo o no, pero de movida lo bauticé. Uno de los primeros nombres que se me ocurrieron fue Pescado Rabioso, aunque en un principio lo deseché porque pensé que era muy complicado. El nombre, en realidad, corresponde a una contradicción entre un perro rabioso y un pescado. Funciona como una paradoja. Hay otros animales que también enferman de rabia, desde el hombre hasta el gato, ¿pero cómo podría un pez contagiarse la hidrofobia?”
Así relata Spinetta la creación de Pescado Rabioso en una serie de entrevistas realizadas por Eduardo Berti entre septiembre y noviembre del año 1988, publicadas en el libro Spinetta: crónica e iluminaciones.

“En algunas semanas encontré a los músicos que necesitaba. Ellos eran Black Amaya (batería) y Bocón Frascino (bajo). Ambos habían pasado por las diferentes formaciones que tuvo Pappo, pero que no se concretaban. Yo antes había intentado tocar con otro baterista, Pomo, pero en ese momento él y Machi –que luego formarían Invisible conmigo– trabajaban con Pappo. Luego, hablando con Black, decidimos que el bajista tenía que ser Bocón Frascino, quien antes se había desempeñado como guitarrista rítmico en otras agrupaciones.”

Una vez formada la banda, y luego de intensos ensayos, Pescado Rabioso hace su debut en vivo en el cine teatro Metro el 5 de mayo de 1972. Para esa ocasión la banda tenía preparado un volante que se repartiría entre el público, en el cual se decía:
“¿Por qué seguir soportando como siempre la misma cantinela complaciente en la radio, en la TV, en todas partes?
¿Por qué seguir participando así de esa caravana ciega de comercio y mediocridad rumbo a la muerte?
No te evadas. La música de rock esperaría mucho tiempo más por vos si no fuese tan urgente la salida al amor. Spinetta – Black – Bocón – Pescado Rabioso.”
Tras esta presentación, la banda participa del ciclo B.A. Rock llevado a cabo en el teatro Don Bosco de San Isidro, realizando luego distintas presentaciones entre la ciudad de La Plata y Bs. As.

Ya en sus comienzos se hacía claro que Pescado Rabioso no era una banda más en el ambiente rockero de 1972. Más allá de que Luís Alberto Spinetta hubiera integrado Almendra un par de años atrás, por lo cual tenía el reconocimiento del público, Pescado Rabioso se revelaba como una experiencia totalmente distinta y novedosa para quienes concurrían a los recitales. Aun no había editado ningún disco, pero ya las presentaciones del grupo atraían a un público cada vez mayor en el circuito casi subterráneo del rock de aquel entonces. La fuerza de la banda en vivo, la originalidad y crudeza de las canciones (muchas de las cuales permanecerían inéditas), como así también el carisma de Luís Alberto en escena, confluían en un mensaje de liberación que intentaba estallar, provocar un impacto revelador en la audiencia.

El viernes 23 de junio de 1972 el trío reúne a más de mil personas en el teatro Atlantic. A propósito de este recital aparece, bajo el título “El mazacote incendiario”, la siguiente nota en el número 29 de Pelo:

“La presentación de Pescado Rabioso generó un clima realmente especial en el teatro: algo pesado, algo poético, algo agresivo había sacudido a los que concurrieron a defenestrar o aprobar (…) Allí había quedado la bola, el mazacote incendiario que proyectan las letras y las músicas de Pescado Rabioso, claramente delineadas y rumbeantes hacia la creación de situaciones revolucionarias, una actitud no demasiado generalizada en esta etapa del rock nacional argentino, pero seguramente más virulenta y clara que las leves instrucciones de años anteriores.”

EL PALADIN DE LA LIBERTAD

2008-12-21T17:52:00.001-02:00

JUAN JOSE CARMONA

Biografía de Miguel Abuelo y sus Abuelos de la Nada

1ra. Edición:
2005
Editorial:
Compañía General de Ideas

La Fundación Miguel Abuelo y Conexión Tierra les acercan la primera biografía en formato de Libro sobre la vida de Miguel Angel Peralta
Una investigación de once años realizada por el periodista y productor Juanjo Carmona, basada en la recopilación de documentos, cartas, reportajes, fotos, testimonios de amigos, colegas, familiares, periodistas.

Con una emocionante dedicatoria de Andrés Calamaro, en la contratapa, un cuidadoso diseño de Juan Pablo Cambariere, con fotografía de tapa de Charlie Piccoli, mas registros de Andy Cherniavsky, Ricardo Rodríguez, Fito Fratti, Carlos Giustino, Javier Calamaro y diversas colecciones privadas, como la de Pipo Lernoud y la familia Peralta.
La impresión fue realizada en Chilavert Artes Gráficas, imprenta recuperada y gestionada por sus trabajadores, y consta de 287 páginas en blanco y negro, encuadernadas y cosidas a mano.

Sirva este trabajo para conocer, ordenar y despejar incógnitas sobre la vida de una de las mas importantes e influyentes figuras de la castigada cultura argentina.

Juanjo Carmona, nació en Buenos Aires en 1975 trabajo como periodista musical de diferentes medios. Cuando se cumplía un año de la muerte de Miguel, escuchó en la radio una versión de “Levemente o triste” quedando conmocionado por la hermosura de sus versos.
Fue un chispazo que definió el rumbo de la obra que trataría de recobrar y mantener presente de una manera fiel, la vida y obra de un poeta y artista de la vida como fue y es Miguel Abuelo.

El libro es imperdible y de paso comprándolo se colabora con la Fundación Miguel Abuelo que realiza actividades relacionadas con la cultura y la prevención del HIV.

DICCIONARIO DEL ROCK ARGENTINO

2008-12-21T17:48:00.001-02:00

GABRIELA TIJMAN - JAVIER AGUIRRE - MARTIN CORREA

1ra. Edición:
2005
Editorial:
Musimundo

En el recién editado “Diccionario del Rock Argentino”, Javier Aguirre, Mariana Roveta, Martín Correa y Gabriela Tijman, cuatro periodistas especializados en nuestra música, realizan un gran trabajo de edición y síntesis para dar forma a una de las obras más completas, en papel, sobre el rock nacional.

Más de 1.000 nombres de personas, lugares, eventos, canciones, circunstancias, revistas, libros, artistas y demás protagonistas, de una u otra forma, del rock local integran este trabajo, ilustrado por el genial Andrés Cascioli. Planteándose como materia de discusión los elásticos límites de lo que puede considerarse “rock nacional” y, por ende, qué cosas deben entrar y qué no dentro del compendio, el libro es algo así como la continuidad de la “Enciclopedia del Rock Nacional – 30 años de la A a la Z”, editado en 1996.

Editado por Musimundo Libros, el Diccionario cuenta con 384 páginas que recorren en orden alfabético pasado y presente de nuestro rock, desde La Cueva, Tanguito, Los Gatos y La Balsa hasta el trágico Cromañón, pasando por cientos de nombres, de los que se reseñan múltiples datos.

En el caso de los solistas y grupos, por ejemplo, las descripciones incluyen la discografía completa.
Un trabajo realmente interesante que, como bien dicen los autores, lejos está de estar completo. “Cualquier lista es incompleta y caprichosa; las fusiones y los subgéneros borronean cualquier mapa. Y los cambios históricos de percepciones y convenciones (¿es rock hoy lo que era rock ayer?) llevan a discutir cosas que en otro momento no se hubieran discutido.
Dónde empieza el rock y dónde termina es materia a debatir, y este libro participa del debate".
Si nos da el presupuesto, vale la pena comprobar cómo lo hace.

ENCICLOPEDIA ROCK NACIONAL 30 AÑOS

2008-12-21T16:38:00.002-02:00

PIPO LERNOUD - ARIEL PADOVANI - CLAUDIO KLEIMAN - JUAN CARLOS DIEZ

JUAN JOSE CARMONA -MARCELO FERNANDEZ BITAR - RODOLFO GARCIA -

SERGIO MARCHI

…De la A a la Z.

1ra. Edición:
1996
Editorial:
Mordisco

Impresionante enciclopedia con todos los grupos y solistas del rock argentino, desde la A hasta la Z, con su historia y su discografía.
Incluye a todos los grupos y solistas que fusionaron el rock con otros géneros.

Una investigación exhaustiva de la historia del rock nacional a través de la vida de sus protagonistas, con los datos reunidos durante un año de búsqueda para la Exposición Rock Nacional 30 Años, realizada en octubre y noviembre de 1996 en el Centro Municipal de Exposiciones.

Escrito por un seleccionado de periodistas dedicados al rock argentino, este libro son 30 años de música, de lucha, de creatividad, en un libro informativo y apasionante.

Lejos…la mejor enciclopedia de todas las editadas sobre el rock argentino
100% recomendable

Se consigue aun en librerías Santa Fe al módico precio de $15 (si….leíste bien…15 mangos)